El Ciempiés  es un inquieto insecto que camina por las calles de Santiago buscando especies interesantes para mantener una conversación. Su nombre real es Werne Nuñez, y para darle un espacio único a este curioso personaje el equipo de la radio junto con una conocida marca de teléfonos celulares, decidieron crear el primer programa radial grabado con un teléfono de este tipo.

Además, por los Facebook del principal  auspiciador y Radio Horizonte más el canal de Youtube , se puede seguir a El Ciempiés y sus historias apoyadas con videos.

En uno de los retornos más esperados del año, The Coral mantiene en su nuevo disco, Butterfly Hose, su sello característico: canciones de vuelo rasante, donde la sicodelia juguetea cómplice con las baladas folk y se resume la mejor tradición guitarrera de Liverpool. Como siempre, una banda para ir a la segura.

Cuando le preguntaron a James Skelly, el líder de The Coral, sobre la inspiración de su nuevo disco, Butterfly House, su respuesta fue inmediata: “el cine, la comida y los asados”. Irónico, el cantante puede estar satisfecho. El grupo acaba de estrenar uno de sus mejores álbumes. Como The Beta Band, Grandaddy y los reformados 22-20’s, The Coral pertenece a una raza extraña: ese tipo de bandas capaces de crear canciones conmovedoras y melodías orgullosas de su personalidad, pero que jamás consiguen ser de impacto masivo.

Sin el guitarrista Bill Ryder-Jones, retirado por decisión propia tras su anterior álbum, Roots and Echoes (2007), y con la producción de John Leckie, un veterano hechicero detrás de discos de Lennon, The Stone Roses, Radiohead, Pink Floyd y The Verve, entre otros, el combo de Liverpool recae en sus mismos vicios: canciones inspiradas en 1965, que mantienen la tradición guitarrera impuesta por Los Beatles y que están diseñadas a partir de una sicodelia sutil, a medio camino entre el vuelo y la tierra.

En 18 canciones, la banda repasa la mejor tradición armónica de su ciudad. Aquí sobrevuelan las guitarras envolventes de Shack, la inocente dulzura de La’s y la belleza lunática de Echo and the Bunnymen. Sin olvidar, por cierto, a los mayores popes del pueblo: Los Fab Four. Siempre con los ’60 como fetiche sonoro, recrean a The Shadows con Walker Brothers -More than a Lover-, imprimen las baladas ensoñadoras de McCartney -Walking in the Winter- y recuperan los tonos cristalinos de The Byrds -Two Faces-.

Quizás nunca logren la fama que se merecen. Pero da lo mismo. The Coral es de esos obreros de buen gusto y elegancia suprema que siempre serán una bendición. Dignos, altivos y emotivos, continúan despachando gemas atemporales y directas al corazón. Son de los más grandes, aunque, hasta ahora, sólo sean un secreto de pocos. (Felipe Rodríguez C)

Tracklist:

1.- More Than a Lover
2.- Roving Jewel
3.- Walking In the Winter
4.- Sandhills
5.- Butterfly House
6.- Green Is the Colour
7.- Falling All Around You
8.- Two Faces
9.- Shes Comin Around
10.- 1000 Years11.- Coney Island
12.- North Parade
13.- Into the Sun
14.- Coming Through the Rye
15.- Dream In August
16.- Another Way
17.- Circles
18. 1000 Years (Acoustic Version)

Jorge Ramirez Escudero es Hyperpotamus, un solista que sólo se sirve de su voz para expresarse. Nada de instrumentos, sólo su arriesgado timbre de voz y desconfianza en las cuerdas, percusión o en cualquier cuerpo ajeno a su inquieta garganta.

Imaginen esto. Un lugar desconocido ampara al espectador curioso. No hay más claves que sutiles sonidos que comienzan a aparecer de forma irregular, pero constante. Se superponen. Saltan unos sobre otros peleando su lugar en el escenario. A poco andar esta sinfonía de lo espontáneo cobra carácter y personalidad. Ya no se está en casa. Lo único que se puede hacer es esperar que ese español flaco que salta alrededor de tres micrófonos sea tu guía en ese viaje, lo cual no es ninguna garantía.

Jorge Ramirez Escudero (28), alias Hyperpotamus, sólo confía en su voz para expresarse. Con ella va creando distintas capas sonoras que va repitiendo con una pedaleras de loops, jugando un poco a la hipnosis. Se balancea entre el hip hop, el soul y lo absurdo. Se golpea el cuerpo y le saca sonidos a lo que lo rodea, en su propia forma personal de revelarse ante la guitarra, el bajo y la batería.

“Encontré que el formato tradicional de hacer rock estaba pareciéndome cansino. Eso, más una mala experiencia con la discográfica que trabajó con mi último grupo me enseñó que nadie va a hacer mejor las cosas que tú”, señaló Hyperpotamus, durante su gira norteamericana que lo llevó por Canadá y Estados Unidos el pasado mes de marzo.

La vida de Jorge ha estado marcada por los viajes y los cambios. Debido al trabajo de su padre en la banca internacional, la ciudad de Tokio lo vio nacer y sus correrías de niño/adolescente fueron vistas por las calles de Bilbao, Londres, Bruselas y Madrid, lugar donde finalmente se estableció. Sin embargo, en 1992 el solista español detuvo sus pasos en Santiago de Chile a la edad de 11 años.

“Anduve por La Serena y el Valle del Elqui en el norte, mientras que hacia el sur llegué hasta la laguna San Rafael. En Chile además empecé mi relación con el sexo opuesto. Fue un salto cualitativo fuerte. No sé si por la edad, o porque en Chile se da más lo de buscar polola y demás, pero para mí fue así. Además, me acuerdo mucho de mis compañeros de colegio”, recuerda.

Su padre vive hace un año y medio en Chile y es dueño de la librería Ulises ubicada en Providencia. Jorge dice que tiene una visita pendiente a nuestro país, ocasión en que le encantaría mostrar su música. “Chi, chi, chi, le, le, le, Hyperpotamus en Chile. Hago música a capella para alegraros la vida”, dice.

Con muy poco
Cuando se le pregunta por el origen de su estilo, el hombre recuerda tres cosas de hace un par de años: la experiencia trabajo-lisérgica de 24 horas en un festival de música, gente drogada y picaduras de medusa africana: “Estaba hecho un asco. Como no podía dormir, comencé grabarme con un ordenador que tenía a mano. Lo que ocurrió después fue una epifanía. Me di cuenta que lo que acababa de hacer (una grabación proto-Hyperpotamus) era lo mejor que había hecho nunca”.

