Rollinga te regala entradas para ver “El árbol de la vida”, de Terrence Malick.

La película ganadora de la Palma de Oro en Cannes y reciente nominada a mejor película en los inminentes Oscars, se estrena hoy en las salas nacionales. A postear!!

El Centro Cultural Gabriela Mistral está promocionando sus abonos para el verano y en Rollinga regalaremos una entrada doble para ver a Mario Rojas y La Gallera este jueves 19 de enero a las 22 hrs., en el marco del ciclo Tocatas Mil. A postear!!

En general, el GAM tiene entradas rebajadas para las más aplaudidas obras de teatro (Amores de cantina, Al azar, Orgía) y música (Pink Milk, Iván Latapiat Groupe). Estas tendrán lugar entre el 24 de enero al 5 de febrero

Tipos de abonos:

• 15 (5 funciones, público general)
• 10 (5 funciones, estudiantes y tercera edad)
• 9 (3 funciones, público general)
• 6 (3 funciones, estudiantes y tercera edad)

Los abonos están a la venta en boleterías GAM y en puntos de ventas Ticketmaster. Cantidades limitadas.

Más info. de las Tocatas Mil

GAM. Centro Cultural Gabriela Mistral: Av. Libertador Bernardo O’Higgins #227 Metro UC. Estacionamiento subterráneo por calle Villavicencio #354

Ganadora de entrada doble:

• Rocío Pacheco

La entrada estará en boletería y debe retirarse media hora antes del evento con el carnet de identidad.

Estos tipos aman la música, la tratan como una amante adolescente y la acarician con esmero. Su folk es melancólico, con letras sugerentes y notables armonías que no caen en la afectación o la vanidad. El segundo disco de los de Washington no presenta fisuras y ofrece íntima grandilocuencia, si es que semejante cosa es posible. Juzgue usted.

Video: Grown ocean

Evolución, experiencia y virtuosismo. No hace falta la fluorescencia ahora para brillar con un estilo propio, lleno de ingenio que cabalga sobre un rock que puede reinvetar sus caminos una y otra vez. Es innegable que desde ese experimento oscuro y desértico llamado “Humbug”(2009), la banda de Alex Turner terminó por perder un buen puñado de fans, pero lo que confirmaron entonces y ahora con “Suck it and see”, es que para ser grande hay que afianzar el talento sin repetir la fórmula. Este álbum es un buen ejemplo.

Video: Don’t sit down ‘couse I’ve moved your chair

Sin un mango en los bolsillos, los británicos de Chapel Club apostaron lo que tenían en dos singles poderosos que no ocultaban su gusto por Echo and the bunnymen, The Smiths y Joy Division. “O maybe I” y “Surfacing” dispusieron la mesa y los que saben se sentaron ante ella para disfrutar del plato. La voz de Lewis Bowman es la superficie gastada y cavernosa por la que se mueven sus guitarras y un impulso post punk afilado y lleno de buen gusto.

Video: O maybe I

Símbolo de los nuevos tiempos, Cults se hizo famoso en Internet antes que en las radios. Algunos los llamaron los nuevos Beach House, pero esta dupla es más que una simple comparación. En poco más de media hora y con singles como “Abducted” y “Go Outside”, el grupo se balancea entre un ruidoso pop de guitarras y el post punk británico. Es un sonido que huele a espíritu adolescente, de luminosidad playera y precisión matemática. Un debut que irradia felicidad y jamás suena empalagoso.

Video: Abducted

Mientras el mundo avanza a una velocidad asombrosa, Tom Waits sigue su camino a paso lento, a media luz y cocinando sus melodías de perdedor orgulloso con estilo único. Nuevamente junto a su mujer y productora Kathleen Brennan, “Bad as Me” transmite el genuino pulso de Waits: están el sonido de los trenes, la voz carcomida por el alcohol barato y esas baladas venenosas que se impregnan en la sangre. Es música de otro tiempo y sentido, que llega al corazón y apela a la emotividad. Otro lujo de un gigante de la canción.

