Los próximos números en la carrera de Paul Weller son los siguientes: el 26 de marzo sacará a la calle su disco número 11. Noel Gallagher y Graham Coxon firmaron su colaboración en una nueva apuesta de la leyenda británica.

Se llamara “Sonik Kicks” y contiene un total de 14 pistas. Según se ha filtrado, hay psicodelia, trazas de un Jimi Hendrix aterciopelado, rock and roll y las gotas del folk urbano que suele cocinar tan bien el ex líder de The Jam.

Del disco ya se puede escuchar el primer single en el sitio oficial: Around the lake. Weller también anunció dos nuevos espectáculos de Londres para promover el lanzamiento del álbum, el 18 y 19 de marzo del 2012, y con el apoyo de Baxter Dury. El hombre sabe.

Con 10 mil visitantes y una confiable postal del presente musical chileno a modo de resultado, la segunda versión de este mercado de la música llamado Pulsar, confirmó que el crecimiento de la inciativa tiene posibilidades asombrosas.

Terminó ayer en medio de los sonidos de Ana Tijoux y Silvestre, poniendo fin a más de 30 horas en las que bandas y solistas, disqueras, sellos independientes, sitios web y vendedores de instrumentos, reclamaron su lugar en el mercado nacional chileno.

Tanto para melómanos como para iniciados, Pulsar 2011 pareció la versión inteligente y sinérgica de lo que debe ser un estudio en terreno sobre lo que es y rodea la industria musical en nuestro país. Más independiente y variada en sus diversos nichos de negocio, la autogestión y la búsqueda de apoyos se pusieron en movimiento en un ambiente positivo, impregnado por las armonías de 50 artistas entre los que destacaron: Dënver, Nano Stern, La Floripondio, Perrosky, Manuel García y Ana Tijoux; además de los nóveles La Big Rabia o Carolina Nissen.

La Floripondio.

Ana Tijoux.

*Fotos por Francisco Rojas.

Hoy se cumplen 40 años de Led Zeppelin IV, uno de los álbumes más vendidos de la historia. La obra cumbre del grupo se realizó en medio de escándalos, borracheras y amenazas de muerte.

por Felipe Rodríguez

Jimmy Page estaba molesto. El ideólogo de Led Zeppelin se sentía traicionado por las críticas de la prensa a su disco Led Zeppelin III (1970). La revista Rolling Stone sentenció que su música era “para drogadictos” y Los Angeles Times que su éxito se basaba “en el consumo de anfetaminas de los jóvenes que trastornaban sus sentidos”. La relación con la prensa estaba quebrada. Y los músicos tampoco ayudaron a levantar su imagen. En las giras, actuaban como forajidos en una bacanal eterna: destrozaban hoteles, bebían hasta la inconsciencia y tenían sexo, especialmente, con adolescentes.

Por eso, al entrar al estudio a grabar el nuevo disco, el guitarrista se juramentó trabajar el doble y negarse a las entrevistas. El silencio se amplió a toda la banda: la guerra con los periodistas estaba declarada. A fines de 1970, Page y el vocalista Robert Plant se encerraron en una campiña galesa a crear música. En sus cabezas, buscaban crear un himno que sustituyera a “Dazed and Confused”. Les costó poco. Jimmy rápidamente ideó la introducción de “Starway to Heaven” y la imaginación fluyó en forma ascendente. Tanto, que, por un momento, pensaron editar un disco doble.

Cuando el cuarteto -que integraban, además, el baterista John Bonham y el bajista John Paul Jones- se reunió en unos estudios londinenses, el ánimo era el mejor. “Black Dog” salió de una improvisación de Page, mientras veían a un perro negro que entraba y salía mientras grababan y “Rock and Roll”, a partir de un ensayo de Bonham del tema “Good Golly Miss Molly” de Little Richard.

En marzo de 1971, los rumores de su separación eran cada vez más recurrentes en los tabloides británicos. Incluso, el semanario musical, Melody Maker, afirmó que Peter Grant, el manager de Led Zeppelin, los había dejado y que estaba listo para firmar con Emerson, Lake and Palmer. Pero todo era un tongo.

Por esos días, la banda brindó un pequeño concierto en la BBC donde presentó algunos de sus nuevos temas que bebían del blues y el rock. Aunque la crítica no los trató bien, no los despedazaron como a su anterior álbum. Page, en tanto, no había quedado conforme con la mezcla realizada en Los Angeles y se tomó un tiempo más. Las buenas noticias seguían: el Parlamento inglés les entregaba un reconocimiento por sus discos de oro y sus ventas eran superiores en tres veces a las de los Rolling Stones.