Desde ese momento la autogestión fue el camino elegido por Ramírez Escudero. Comenzó a mostrar su arte en las estaciones del metro de Madrid donde la gente reaccionaba diciéndole “Justin Timberlake”, dándole dinero a cambio de que cantara “Cumpleaños Feliz” o simplemente escuchándolo. Para Hyperpotamus, la calle transformó el experimento en realidad: “Fue de las mejores cosas que he hecho en mi vida. Es gratis, te das a conocer, y encima, si tienes suerte, te pagan. Además, estás expuesto a la mirada juzgadora de extraños y no puedes hacer nada más que seguir con lo tuyo”, reflexiona.

Tras seis meses comenzó a abrir para otras bandas y el proyecto se fue consolidando. En marzo de 2009 lanzó su primer disco: Largo Bailón, que contiene 12 canciones que nacieron de este proceso de independencia, en el sentido más amplio de la palabra: “Regularmente sentía euforia, vértigo y emoción. Empecé a rechazar lo impuesto y me lancé al vacío. Uno puede vivir la vida que uno desea vivir. Será más difícil que elegir caminos ya establecidos e implica riesgo (…) pero uno será infinitamente más feliz”

Hyperpotamus trata que cada una de sus canciones reflejen un sentimiento positivo bajo el lema de lo simple: “Una amiga me dijo que después de uno de mis conciertos pensó “Sí puedo” y bueno, en este tiempo de crisis constante viene bien un vitaminado de entusiasmo”. (Patricio Salazar; desde Toronto, Canadá)

Con motivo de su lanzamiento, P.A.U.S.A. Magazzine (revista de cine) en conjunto con Centro Cultural Amanda, han organizado un Ciclo de Cine y Música, dedicado al cruce entre el rock independiente y el séptimo arte. Esta es la oportunidad de disfrutar en pantalla grande –y con un audio intenso- las imágenes y el poder de la música de algunos íconos de la cultura pop contemporánea.
Este selecto ciclo de películas ligadas a emblemas del indie rock, bajo la forma de biopics y documentales, se realizará los jueves a las 22:30 horas en la sala de teatro del Centro Cultural Amanda.

Joy Division: “Control” (jueves 11 de marzo, 22:30 horas)

Sigur Rós: “Heima” (jueves 18 de marzo, 22:30 horas)

The Arcade Fire: “Miroir Noir” (jueves 25 de marzo, 22:30 horas)

The Flaming Lips: “Fearless Freaks” (jueves 01 de abril, 22:30 horas)

Dónde: sala de teatro Centro Cultural Amanda
A qué hora: 22:30 horas
Valor: 2.000 pesos
Dirección: Embajador Doussinague 1767, local 0027, Cobre de Vitacura (Ex Multicine)
Transantiago: 405, 405 e, 416 e, C14, 502

Concurso: Sorteamos 3 entradas dobles entre los que comenten con nombre y apellido!!

Ganadores Sigur Rós (jueves 18 de marzo, 22:30 horas):
- Constanza Aranda / -Sebastian vicuña /-Angela Rubio

Ganadores The Arcade Fire: “Miroir Noir” (jueves 25 de marzo, 22:30 horas)
- Diego Subercaseaux/- Lissette Fuentes- /cristina núñez

Ganadores The Flaming Lips: “Fearless Freaks” (jueves 01 de abril, 22:30 horas)
-Fernanda Venegas/- Rodrigo Valenzuela Vásquez- /Paulina Acharán

El próximo Viernes 19 de marzo se llevará a cabo en Mala Vida una noche altamente bailable para todos los que gustan de la buena musica, la cual estará a cargo de los reconocidos DJs Nico Castro, Felipe Sepúlveda y Camilo Barnier.

Fecha:
Viernes 19 de Marzo
Desde 23:30

Música:
Nico Castro
Felipe Sepúlveda
Camilo Barnier

Valores:
$ 2000 Hasta 01:30
$ 3000 Después

Lugar:
Bar Mala Vida
Buenos Aires 207 – Esq. Loreto / Bellavista

El viernes pasado, Danger Mouse, la mitad del dúo Gnarls Barkley y productor de Gorillaz, llamó a Mark Linkous, líder de Sparklehorse, para darle una buena noticia. Dark Night of the Soul, el álbum que hicieron junto al director David Lynch, finalmente vería a luz. Los problemas con la disquera EMI se acababan y el disco, terminado un año atrás, tenía fecha confirmada de salida: junio.

Al día siguiente, Linkous fue a casa de unos amigos en Knoxville. Pasada la medianoche, se retiró de la reunión, extrajo una pistola de su propiedad y se suicidó de un disparo en el corazón. Su manager, Shelby Meade, confirmó el deceso. Tenía 47 años.

En cuatro álbumes entre 1995 y 2006 y colaboraciones con personajes como Daniel Johnston y Nina Persson –The Cardigans- como productor, Sparklehorse tejió un folk rock emotivo, de tintes tan sensibles como íntimos y que, aseguraba, se debía a una pasión de infancia: The Beatles. “Escuchar sus discos cuando era pequeño me abrió los ojos y me hizo escribir canciones”, decía en una entrevista en el diario inglés The Guardian.

Nacido en 1962 y obsesionado por la música, Linkous se radicó en Los Angeles para dedicarse a las canciones. Le duró poco el encanto. No le gustó el manejo de la industria y, a los meses, volvió a su natal Virginia y formó su banda que lo hizo famoso, aunque jamás fue un artista de consumo masivo.

El solista tenía tendencia a la autodestrucción. En 1996, quiso autoeliminarse con una explosiva mezcla de Valium y antidepresivos. Casi lo logró. Tras un paro cardíaco, los médicos le salvaron la vida, pero no quedó bien: durante seis meses debió trasladarse en silla de ruedas. El intento, además, le provocó serias dolencias musculares que lo acompañaron por el resto de su vida.

Linkous había terminado de grabar su próximo disco de estudio y esperaba terminarlo durante las próximas semanas para lanzarlo durante septiembre. “La música es una energía que mueve y es lo que me hace despertar cada manaña”, había dicho en otra de sus entrevistas. Linkous se fue. En su estilo. Suicidándose con una bala en el corazón. Como si fuese el reflejo de sus propias canciones. (Felipe Rodríguez)

Evento Cumshot protonico para solidarizar con nuestros compatriotas afectados por este terremoto reculiao y la seguidilla de tsunamis.