Video: Satisfied

Cuando la mayoría del hip hop se ha transformado en una moda comercial, Tyler, The Creator, el capo del colectivo Odd Future, vuelve a poner las cosas en orden. Su boca sucia dispara furia, delirio e insultos. De sus versos nadie se escapa: puede atacar a los homofóbicos como a los homosexuales. Tyler está en constante odio frente al mundo y lo manifiesta sin tapujos. Su música libera tensión y hace abrir los ojos. Un caos sonoro que también posee capas de minimalismo lúgubre. Con él, el rap ha vuelto a lanzar combos en el estómago.

Video: Yonkers

Fernando Milagros siempre combatió con su propio demonio: su desmesurada similitud con Devendra Banhart. Ese parentesco artístico le restaba méritos y actuaba como una sombra que opacaba su talento natural. El antídoto vino por fuera y tuvo un solo nombre: Cristián Heyne. El productor -y responsable de los éxitos de figuras como Javiera Mena, Gepe y Denver, entre otros- desechó las semejanzas con el cantautor estadounidense y limpió la cara de Milagros. Hizo que sus canciones fueran atractivas y luciendo su propia identidad.

Con un folk profundamente chileno y atravesado por la melancolía, Fernando Milagros envuelve en un lazo indivisible a sus antepasados sesenteros con el futuro y se distancia de la homogeneidad del folk de su generación.

Video: Carnaval

La primera pregunta que se hacen todos los que escuchan las canciones de Connan Mockasin es la cantidad de drogas que debe consumir antes de entrar al estudio. Pero el tipo ni siquiera fuma. En este neozelandés sobrevuela el fantasma de Syd Barrett junto a los Air más flotantes. Son canciones dementes, que surcan pasadizos secretos y poseen quiebres inesperados e imaginativos. Ese carácter tan onírico como desquiciado es una delicia para los oídos más experimentales. Lo mejor de Nueva Zelanda desde los fabulosos Crowded House.

Video: Forever Dolphin Love

Canadá como Suecia siempre es tierra pródiga en figuras emergentes del rock más fértil. Timber Trimbe es la presentación de Taylor Kirk, un muchacho obsesionado con la música de los 50. En su segundo disco, el músico pone primera en canciones que huelen a Twin Peaks, Mad Men y películas de terror. Su búsqueda musical trabaja más con las sensaciones que con los golpes de efecto inmediato. En un instante, puede ser contemplativo y, en otro, calzarse el traje de Roy Orbison o Nick Cave. Es música plagada de detalles y que logra hipnotizar en cada nueva escucha. Magnífico.

Video: Woman

Antes de grabar “Let England Shake”, PJ Harvey leyó libros de historia, blogs de soldados que viven en países en guerra y miró documentales de la Primera Guerra Mundial. El mundo experimenta un cambio radical y la inglesa quiso plasmarlo a su manera: revisando el pasado para entender el presente. En apenas cinco semanas en el estudio, la solista abortó la tradicional visceralidad de su voz y la suplió por un timbre agudo y ligero. Un tono impropio que parecía ponerla de espaldas a su trayectoria.

Esos esfuerzos vocales casi infantiles eran el contrapunto de sus líricas. Con la guerra como telón de fondo, PJ Harvey estampa la crónica de un viaje al infierno. En su recorrido hay sangre, cadáveres, campos de batalla, mutilaciones y cráneos despedazados.

Acompañada por fieles colaboradores como John Parish, Flood y Mick Harvey -antiguo lugarteniente de Nick Cave-, las doce canciones de la inglesa surgen del folk y derivan en una economía de recursos instrumentales: golpes pulcros de batería, rasgueos de guitarra y trombones milimétricos. Es un paseo por la destrucción dotado de una belleza musical sublime. Ganador del Mercury Prize 2011 -premio que obtuvo también en 2001 por “Stories from the City…”-, “Let England Shake” es un disco apasionado, épico, incómodo y profundo. El arte en su expresión más elevada. Y, con todo merecimiento, el mejor del año.

Video: Last living rose

Del 20 al 11

Más limpio, nítido y fuerte, el sonido indie de esta banda de New Jersey supera con creces su estreno de 2009. Las canciones en “Days” fluyen sin esfuerzo, con letras que parecen la variación de un mismo tema: la bucólica vida de los suburbios. Hay algo del primer REM, también de Pavement sumergido en el bálsamo de The Feelies; en resumen, talento melódico que engancha de manera sólida a través de un disco completo y eso, ya se sabe, no es poco.

Video: “It’s real”

Una innegable inspración retro y una cuota de madurez que no mancha su punteria energética. Velociraptor! es el cuarto larga duración del grupo originario de Leicestershire y mezcla cuotas del electrorock que los hizo famosos (“Velociraptor”, la canción), pulso sesentero a lo The Last Shadow Puppets y baladas para enmarcar (“Goodbye kiss”). Los muchachos se escuchan sueltos pero por sobretodo, llenos de confianza.

Video: “Switchblade smiles”

Un inglés melancólico llamado Joseph Mount cuyo nombre artístico lo adentró con valentía en los frágiles terrenos del electro indie. Porque si no eres sólido como, digamos, The go find, es fácil terminar en una caricatura. Sin embargo, Metronomy consigue con “The English Riviera”, cierto pulso insomne que entrega momentos de calma y sofisticación; de ricas capas sonoras montadas en melodías para silbar sin temor a ser descubierto.

Video: “The bay”

Un dúo como precepto de formación para una banda, fue un dibujo repetido en variados rincones del orbe durante este año. La originalidad aquí radica en cómo Charles Watson y Rebecca Taylor (Sheffield, Inglaterra), logran mezclar una sensibilidad de orquesta, con pop atmosférico repleto de coros superpuestos y vívidos. En general, su segundo disco después de “Yeah, so” es evocativo e intenso. Lo que venga a futuro sólo debe hacer a un lado el exceso de dulzor para comenzar el despegue definitivo.

Video: “Two cousins”

La guitarrista Annie Clark (28) logra superarse con riffs agresivos al servicio de melodías incombustibles. Adorada por Bon Iver y los muchachos de Grizzly Bear, la señorita Clark y su alter ego llamado St. Vincent construyen un pop inteligente, de voz cálida y pulso rockero. La consistencia de “Strange Mercy” y de temas como “Chloe In The Afternoon” o “Surgeon” confirman las amenazas de “Actor”, uno que también estuvo entre los mejores de 2010.

Video: “Surgeon”

Tiene apenas 21 años y diarios influyentes como The Guardian lo llaman “el niño prodigio de la música electrónica”. Reposado, crepuscular y hedonista, el disco debut del hijo de Alfredo Jaar es un manantial de sonidos inteligentes, cocidos a fuego lento y que se enquistan profundamente en el alma. Es un nuevo estilo de baile que, junto al británico James Blake, está cambiando los códigos del género. Estas canciones no sólo piden acceso a mover las caderas, sino que también introspección.

Video: “Carminho”

El compañero de Alex Turner en “The Last Shadow Puppets” le saca brillo a la tradición más sofisticada y pulida del rock británico. Sin puntos bajos y con un romanticismo oscuro que atraviesa sus doce canciones, el álbum vuela alto en sonoridades sicodélicas y de orquestación finísima que miran a hermanos mayores como T-Rex, Lennon y Echo and the Bunnymen. La obra causó tan grata impresión que, hasta el mismo Liam Gallagher, acostumbrado a insultar a la mayoría de los rockeros emergentes de su país, le dijo al solista que envidiaba canciones. Ese cumplido cerró el círculo: Kane, por fin, se sacó el estigma del acompañante eficiente. Ahora, también juega en primera división.