TODO EL DINERO SERA DEPOSITADO EN LA CUENTA ENTREGADA POR EL GOBIERNO.

El valor por persona es de $1.500

Pueden llevar ALIMENTOS NO PERECIBLES como ayuda adicional

ADICIONALMENTE:

Recibiremos tambien alimentos para perros y garos , envasado, pera entregarlo a personas que iran en ayuda de los animalitos victimas del terremoto culiao.

EL SHOW!:

el chou protonico lo amerizaran los archifaranduleros de “LOST ASTRONAUTA”

LOS afrancesados DAFT PUNKIANOS de “MACHO ALFA”

EL RUIDO BAILABLE DE “ATERRMATA DE METRANOS”

LA BANDA MAS LEXICA AUDITIVA : DIZZLECCIKO

DESDE EL GALLINERO DE ORSON: GALLINA

Y CON LA SINAPSIS BIOMODULAR NEURONAL: NEUROTRANSMISOR !!

30.- XTRMNTR / Primal Scream (2000)

Es un disco que inicia el periodo revisado de la mejor manera, volándote la cabeza y haciendo que no pares de oírlo. Durante los 64 minutos de duración de XTRMNTR (Astralwerks), los muchachos de Primal Scream bajo el mando de Bobby Gillispie nos entregan un crisol de estilos en dosis justas, que nos permiten disfrutar del mejor rock&roll, electrónica en clave house o hip hop en ácido. Letras incendiarias, políticamente incorrectas y contestatarias. Mención aparte merecen los acordes del guitarrista Kevin Shields, quien aporta su cuota shoegaze a un par de temas y el remix de Swástica Eyes en manos de los Chemical Brothers, (la conexión pareciera ser los químicos, pero que más da). XTRMNTR es el punto de inflexión entre Vanishing Point (Reprise, 97) y Evil Heat (Sony, 02), y donde los Primal Scream hurgan en lo mejor de la historia de la música, pero corrompiendo y degenerando no sólo estilos, sino que también formas y tópicos en sus letras. XTRMNTR es como un buen vino elaborado, quien mientras más envejece, mejor sabe, permitiendo disfrutar de todas sus características en cada sorbo.

29.- Sunshine Hit Me / A band of Bees (2002)

¿Cómo será la vida en la Isla de Wight? Dicen que mucho viento, árboles y acantilados, ah, y abundante marihuana. Lo cierto es que semejantes antecedentes fueron confirmados por estos herederos del mejor pop psicodélico del que se tenga memoria, eso sí, alivianado y agilizado con inventiva juguetona, riqueza en los arreglos y un gancho detrás de otro. Rock, reggae, indie, jazz y hasta un cover (A minha Menina, de Os Mutantes), se diseminan con soltura también a través de Punchbag, Angryman y No Trophy. Originalmente llamados The Bees, tuvieron que cambiar su nombre para el mercado yankee por un entuerto de derechos, sin embargo, eso no ha mermado una carrera que ya suma tres discos grandes y sólidos. Por favor, bájalo antes que se termine el verano.

28.- Kish Kash / Basement Jaxx (2003)

Demoraron diez años en conseguir una obra incendiaria, pero más vale tarde que nunca. Kish Kash, es el tercer disco del dúo house formado por Simon Ratcliffe y Felix Buxton y acá presentan contribuciones de Dizzee Rascal, Me’Shell NdegeOcello, JC Chasez y Siouxsie Sioux. ¿Qué consiguieron? un disco bailable pero a la vez lleno de potencia. Aquí no hay ritmos ingenuos, acá hay balazos, fuegos artificiales y clubes en llamas a causa de los martillazos de cada uno de sus temas. El post-punk convertido en caleidoscopio.

27.- Sonic Nurse / Sonic Youth (2004)

Una de las bandas fundamentales del noise estadounidense. Formados en 1981, Sonic Youth dio vida en el 2004 a su disco número 14 y uno de los mejores de su carrera. Y es que tras más de 20 años ininterrumpidos haciendo música, la banda que decidió experimentar y tocar la guitarra con lo que encontrara por delante, como baquetas y destornilladores, da vida a un álbum que une la distorsión característica de la agrupación -con suaves bajos y guitarras que juegan con atmósferas y alternancias rítmicas-, junto a un sentido de la melodía más tradicional. Esto dio como resultado un álbum que no se entrampa en su propia dificultad y que junto a Dirty (1992), es uno de los más accesibles de su carrera. Una placa que prueba la vigencia del trío Moore-Ranaldo-Gordon, esta última saca aplausos con su característica voz poco melódica, en temas como Pattern Recognition, que abre el disco, o Dude Ranch Nursey, los que junto a Stones o Dripping Dream, forman parte de un imprescindible para los últimos diez años.

26.- I’ll be lightning / Liam Finn (2008)

El hijo menor de Neil Finn (nacido en Melbourne pero criado en Nueva Zelanda), no podía escapar a una carrera musical y fundó cuando todavía era un adolescente una banda llamada Betchadupa. Así hasta que le creció la barba y quiso alejarse de Nirvana como inspiración; su padre lo alentó a buscar su camino y el año pasado se despachó un disco que de inmediato llamó la atención de los medios. La revista Rolling Stone lo calificó como uno de los diez artistas para tener en cuenta la próxima década, porque aún bajo la fórmula pop, el hombre consigue no sólo imprimirle su sello sino que además ir un poco más allá al definir un camino de experimentación en temas que siempre tienen ganchos y giros intimistas. Liam toca todos los instrumentos y en vivo suele hacerse acompañar por una vocalista. Y cuando decimos todo, es todo. Lo usual es verlo tocar acordes de guitarra y dejarlos suspendidos en el aire repetitivamente, antes de ir a sentarse frente a la batería. El hombre orquesta del siglo XXI.

25.- Fire in Distant Buildings / Gravenhurst (2005)

Gravenhurst es el vehículo musical para el compositor y productor Nick Talbot, oriundo de Bristol, Inglaterra. Con su tercer álbum consiguió facturar una deliciosa tajada de pop atmosférico agregándole algo más de impronta rock a su estilo. Capaz de evocar sensaciones y recuerdos en sus progresivas lìneas de batería y guitarra, y a medio camino entre algo luminoso y oscuro, The velvet cell y Nicole son dos tracks que están entre lo mejor que ha producido la música inglesa en el último tiempo.