Video:”Come closer”

Veinte años sin material nuevo y ni se les notó. The Feelies fueron una de las bandas más sobresalientes del post punk de comienzos de los 80 en Estados Unidos, pero nunca alcanzaron la gloria. Con este álbum, es seguro que tampoco tocarán el cielo, pero al menos pondrán contento a más de alguno. Encontramos los mismos ingredientes del pasado: melodías elegantes, una voz cavernosa, estallidos eléctricos y alguna melancolía optimista. La escuela de Velvet Underground sigue con acólitos aventajados. Larga vida a The Feelies.

Video: “Nobody knows”

Ser hijo de Ian Dury, el mítico creador de ese himno llamado “Sex, Drugs and Rock and Roll”, podría ser la lápida para cualquiera. Menos para Baxter Dury. En su tercer disco, el hombre saca conejos de su sombrero y confirma que sus brillantes obras anteriores – los sicodélicos “Len Parrot’s Memorial Lift” (2002) y “Floor Show” (2005)- no fueron simple espejismo. Con una aparente simpleza compositiva y un espíritu low fi, el solista apuesta por arreglos juguetones, interpretaciones a dos voces con Madeleine Hart y las canciones más luminosas de su carrera. Lástima que se tome tanto tiempo entre disco y disco.

Video: “Claire”

Vivir en Oklahoma no suele ser sinónimo de diversión. Esa condición es, quizás, el síntoma que llevó a Other Lives a hacer música de clima brumoso, donde el frío siempre le gana al sol. En su segundo álbum, el grupo viste sus canciones con algunas ropas conocidas: la elegancia tenebrosa de The National -su más cercano referente-, los entramados preciosistas de Fleet Foxes y armonías corales que recuerdan a Ennio Morricone. Es un disco para almas sensibles y en permanente invierno. Para emocionarse y llorar.

Video:  ”For 12″

Del 10 al 1

Algo mágico y suave se puede respirar cuando la guapa señorita Nanna Oland Fabricius comienza a componer sobre paisajes montañosos y bailes tribales. Nuestra favorita del mes es también la favorita de los daneses, pueblo extraño que en este preciso instante lidia con el frío atómico de diciembre.

por Natalia Ubilla.

A pesar de sus 28 años, Nanna Oland posee una extensa lista de oficios y profesiones: cantante, actriz, compositora, productora musical y hasta bailarina. Hija de un organista y una cantante de opera, Oland sabe experimentar a partir de letras que evocan y mezclan la naturaleza con el pop.

Tener una banda no siempre fue su primera opción, en eso influyó una hernia discal (por desgracia o suerte, como lo quieran ver) que le impidió seguir con su carrera de bailarina.

“Fauna”, su debut, fue lanzado en Dinamarca el 10 de noviembre de 2008. Su nombre resultó ser un homenaje a su tatara tatara abuelo,  misionario y etnógrafo, quien registra un libro con el mismo nombre publicado nada menos que en 1780.

Posterior a un ep que sirvió para soltar la mano y con un poco más de experiencia, para su segundo disco homónimo, esta vez bajo el alero del sello Epic Records, ofreció un sonido mucho más sólido.

Presentado oficialmente en Estados Unidos el 14 de marzo de 2011, el disco alcanzó el puesto 84 en el Billboard 200, haciéndola merecedora del premio al mejor artista nuevo de los NewNowNext Awards.

La popularidad de Oh Land en Estados Unidos no ha parado de crecer desde su debut televisivo tocando “Sun of a Gun”, el 2 de marzo de 2011, en el show de David Letterman, y hace poco hizo de telonera en algunas fechas de la última gira de katty Perry.

Una a una, las fichas del rock caerán en su lugar en una noche cargada de acetato. Algorecords celebra con todo sus nueve años, en medio del lanzamiento que La Big Rabia hará de su disco debut. Rollinga regala 3 entradas simples para los que posteen con nombre, apellido y un mail válido. A participar!!

Aniversario Algorecords
Viernes 2 de diciembre
Lugar: Bar Loreto, Loreto 435, Bellavista.
Horario: 23:00 hrs.
Entrada: $3.000.-

El resto de la noche, sólo se escucharán vinilos. La música estará a cargo de varios músicos y amigos de Algorecords: Pablo Casino (Casino, The Ganjas), Yankee Rose (Sam Ganjas), Algo Saico (Alvarito Perrosky), Cureguillo (Casino), Tripmonkey (Los Lentos) y Especial 35 (Álvaro Daguer).

Esto y mucho más, tiene preparado Algorecords para celebrar nueve años de rock  junto a sus amigos.

Ganadores:

• Nicolás Bustamante Moena
• Gonzalo Almuna
• Carlos Torrejón

Sus nombres estarán en una lista en la entrada, lo que será válido sólo hasta la 1 am.

Los próximos números en la carrera de Paul Weller son los siguientes: el 26 de marzo sacará a la calle su disco número 11. Noel Gallagher y Graham Coxon firmaron su colaboración en una nueva apuesta de la leyenda británica.

Se llamara “Sonik Kicks” y contiene un total de 14 pistas. Según se ha filtrado, hay psicodelia, trazas de un Jimi Hendrix aterciopelado, rock and roll y las gotas del folk urbano que suele cocinar tan bien el ex líder de The Jam.

Del disco ya se puede escuchar el primer single en el sitio oficial: Around the lake. Weller también anunció dos nuevos espectáculos de Londres para promover el lanzamiento del álbum, el 18 y 19 de marzo del 2012, y con el apoyo de Baxter Dury. El hombre sabe.

Con 10 mil visitantes y una confiable postal del presente musical chileno a modo de resultado, la segunda versión de este mercado de la música llamado Pulsar, confirmó que el crecimiento de la inciativa tiene posibilidades asombrosas.

Terminó ayer en medio de los sonidos de Ana Tijoux y Silvestre, poniendo fin a más de 30 horas en las que bandas y solistas, disqueras, sellos independientes, sitios web y vendedores de instrumentos, reclamaron su lugar en el mercado nacional chileno.

Tanto para melómanos como para iniciados, Pulsar 2011 pareció la versión inteligente y sinérgica de lo que debe ser un estudio en terreno sobre lo que es y rodea la industria musical en nuestro país. Más independiente y variada en sus diversos nichos de negocio, la autogestión y la búsqueda de apoyos se pusieron en movimiento en un ambiente positivo, impregnado por las armonías de 50 artistas entre los que destacaron: Dënver, Nano Stern, La Floripondio, Perrosky, Manuel García y Ana Tijoux; además de los nóveles La Big Rabia o Carolina Nissen.

La Floripondio.

Ana Tijoux.

*Fotos por Francisco Rojas.

Hoy se cumplen 40 años de Led Zeppelin IV, uno de los álbumes más vendidos de la historia. La obra cumbre del grupo se realizó en medio de escándalos, borracheras y amenazas de muerte.

por Felipe Rodríguez

Jimmy Page estaba molesto. El ideólogo de Led Zeppelin se sentía traicionado por las críticas de la prensa a su disco Led Zeppelin III (1970). La revista Rolling Stone sentenció que su música era “para drogadictos” y Los Angeles Times que su éxito se basaba “en el consumo de anfetaminas de los jóvenes que trastornaban sus sentidos”. La relación con la prensa estaba quebrada. Y los músicos tampoco ayudaron a levantar su imagen. En las giras, actuaban como forajidos en una bacanal eterna: destrozaban hoteles, bebían hasta la inconsciencia y tenían sexo, especialmente, con adolescentes.

Por eso, al entrar al estudio a grabar el nuevo disco, el guitarrista se juramentó trabajar el doble y negarse a las entrevistas. El silencio se amplió a toda la banda: la guerra con los periodistas estaba declarada. A fines de 1970, Page y el vocalista Robert Plant se encerraron en una campiña galesa a crear música. En sus cabezas, buscaban crear un himno que sustituyera a “Dazed and Confused”. Les costó poco. Jimmy rápidamente ideó la introducción de “Starway to Heaven” y la imaginación fluyó en forma ascendente. Tanto, que, por un momento, pensaron editar un disco doble.