24.- Poses / Rufus Wainwright (2001)

Se encerró en el mítico hotel Chelsea de Nueva York (nido de artistas y taquilla, pero la de verdad), para buscar inspiración y poder fumar crack tranquilo. El genio decsubierto por el legendario productor de los Beach Boys, tenía por delante la difícil tarea de superar el bombazo que significó su debut homónimo, y estuvo cerca. El canadiense consigue ampliar su paleta de colores con una intensidad pop notable, siempre rellenada con una impronta clásica y teatral que en este caso incorpora elementos sintéticos. Menos íntimo, siempre poderoso, detacan Poses, Rebel Prince y Greek Song. El trabajo de un joyero.

23.- Chaos and Creation in the Backyard / Paul McCartney (2005)

Uno de los mejores discos en la carrera solista de McCartney emergió cuando pocos creían en la sorpresa. Una obra de arte melancólica y reflexiva donde el ex beatle respira bajo la producción de Nigel Godrich (Radiohead, Beck). El viejo Macca aguantó el rigor de un productor que le perdió el respeto en pos del trabajo, lo que dio como resultado un puñado de melodías que reafirmaron su posición como uno de los gigantes de la música moderna.

22.- The Sophtware Slump / Grandaddy (2000)

Un equilibrio entre perfecta producción sonora y dos referentes palpitates: The sophtware slump, estimado lector, es como mixar Good morning spider de Sparklehorse con OK Computer. Un disco cuasi electrónico hecho paso a paso, que acabó inscribiendo a Grandaddy en las marquezinas del nuevo milenio y todo gracias a una cuota precisa de amargura y belleza combinándose en su impecable y refrescante sonido.

21.- BRMC / Black Rebel Motorcycle Club (2000)

Oscuro y con olor a cuero. Pelos enredados y un aire a The Jesus and Mary Chain actualizado por el pulso de una batería pegajosa y puñetera. La presentación al mundo de BRMC desde Los Angeles, California, fue una apuesta por darle la espalda a las modas y acercarse más al sonido noise y under del rock a mediados de los 90. Love Burns, es poderosa y confirma la cohesión de un disco en serio y masculino, que gana mucho cuando se lo interpreta en vivo. Ojo con Too Real y la furiosa y punky Whatever Happened to My Rock n’ Roll. ¿O nos vas a decir que nunca la pusite en el auto a todo volumen?

20.- Keep your own mean side / The Kills (2003)

Punk-blues sensual, más pulido y premeditado que el EP que los dio a conocer, el dúo estadounidense y esta legendaria portada de jóvenes carreteros mancillados por la justicia, dan cuenta de una gran influencia de los Velvet Underground en Kissy Kissy. Más adelante, Superstition toma el punk poético en el que se metio Patty Smith, mientras Alison Mosshart y Jamie Hince, lo envuelven con las ropas de PJ Harvey. El rock and roll en manos de estos dos se llena de hedonismo pero también de humor, de carisma que palpita indeferencia juvenil pero que no necesariamente se adentra en ese bosque.

19.- Phantom Power / Superfurry animals (2003)

Aunque más enfocado y energético, lo que Superfurry Animals logró con su sexto disco está a la altura de lo mejor que han hecho The flaming lips o The Coral. Producido por Mario Caldato, quien trabajó con los Beasty Boys en más de una ocasión, Phantom Power es un compendio de intrincadas composiciones pop, un fluído tan ecléctico como adorable.

18.- The 22 20’s / The 22 20’s (2005)

Debut y despedida. Pero que debut. El primer y único disco de The 22 20’s es un ataque furioso de rock alcoholizado que rinde honores a lo mejor de canon. Inquieto y adrenalínico, el disco y nombre de la banda es un homenaje a la canción 22-20 blues de Skip James. Lamentablemente y cuando varios se sobaban las manos con las posibilidades del segundo LP, el líder de esta agrupación nacida en Lincolnshire, Inglaterra, Martin Trimble, dijo que varias cosas habían cambiado para ellos luego de un año y medio de gira y que ya no le apetecía situarse musicalmente en la banda. Sin embago, el mito quedó grabado.

17.- Silent Alarm / Bloc Party (2005)

Un disco de punk rock en la más tradicional de sus definiciones: guitarras apuradas, baterías galopantes y un vocalista que canta y grita a la vez. Lo que Bloc Party hizo con este, su primer disco, fue algo así como la respuesta inglesa a las bandas de revival made in U.S.A. como -y especialmente- The Strokes o The White Stripes, pero con ese “no se qué” británico que los identifica y un algo propio que los llevó a destacar por sobre otras bandas del estilo y que al momento de analizar lo mejor de la década los coloca como uno de los más interesantes y refrescantes debut de rock. Otros herederos del sonido punk de los 70 que sobresale tanto por la versatilidad de su vocalista como por los brillantes estribillos de sus canciones, gracias a los cuales entregaron éxitos contagiosamente rítmicos como Banquet, Helicopter o She’s Eating Glasses. Ojo con temas enérgicos y potentes como Positive Tension o She´s Heraring Voices y las más delicadas This Modern Love o So Here We Are.

16.- Franz Ferdinand – Franz Ferdinand (2004)

El disco debut de lo escoceses Franz Ferdinand nos trae música rock bailable que se inyecta a la vena. Grabado en Suecia junto al productor de los Cardigans, Tore Johansson, lo de Alex Kapranos y sus muchachos es una fiesta interminable de ritmos frescos que hacen de esta primera placa un clásico, una combinación de inteligencia y diversión que nos lleva a la conclusión de estar frente a una obra maestra de la soltura interpretativa. Take me out fue el primer sencillo que vino a confirmar lo que habían prometido en su primer EP, Darts of pleasure.

15.- Doves – Lost Souls (2000)

Fue el primero y fue el mejor. Un trío donde no hay carilindos y donde dos de sus miembros son hermanos, saltó a la fama con un disco irrepetible. Nominado para el premio Mercury, terminaron perdiendo el galardón a manos Badly Drown Boy, curiosamente, artista para quien abrieron varios shows. Lost souls es rock, pop e indie, pero además, es una suma de canciones de factura impecable que condensan lo mejor de finales de los noventa. Originalmente llamados Sub Sub, todo iba bien en sus vidas hasta que una falla eléctrica en su estudio terminó con un incendio y tres años de material grabado. A partir de ese punto decidieron cambiar de nombre y mirar hacia adelante. Con temas como Here it comes y The man who told everything, la fórmula es armar temas inolvidables sin apelar al himno de estadio. No te haces tan famoso como Coldplay, pero entras en listas como esta.