Cuando el cuarteto -que integraban, además, el baterista John Bonham y el bajista John Paul Jones- se reunió en unos estudios londinenses, el ánimo era el mejor. “Black Dog” salió de una improvisación de Page, mientras veían a un perro negro que entraba y salía mientras grababan y “Rock and Roll”, a partir de un ensayo de Bonham del tema “Good Golly Miss Molly” de Little Richard.

En marzo de 1971, los rumores de su separación eran cada vez más recurrentes en los tabloides británicos. Incluso, el semanario musical, Melody Maker, afirmó que Peter Grant, el manager de Led Zeppelin, los había dejado y que estaba listo para firmar con Emerson, Lake and Palmer. Pero todo era un tongo.

Por esos días, la banda brindó un pequeño concierto en la BBC donde presentó algunos de sus nuevos temas que bebían del blues y el rock. Aunque la crítica no los trató bien, no los despedazaron como a su anterior álbum. Page, en tanto, no había quedado conforme con la mezcla realizada en Los Angeles y se tomó un tiempo más. Las buenas noticias seguían: el Parlamento inglés les entregaba un reconocimiento por sus discos de oro y sus ventas eran superiores en tres veces a las de los Rolling Stones.

A mediados de agosto, en un tour por Estados Unidos fueron amenazados de muerte por grupos conservadores y se movían con guardaespaldas. Unas semanas después, en su primera gira por Japón, la banda actuó fiel a su leyenda. Bonham compró espadas de samuráis e hizo trizas su habitación. Jones, totalmente borracho, fue arrastrado por sus compañeros a la salida de su pieza, mientras sus otros compañeros disfrutaban con prostitutas. El escándalo fue tan grande que el hotel Hilton de Tokio los expulsó de por vida.

Los conflictos abundaban. Los ejecutivos de su discográfica se opusieron a que la banda decorara su portada con cuatro símbolos que representaban a los músicos. “Es un suicidio comercial”, dijeron. No pudieron hacer nada. Led Zeppelin vendía tan bien que podían tener control total de su trabajo. Page salía, otra vez, triunfante. A la semana de su lanzamiento, el disco -llamado Led Zeppelin IV por los fans- era el segundo más vendido en Estados Unidos y “Starway to Heaven” se coronaba como el nuevo himno. El grupo había hecho su mejor disco, ha vendido más de 25 millones de copias y es uno de los más grandes de la historia del rock.

Lo suyo fue una historia tan vertiginosa como breve que, 16 años después de su fin, vuelve a poner al grupo en lo alto de los titulares con el anuncio de reunión que lanzaron el 18 de octubre pasado, agotando en 14 minutos las 150 mil entradas puestas a la venta para el concierto que marca su regreso.

por Alejandra Zúñiga

1989: un grupo de veinteañeros editan el que es considerado uno de los discos esenciales de la historia y que fue bautizado con el mismo nombre de la banda: “The Stone Roses”. De este debut al estrellato apenas bastaron 12 meses, cuando en 1990, el cuarteto se presentó en Spike Island, al norte de Liverpool, en un mítico concierto al aire libre que congregó a 27 mil personas bajo mucho sol, tierra y drogas, para ver a la que ya era conocida como “la mejor banda de la época”. Ahora, luego de 16 años de receso, aquel recuerdo vuelve a vibrar con la expectativa que ha traído la confirmación de su retorno a las pistas.

A tanto llegó la conmoción que el ex líder de Oasis, Liam Gallagher, publicó de inmediato a través de Twitter un mensaje: “No estaba tan feliz desde que mis hijos nacieron”. Imposible no creerle: sin The Stone Roses, el Gallagher chico no habría tenido a quien imitarle los simiescos movimientos con que se para sobre el escenario y sus peleas con su hermano Noel habrían sido sólo comidillo de bar, muy lejos de los miles de medios interesados en saber todo de la agrupación que, en una irónica jugada, ocupó el lugar que ellos dejaron vacante.

Porque el grupo de Ian Brown (voz), John Squire (guitarra), Alan “Reni” Wren (batería) y Gary “Mani” Mounfield (bajo) fue un antecedente esencial para eso que en los 90 se tomó las pistas de baile y las radios de buena parte del mundo bajo el nombre de “brit pop”, además de influenciar en buena medida a la corriente más electrónica de la década.

La leyenda se fraguó con una mezcla de rock, dance, funk y psicodelia sesentera coronada en envolventes atmósferas y una serie de canciones-himno como “I’m the resurrection”, “I wanna be adored” o “This is the one”, escrita luego que los músicos fueran encerrados en una pieza por uno de los productores, “hasta que tuvieran un tema”. Como anécdota, esta canción es hace años ocupada por el Manchester United como banda sonora para salir a la cancha de su estadio y hasta Ian Brown la ha cantado a capella para animar a los jugadores.

Pero este exitoso primer paso fue opacado por la larga disputa en la que se vio envuelto el grupo con el sello Silverstone, descontentos por la forma en que éste les había pagado. En un intento por liberarse de su contrato y con la intención de firmar con el gigante Geffen, pasaron cinco años de litigios antes de que se editara finalmente “Second coming”.

“Nos inhabilitaron por dos años y medio. No podíamos hacer conciertos ni discos. Terminamos no haciendo nada o ensayando a veces, pero no podíamos mostrarlo. Habíamos perdido el momento de atención”, comentó “Mani”.

Tras varias peleas internas, que terminaron con el alejamiento en 1995 de Reni y, al año siguiente de Squire, quien se dice, pudo haber sido reemplazado por Slash cuando el recién salido guitarrista de Guns ‘n’ Roses ofreció sin éxito sus servicios a la banda, la historia de The Stone Roses llegó en 1996 a su fin, tras unas olvidables últimas presentaciones en España e Inglaterra.

El imperio “baggy”

Dos casas separaban a Brown y Squire cuando no pensaban en guitarras ni fama. En la adolescencia la dupla decidió, como casi cualquier quinceañero, formar una banda. La culpa la tuvo, según Brown, Margaret Thatcher, quien con su subsidio por desempleo le dio a gente como ellos, The Smiths o Joy Division, tiempo para dedicarse a la música. “En Machester, si estabas desempleado, nunca estabas solo”, comentó.

Bautizados en un inicio como The Patrol, pasaron luego a ser English Rose para terminar en The Stone Roses. Bajo ese nombre dieron su primer concierto en 1984, teloneando en un concierto anti heroína a Pete Townshead, a quien convencieron mandándole un efectivo mensaje: “Estoy rodeado por drogadictos. Quiero aplastarlos. ¿Puedes darnos un show?”.

Al año siguiente lanzaban su primer sencillo, So young/Tell me; tocaban en la Hacienda, centro obligado de la movida “Madchesteriana”, y eran junto a Happy Mondays, Inspiral Carpets y The Charlantans representantes de la nueva era “baggy”: esa que dejaba atrás lo oscuro y se vestía con pantalones anchos, camisas sueltas y largas chasquillas.

Tras varios EP llegó en 1989 “The Stone Roses”. Producido por John Leckie, quien como ingeniero de Abbey Road había trabajado con Pink Floyd además de Lennon, Harrison y McCartney, el álbum tiene una alabada portada diseñada por Squire, quien se basó en el estilo de Jackson Pollock y puso imágenes de limones en alusión a los manifestantes de mayo del 68, que siempre llevaban algunos para aminorar los efectos del gas lacrimógeno.

¿El resultado?, la prensa rendida a sus pies, miles de fanáticos coreando sus temas, apariciones televisivas en programas como Top of the Pops y The Late Show en la BBC, donde a los 45 segundos reventaron los fusibles por tocar muy alto.

Y antes de la caída, la resurrección y el comienzo del mito, los cuatro de Manchester soñaban con “ser tan grandes como los Beatles”, al tiempo que apostaban arrogantes: “Somos el grupo más importante del mundo, porque tenemos las mejores canciones y no hemos ni siquiera empezado a mostrar nuestro potencial todavía”.