14.- Return to Cookie Mountain / Tv On The Radio (2006)

Álbum brillante y ambicioso que sorprende por su intensidad al reunir canciones que no dudan en ir en diversas direcciones con una seguridad y personalidad que se agradece. Sonido lleno de influencias (rock, funk, soul), que convergen en un estilo propio dándoles a estos neoyorquinos un lugar entre lo mas interesante de la década. Seguidores de Bowie, estos intelectuales acaban de tomarse un descanso.

13.- Made in the dark / Hot Chip (2008)

The Warning fue justamente eso, una advertencia sonora en medio del baile. Porque si había un poco de paciencia, sería posible encontrar inteligencia y peso específico en medio de ritmos simples sólo en apariencia, y eso es justamente lo que consiguieron con Made in dark. Ready for the floor es la bandera insigne y Break my stride una inyección de poder rítmico. Kinético, sensible y perfecto, bailar nunca fue lo mismo luego de esta luminosa oscuridad made in London.

12.- Pieces of the People we Love / The Rapture (2006):

En el 2003, este cuarteto oriundo de San Francisco pero afincado en Nueva York editaba Echoes, su primera placa y con la cual se tomaba las pistas de baile de todo el mundo con unos sonidos cargados de punk y funk; una unión, eso sí, bastante popular en aquellos años. Por eso, la prueba de fuego para The Rapture estaba en saber si lograrían nuevamente un éxito como aquel y además en comprobar si eran algo más que sólo una banda más de la movida de moda. Todas estas interrogantes fueron dilucidadas y superadas exitosamente con este LP y su refrescante mezcla de estilos, que van desde el rock de los 70 a la música disco o el hip hop de los 80, con excelentes temas como The Sound, Whoo! Alright-Yeah… Uh Huh o Get Myself Into It. Sin embargo, más allá de las influencias a la que pasan revista, lo fundamental en esta banda es el inigualable y genuino entusiasmo de sus integrantes.

11.- Elephant / The White Stripes (2003)

En el primer tercio de la década, los Albirojos The White Stripes nos sacudieron con Elephant (V2 Records), un disco donde continúan con la senda de su punk-rock garagero, sazonado con el lo-fi de White Blood Cells (01). Ellos nunca han dejando de lado el blues que le entrega densidad no sólo a sus canciones, sino que también a los tópicos de sus letras. Elephant refleja eso como en ningún otro de sus discos. Éste fue grabado en Londres bajo los designios omnipresentes de Jack White, quien para darle ese sonido añejo que tanto le gusta, utilizó un grabador de 8 pistas, entre otros equipos vintage. También es el primer álmbun que el dúo sacó con una multinacional (V2 Records, filial de Universal). Otra de las aristas que hace a esta obra un imprescindible de la década, es el material audiovisual derivado de ella. El multiplicativo The Hardest Button to Button, dirigido por Michel Gondry, el caleidoscopico Seven Nation Army, a cargo de la dupla de directores Alex and Martin y el minimalista I Just Don’t Know What to Do with Myself, comandado por Sofia Coppola y protagonizado por la modelo Kate Moss, son poderosos ejemplos. A pesar de que no inventaron la rueda, The White Strpes ha sabido plasmar sus influencias y gustos en cautivantes obras musicales, fabricándose un espacio importante dentro de la historia de la música.

10.- Funeral / Arcade Fire (2004):

Aunque atraen desde un inicio por una serie de lugares comunes sobre sí mismos, como la gran cantidad de músicos en escena, la enorme variedad de instrumentos que hay en sus temas o la multiplicidad de influencias que se pueden descubrir al oírlos, la banda liderada por el matrimonio conformado por Win Butler y Régine Chassagne es mucho más que sólo grandes cifras. Porque este conjunto franco-canadiense formado en Montreal, destaca por poseer una capacidad que sólo los grandes tienen: inspirar, y lo hacen por medio de un sonido que si bien no se jacta de ser único, lograr tal efecto gracias a una ensamblada y rica unión de elementos. Funeral es una obra que reflexiona sobre la vida y la muerte a través de un juego que tiene mucho de ecléctico y elegante, con imaginativas e inocentes letras, furibundas guitarras y pomposos coros y pianos, los que unidos dan como resultado uno de los grupos más enérgicos, dramáticos e intensos de la década, con imprescindibles como Neighborhood # 2 (Laika), Une Année Sans Lumiere, Crowne of Love, In the Backseat o Wake Up.

9.- Yoshimi Battles The Pink Robots / The Flaming Lips (2002):

Electrónica, rock alternativo, sicodelia y la melancólica historia de una pequeña niña que debe enfrentarse al ataque de los robots rosados, sólo con la ayuda de su cinturón negro de karate. Todo eso es el décimo disco de esta banda nacida en la ciudad de Oklahoma en 1983 y que con este álbum temático da vida a uno de los mejores discos de pop rock sicodélico de la era 00′. Editado tras otra de las grandes obras de la banda, Soft Bulletin (1999), Yoshimi Battles The Pink Robots es una experiencia llena de ecos espaciales y atmosféricos, una perfecta mezcla entre sonidos electrónicos y acústicos que dan forma a una enternecedora travesía que, pese a lo fantasioso de su trama, resulta muy humana, con temas como las más conocidas Yoshimi Battles the Pink Robots, parte 1 y Do You Realize?, un verdadero himno entonado con emotiva precisión por Wayne Coine, o las también inolvidables Are You a Hypnotist o In The Morning Of The Maficians. Inolvidable.

8.- You & Me / The Walkmen (2008)

En Estados Unidos nadie les da bola. Mejor así. Eso vuelve más reconfortante encontrarse con ellos. Rock melancólico; indie poderoso con tintes rurales y alma de ciudad electrificada, pero no sólo por las cosas, también por las personas. Los neoyorkinos se despacharon un cuatro larga duración donde cualquier tema podría haber sido el single. Íntimo, denso y hermoso, en You & me se desgranan perlas como Flamingos, On the water, In the new year y Canadian girl, todas gritadas con pasión por Hamilton Leithauser. Tremendo.

7.- Boxer / The National (2007)

Todo empieza con Fake empire y ese piano sumando una batería y un conjunto de capas que van creciendo y bautizando con honores al mejor single del 2007. Pero las cosas no terminan ahí y uno de los productos más originales salidos de Estados Unidos hace la tarea y mantiene el nivel gracias a los susurros densos y el fraseo grave y casi a contrapelo de Matt Bernninger. The National reside e Nueva York pero nunca han sonado como una banda neoyorkina; su indie rockero, intimista pero jamás folky, es una mixtura tan compleja como seductora. En ese contexto, el cuarto LP supera los celebrados Alegator y Sad songs for dirty lovers, y lo hace con temas de estatura impresionante como Mistaken for strangers y Start a war.

6.-Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not / Arctic Monkeys (2006)

El mejor disco debut de la década según la revista Uncut fue también el que se vendió más rápido en la historia de la discografía británica (118.501 copias en la primera semana). Aunque no se menciona muy a menudo, la carrera de la banda liderada por Alex Turner se dio a conocer por Internet, lo que generó una expectativa asombrosa. Lirismo clarividente para fraseos acelerados que golpearon los charts en todo el globo; rápidos y armónicos, lo suyo son guitarras duras que complementan el sentido melódico de The Jam o The Smiths. Acá, los de Sheffield vinieron a tomar la posta dejada por los Blur y la rompen en temas como I bet you look good on the dance floor, Fake tales of San Francisco, Dancing Shoes y Riot Van. Para escuchar una y otra vez.

5.- Fever To Tell / Yeah Yeah Yeahs (2003)

Ruidoso, melódico y caótico. El puntapié inicial de su carrera con una disquera grande fue sorprendente en medio del mentado y renovado influjo punk. Karen O era un pesonaje, estaba loca y formaba parte de un trío capaz de mostrarse atmosféricos incluso ante la potente simpleza del estilo musical que los convocaba. A Fever to tell le bastan 37 minutos para remecerlo todo y con Maps, 3 minutos con 39 segundos para comprender que sus influencias son más amplias de lo que uno podría llegar a pensar.

4.- The seldom seen kid / Elbow (2008)

Un grupo que empezó como un culto y que rompió el gheto del boca a boca con un disco llamado Leaders of the free world, así hasta que su cuarto LP apareció para mejorar lo que parecía inmejorable y todos los premios musicales europeos le cayeron merecidamente, entre ellos, el prestigioso Mercury Music Prize, donde le ganaron a los favoritos de los tabloides y luminarias: Radiohead, Burial y The Last Shadow Puppets, todo un mérito en tiempos en que la agilidad de las guitarras y de los peinados a la moda parace imponerse. Y es que Elbow no está compuesto por adolescentes y eso es una bendición en la manera emocionante, compleja y sensual en que realizan sus arreglos. Temas que mezclan de manera perfecta melodías épicas, sutileza y rock de múltiples caras y ánimos (Starlins, Grounds for Divorce, One Day Like This), y la voz pastosa de Guy Garvey’s que tiñe de noche y bar la intensidad de un quinteto nacido en Manchester. Elbow no se conforma con poco y cada tema es una apuesta sonora de belleza y sofisticación. Intensidad en plena forma y dominio; nadie sabe si podrán superar la calidad de The seldon seen kid, pero eso ya da lo mismo.

3.- Songs for the Deaf / Queen of the Stone Age (2002)

Vamos a decir que es uno de los mejores discos de rock de la historia y eso debería bastar. Pero hay más. Está Josh Homme es su mejor momento compositivo y Dave Grohl como invitado, atacando los tambores con una rapidez e inventiva que parece carne para una leyenda. El chiste acá es que al poder se le suma melodía cabalgando en la densa atmósfera planteada por un concepto: Songs for the deaf es lo que te toca escuchar si pones la radio en el desierto de Mojave e inicias un viaje en dirección a tu propio infierno. Trece canciones que braman y no sueltan a nadie que se atreva a escucharlas: No one knows (con Mark Lanegan en los créditos), The sky is falling y Anothe love song, apuntalan un disco que casi vendió un millón de copias en el año de su lanzamiento y sólo en los Estados Unidos, y que consiguió los merecidos halagos de todo el planeta rock.

2.-Is this it / The Strokes (2001)

La prensa británica y no tanto la estadounidense fue la encargada de levantar el fenómeno. Quizás el punto de partida para la expresión purista del revival más popular y masivo del que se tenga memoria. Tomar lo mejor de finales de los sesenta y juntarlo con una actitud panketa sofisticada. Acá respiran con viento fresco los Stooges, The Velvet Underground y Television. De hecho, por ahí alguien dijo que el debut de los neoyorkinos estaba para sacarle lágrimas al mismísimo Lou Reed. ¿Exageración? Lo cierto es que la mezcla entre melodía sucia de garage citadino y look intencionalmente deslavado, no podía fallar. Exhuberantes en Soma y Take It or Leave It, fue la desgarrada simpleza de Someday lo que cambió todo, una pauta que millones de bandas en el mundo llevan diez años tratando de imitar.

1.-Kid A / Radiohead (2000)

No está aquí sólo por sus méritos musicales, aunque le sobran. Está acá porque refleja la sensación del milenio que acababa de apagarse y porque abrió los fuegos sonoros del pesimismo. También porque fue un punto y coma para la mejor banda de los noventa, capaces de mutar en algo diferente y asumir todo el riesgo implícito en aquella decisión. Una inflexión, un deseo. Se dijeron muchas cosas; que no iba a tener baterías, tampoco guitarras, que iba a ser el mejor disco electrónico facturado por una banda no electrónica. Todavía se aparece el recuerdo de cuando fue mostrado en sociedad una semana antes de su lanzamiento oficial. MTV lo anunció con bombos y platillos, tocarían completo y por televisión, al sucesor del aclamado Ok Computer. MTV, que nunca se ha destacado por jugar sus cartas hacia la música alternativa, mucho menos hoy, puso a toda pantalla la imagen de una tornamesa que giraba. Y eso fue todo. Casi una hora duró esa improbable presentación en sociedad. La perspectiva hacia atrás ha sido lo más beneficioso que le pudo ocurrir a un registro que ha ganado adeptos con los años y que deseaba representar, con su título, el nacimiento del primer niño clonado, el Kid A. En muchos aspectos, sin embargo, el cuarto larga duración de los hijos predilectos de Oxford es un túnel complejo que no entra con la primera oída. Y sin embargo, puedes bailar con Idioteque y pensar en tirarte del puente con How Disappear Completely, el relato en primera persona de un muerto que no sabe que está muerto y que goza traspasando paredes; también puedes subir el volumen a la admirable línea de bajo en The National Anthem y al imponente final del más normal de sus singles: Optimistic. Un colage sónico que no dio concesiones ni a los medios ni a quienes esperaban más de lo mismo. Pudieron tomar el camino fácil pero no lo hicieron, ¿no es eso lo que uno busca en una banda de rock? …

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1.- Veckatimest / Grizzly Bear
Con su segundo disco, Yellow House (2006), hubo dos hechos que cambiaron el destino de Grizzly Bear. Uno: que el sello Warp, siempre asociado a la electrónica y al sonido futurista, se fijó en ellos. Dos: que Thom Yorke, el líder de Radiohead, los alabó tras verlos en un show en vivo en Nueva York, y les propuso, más encima, abrir algunos de sus shows.