“¿Quieres hacer el favor de callarte por favor?” fue el primer libro de cuentos de Raymond Carver, uno de los mejores escritores estadounidenses del siglo XX. Sindicado como principal exponente del realismo sucio, sus historias sirven de aceitada plataforma para retratar la crudeza de la miseria social estadounidense. Un imprescindible.

por Andrés Cárdenas

Abandonarse a un cuento es como tratar de comprender una guerra apareciendo en campo de batalla sin armamento y siendo arrebatado a los pocos instantes. Es mirar por una rendija, escuchar con la oreja pegada a la puerta, quedarnos con el fantasma. Escasos segundos, apenas una decena de párrafos que lanzan la cantidad de tinta estrictamente necesaria para que lo figurativo quede a merced del receptor. Tenemos que dotar de significado a ese mínimo encuentro. Memoria emotiva, construcción de escenarios, abstracción de la humanidad en dos o tres personajes. Cualquiera de esas tres opciones sirve para hacer expandir la literatura sugerente de Raymond Carver y no quedarse con la impresión de una no-historia. Anuncio la parcialidad de estas líneas, fruto de leer su primera recopilación de relatos cortos ¿Quieres hacer el favor de callarte, por favor? y tener todavía sus cuentos en mi retina.

Voy a obviar la problemática de la injerencia del editor de Carver, Gordon Lish, en sus primeros textos. Me ciño inevitablemente a la traducción que nos ha sido dada. Generalmente se encasilla al escritor norteamericano nacido en 1938 dentro del minimalismo y del realismo sucio. No importa cómo se llame la categoría, lo que pasa es que con una economía austera en palabras, con la descripción justa de eso que se nos hace tan cotidiano y pequeño, tan aliterario, evoca situaciones que nos dejan desolados. Personajes que cargan con el fardo de la soledad de aquel que se considera arrojado al mundo por azar y no encuentra su redención en esas mismas banalidades. “La desesperación es la convicción de haber perdido para siempre todo amor; el horror de la total soledad”, lo dijo un teólogo contemporáneo. Personajes que, habiendo descubierto la precariedad humana, no saben qué esperar. Los oprime la realidad y no saben cómo escapar.

Sobre todo pienso en cinco de los veintidós cuentos. En Al, el personaje principal de “Jerry, Molly y Sam”, que no sabe cómo rehacer su vida golpeada económicamente y, sobre todo, involucrado en un affair. Quiere salir, y considera que el primer paso es deshacerse de la mascota de su casa. Pienso en “La esposa del estudiante” donde están Nan y Mike, casados, conversando en la noche en su cama antes de dormir. Él se duerme y ella termina llorando sin saber qué llora ni por qué pide ayuda a un Dios en el que no cree. Pienso en “¿Qué hace usted en San Francisco?”, en “¿Por qué cariño?” y en el que da nombre al libro. Es interesante saber que Carver publicó esta recopilación durante la época más complicada de su vida: cuando recién había abandonado el alcoholismo, salía de un fracaso matrimonial y se había declarado insolvente. Supuso su consagración inmediata y marca el inicio de la década que tuvo para escribir antes de morir de cáncer a los 50 años.

“Tarot Classics” es el nombre del EP que la banda de West Palm Beach Florida, lanzará este 25 de octubre. Se trata de cuatro temas, entre los que destaca el single Miranda.

Además de este corte, hay remezclas a cargo de School of Seven Bells, Speculator, Allen Blickle de Baroness y Totally Sincere. Para los fanáticos, en el Facebook del grupo permitirán escuchar Voyager Reprise si se consigue cierto número de “Me gusta”.

El grupo se formó en 2009 y su single de debut Nadar, ganó la aclamación de la crítica y fue nombrado como uno de los mejores temas de ese año por Pitchfork.

Su debut en las ligas mayores se produjo con “Astro Coast”, en enero de 2010.