Entonces vino el salto definitivo. El estado de gracia que los estadounidenses necesitaban para creer en sí mismos. Una propuesta que, para los que los seguimos desde su debut, Horn of Plenty (2004), ha evolucionado en intensidad, complejidad y densidad como pocas bandas de rock contemporáneo.

Porque hay que decirlo: Grizzly Bear no es una banda fácil de escuchar. Tampoco es de aquellas que podría tener cuatro o cinco canciones en lo más alto de los rankings radiales. Lo de este cuarteto va en otro sentido. Con el folk como punto de arranque, sus canciones logran desfigurarse y transformarse en distintos estados. Si en el excelente Yellow House, sus melodías estaban creadas a partir de injertos de Tom Waits, Animal Collective y, principalmente, del sonido luminoso y sixties de The Beach Boys, en su nuevo álbum, Veckatimest, hay un esfuerzo inusual por despistar y agradar; por jugar y experimentar. Cheerleader, por ejemplo, juega con estribillos femeninos sesenteros, Ready Able posee el encantamiento hipnótico de la mejor declaración amorosa, While You Wait for the Others, carga con una sicodelia tan sutil como adictiva y All We Ask tiene una introducción que recuerda al mismísimo Víctor Jara.
Grizzly Bear es una banda que permanentemente busca el cielo. Sus melodías están hechas para escucharlas en una nube, mientras se viaja sin escalas hacia el infinito. Sus arreglos, fraguados para oídos intrépidos, tienen un aire de desencanto y juventud. Pero, por sobre todo, la búsqueda de un lenguaje particular. De encontrarnos de frente con una especie única. Más que discos, lo que este grupo logra plasmar es un lenguaje especial donde no caben modas ni gestos cool. Esto es arte verdadero de una banda que todavía no alcanza su techo.

2.- A Strange Arrangement / Mayer Howthorne
No sólo es blanco como la harina, sino que además usa gruesos anteojos y ternos más propios de un jazzero que de un experto creador de música negra. Soul y R&B centellante para un debut arrollador, que acompaña día y noche desde las iluminadas calles de underground más sofisticado. Ajeno a las modas actuales para músicos que bordean los 30, en el caso de Howthorne (29), las doce canciones de A Strange Arrangement son una especie de neo soul que surgió de tanto escuchar los discos de Al Green, Earth, Wind & Fire, Otis Redding y de Temptations. Melodías para chicas taciturnas y anécdotas de amor y desamor que recuerdan los paseos en automóvil con su padre en las calles de su natal Ann Arbor, Michigan. Este cantante, productor y multi instrumentista, es uno de los más nuevos contribuyentes al género retro: etiqueta que se añade a casi cualquier obra contemporánea que suena como si hubiera sido grabado originalmente entre 1966 y 1974. Un hallazgo potente y un regalo certero pára cualquier oído bien constituido.

3.- Animal Collective / Merriweather Post Pavilion
Baterías turbulentas, sonidos psicodélicos y juegos sonoros constantes, pero ahora, en dosis precisas. El octavo disco de su carrera es una experiencia de pop eléctrico harto más enfocado, en el que hay innegables melodías. No hay cosas excesivamente freak como para provocar rechazo y es casi como si ellos mismos se hubiesen domesticado.

4.-Wolfgang Amadeus Phoenix / Phoenix
Guitarreado y bailable, se trata de un viaje sin paradas por un álbum del mejor y más elegante pop electrónico del 2009. La cuarta placa de la banda francesa que canta en inglés, Phoenix, es un ejemplo de cómo en sólo 10 temas se puede crear un submundo de atmósferas y texturas que asemejan un recorrido donde cada nuevo destino tiene un estado de ánimo particular y donde la mezcla de rock y temáticas amorosas no tienen porqué ser empalagosas. Así, la placa parte con el pie derecho gracias a la inspirada y animosa Lisztomanía, donde la característica voz de Thomas Mars nos invita a un paseo que nunca se agota, al ritmo de una liviana muralla de guitarra, bajo y batería. 1901, la canción que le sigue, incluye toques máselectrónicos, de esos tan habituales en la música gala, y que nunca abandonan el resto del álbum, que cuenta con temas imprescindibles como los ya mencionados junto a otros como Countdown y Rome, ambas con una inspirada estructura in crescendo. Un álbum amable, intenso y refinado para escuchar sin sobresaltos de principio a fin.

5.-Bitte Orca / Dirty Projectors
Una extraña mezcla de sonidos africanos, como a los que nos expuso hace un tiempo Vampire Weekend, pero con acompañamientos menos frenéticos y más cercanos al soul, el gospel, el R&B o el pop a lo “Timbaland” de moda es lo que ofrece esta agrupación estadounidense. Liderada por Dave Longstreth, vocalista principal y autor intelectual tras este experimento que ya va en su sexto álbum, Dirty Projectors presenta a lo largo de 10 temas una serie de composiciones que en una oída rápida podrían parecer un reciclaje de las más tradicionales sonoridades afroamericanas, pero que al ser examinadas con mayor precisión dan cuenta de una construcción sonora que se mantiene siempre al borde de la distorsión o el incorrecto ensamblaje de sus piezas. Destacan por su eclectismo temas como Temecula Sunrise, que abre el disco, Caníbal Resource o The Bride. Y es precisamente en esta métrica propia y especial donde radica la gracia de un disco que en apariencia se muestra algo más tradicional de lo que en verdad es y que se esconde tras un conjunto de capas que valer la pena descubrir.

6.- Actor / St. Vincent
Dibujado más que tocado. El núcleo de St. Vincent, la guitarrista Annie Clark, despachó un disco donde imperan las armonías de medio tiempo, con arreglos y bases trabajados con estilo. Ahí aparece la voz dulce de Clark pidiendo que la salven de lo que desea. Esa paradoja ayuda a entender que detrás de la melodía perseguida con linternas y encontrada en cada una de las once habitaciones que componen el disco Actor, hay intrincados juegos de procesadores y baterías guiados por las cadencias de Clark. Actor, es un disco inteligente más que pasional, pero la precisión de The sequel y de Actors out of work (una de las más aceleradas), regala sustancia urbana. Aquí el mérito de St. Vincent es tocar algo que sólo es simple en la superficie. Más ambicioso y sofisticado que su predecesor, Marry me (2007), para componer Actor esta delgada chica armó un ambiente sacado de película: se encerró en un hotel francés con un portátil (cargado con el software GarageBand) y un par de audífonos. El material fue pasado a su banda y Actor tomó vuelo para ayudarle a cambiar su piel de talentosa promesa, en sólida y respetable realidad. Entre lo más elegante del año que termina.

7.- I had the blues but I shook them loose / Bombay Bicycle Club
Un EP producido por Jim Abbiss, hombre detrás del debut de los Arctic Monkeys, UNKLE, Kasabian y Editors; (en general, una inspiración innegable), y un par de singles, eran todos el antecedentes para el puntapié inicial de una banda londinense que apenas supera los veinte años de edad promedio. Canciones aceleradas y encantadoras (The Hill, Cancel on me, Dust on the ground), más un par de trucos con cartas, hacen de este disco un imperdible del 2009. Una banda sin complejidades pero con un montón de talento que, de enriquecerse, podría dar más de una sorpresa.

8.- Manners / Passion Pit
Última pepita de oro del pop estadounidense, el estilo fresco y ochentero del quintento huele a algo conocido: MGMT. Como unos hermanos menores que desprecian la sicodelia y la nube hipnótica del dúo, Passion Pit se abre camino en un festival de pop sintético donde desfilan melodías eufóricas, beats multicolores y donde no parece haber espacio para el pesimismo. Porque todo en Manners huele a buenas vibras y fiesta. Como si cada tema fuera especialmente gestado para la previa de la salida nocturna. Angelakos y sus muchachos clavan estacas de pop bailable, hecho para mover pies y cabeza y que piden la pista de baile como un drogadicto su dosis para seguir sobreviviendo.

En ese espiral de ritmos contagiosos, “Little Secrets” y “The Reeling” -que, curiosamente, tienen amplios coros infantiles- rankean en lo más alto. Tanto como las agitadoras “Make Light” o “Sleepyhead”, gemas de pop tan perfecto como excitante.

9.- Living Thing / Peter Bjorn and John
Habría sido fácil para estos suecos tomar el camino amarillo de los ganchos fáciles y ritmos simplones y saltarines, pero no. Lo que decidió hacer el trío fue ir a la fuente de su impronta y recoger sólo lo necesario. El resultado es un disco más oscuro pero no por eso menos rítmico. Si bien hay menos guitarras, los arreglos se vuelven interesantes cuando la percusión y las voces toman un protagonismo lleno de buen gusto.

10.-It’s Blitz / Yeah Yeah Yeahs
Aunque la apuesta de bajar los decibles, perder unas cuantas guitarras y dosificar la energía que los hizo destacar, era una riesgosa, con su tercer disco los YYY lograron un delicado sonido construido sobre sus nuevas bases electrónicas y la apuesta primigenia de la banda: el rock, lo que les permite no perderse en juegos superfluos de sintetizadores y sacar todo el provecho a esta explosiva mezcla.

… y dentro de poco: los 30 de la década.

En el último ciclo del 2009, los invitamos a disfrutar de Frikstailers. Dúo argentino, conformado por Rafael Caivano y Lisandro Sona se presenta el Jueves 17 de diciembre en La Unidad, Club de Industria Cultural.

DJ set:
Matenlo
Zifras
Baby Killah & Gobass ( dubstep dj / live set )
Jueves 17 de diciembre 23:30 horas

Valor:
Gratis hasta las 00:00 hrs.
00:00 a 2:00 mujeres gratis – hombres $2000
después mujeres $2000 – hombres $4000
Dirección: Cueto 1470 ( Esquina Balmaceda ) /Santiago centro

Este viernes 11 de diciembre daremos inicio a las fiestas QUÉ MAMBO!

Para eso nos tomamos el segundo piso del Bar Ambar, ubicado en Paseo Orrego Luco #21, Providencia.

Las fiestas QUÉ MAMBO! nacen con la idea de buscar nuevos espacios para la música y el baile dentro del circuito santiaguino, sin más pretensión que pasarlo increíble presentando los Dj’s y la música que nos gusta. Los estilos son variados, Indie, Electro, Rock, Post Punk, por nombrar algunos.

Para esta primera edición contamos con la presencia de Fernanda Arrau, una de las mujeres más reconocidas de la escena; Felipe Sepúlveda del grupo Rollinga, Sofía Lomos integrante del dúo experimental Tempera, y Panden cocreador del nuevo sitio Copypasteblog.com

No se lo pierdan, los esperamos.

Coordenadas:

Bar Ambar
Paseo Orrego Luco #21 – Providencia
(Segundo Piso)

DJ Set:

- Fernanda Arrau (Amanda)
- Felipe Sepúlveda (Rollinga)
- Sofía Lomos (Tempera)
- Panden (Copypaste)

Valores Entrada:

$ 2000 Hasta 00:30
$ 3000 General Puerta

Desde 23:30
- Se recomienda llegar temprano.
- Estacionamientos cercanos.

Invita:
Qué Mambo!

Altamente Bailable
MAYORES DE 21 AÑOS

GANADOR:

JAVIER MORALES PRADO

Regalamos 1 invitación doble gentileza de QUE MAMBO, entre quienes comenten con Nombre + Apellido.

Miércoles 25
Lanzamiento disco Sebastián Duplaquet junto a Dínamo Quinteto
+ Fiesta post show con Dj Roque
Entrada con invitación
Desde las 21:30 horas

Jueves 26
Pop x Montón con:
DJ Felipe Rabi
DJ Nea Ducci
DJ Camilo Gil
DJ Rubén Blanco
Mujeres gratis hasta las 23:30 horas, después $4.000
Hombres $5.000

Viernes 27
Javiera Abufhele Cuarteto
+ Fiesta post show con:
DJ Julián García Reyes
DJ José Bacarreza
DJ Tela v/s DJ Rob
Entrada liberada hasta las 24:00 horas
Después $4.000 general

Sábado 28
Banda Conmoción en vivo!
+ Fiesta post show con Dj Cristóbal Carbajal
Entrada liberada hasta las 24:00 horas.
Después $4.000 general