A mediados de agosto, en un tour por Estados Unidos fueron amenazados de muerte por grupos conservadores y se movían con guardaespaldas. Unas semanas después, en su primera gira por Japón, la banda actuó fiel a su leyenda. Bonham compró espadas de samuráis e hizo trizas su habitación. Jones, totalmente borracho, fue arrastrado por sus compañeros a la salida de su pieza, mientras sus otros compañeros disfrutaban con prostitutas. El escándalo fue tan grande que el hotel Hilton de Tokio los expulsó de por vida.

Los conflictos abundaban. Los ejecutivos de su discográfica se opusieron a que la banda decorara su portada con cuatro símbolos que representaban a los músicos. “Es un suicidio comercial”, dijeron. No pudieron hacer nada. Led Zeppelin vendía tan bien que podían tener control total de su trabajo. Page salía, otra vez, triunfante. A la semana de su lanzamiento, el disco -llamado Led Zeppelin IV por los fans- era el segundo más vendido en Estados Unidos y “Starway to Heaven” se coronaba como el nuevo himno. El grupo había hecho su mejor disco, ha vendido más de 25 millones de copias y es uno de los más grandes de la historia del rock.

“Tarot Classics” es el nombre del EP que la banda de West Palm Beach Florida, lanzará este 25 de octubre. Se trata de cuatro temas, entre los que destaca el single Miranda.

Además de este corte, hay remezclas a cargo de School of Seven Bells, Speculator, Allen Blickle de Baroness y Totally Sincere. Para los fanáticos, en el Facebook del grupo permitirán escuchar Voyager Reprise si se consigue cierto número de “Me gusta”.

El grupo se formó en 2009 y su single de debut Nadar, ganó la aclamación de la crítica y fue nombrado como uno de los mejores temas de ese año por Pitchfork.

Su debut en las ligas mayores se produjo con “Astro Coast”, en enero de 2010.

Dos nuevas canciones que serán presentadas en los próximos días marcan el regreso de una de las bandas más significativas de la movida indie estadounidense: Mazzy Star.

Formada por Hope Sandoval y David Roback, la banda anunció que Common burn y Lay myself down estarán disponibles en formato digital a través de Amazon el próximo 8 de noviembre

Mazzy Star alcanzó a publicar tres álbumes, vendiendo más de un millón de ejemplares en 1993. La última aparición pública fue Mazzy Star en 2003, en la fiesta de cumpleaños número 60 del popular músico Bert Jansch, que murió a principios de este mes.

En más de dos horas de show, los portorriqueños ofrecieron una clase magistral de música, discurso y delirio. Una fiesta en la que estuvieron los dirigentes estudiantiles y se homenajeó a los fallecidos en Juan Fernández.

por Juan Costeau

Si hubiese un ranking con lo mejor del festival de Viña de los últimos años, Calle 13 estaría en la pole position. Intenso, inteligente, impetuoso y rebelde, ese show abrió los ojos a la mayoría y abortó esa imagen de grupo de culto que tenían hasta sus anteriores visitas.

Trayendo en su equipaje presentaciones redondas en Estados Unidos como en Europa, su nueva cita –la más multitudinaria a la fecha con cuatro conciertos en el país- los trajo en otra categoría: como la mejor banda latina del momento. Con Café Tacuba tomándose un año sabático, los portorriqueños no tienen competencia: encarnan la música inteligente, esa que suma carnaval más fiesta y frases directas que retratan las miserias de la sociedad.

Anoche, en el primero de sus shows en el Movistar Arena –agotados con varios días de anticipación-, Residente encontró un inesperado aliado para escupir su catálogo de injusticias: las demandas estudiantiles. Con decenas de carteles en apoyo al movimiento, el vocalista instó a seguir en la lucha. Invitó a los dirigentes Giorgio Jackson y Camila Vallejo al escenario; logró una conmovedora versión de “Latinoamérica”, a estas alturas, un clásico de su repertorio- y apareció con una polera de Salvador Allende. En ese festín de reivindicaciones, la banda también se consagra como una pieza sólida de este engranaje. Secundan a Residente y son el complemento perfecto: pasan del hip hop a la sicodelia, de los sonidos folclóricos a la cumbia con la seguridad de los que se saben ganadores. Es una experiencia donde todo cabe. Incluso, que el cantante se permita realizar un minuto de silencio por las víctimas del accidente en Juan Fernández.

Cada vez más, los de Puerto Rico sorprenden por su música explosiva y discursiva. Un eterno polvorín sonoro que llama a la reflexión y apela a la inteligencia. Y que, lo mejor, aún tiene tiempo y ganas de superarse.

Así es, en Batuta celebramos los 22 años de vida con una noche inolvidable: de entrada, los
actores de la compañía teatro-musical La Patogallina, haciendo una intervención especial
sobre y bajo el escenario; de fondo, Chico Trujillo, bajándose del avión para su primera tocata
de la temporada; y de postre, nuestro DJ residente Claudio Torres, con una fiesta llena de
cumbia, rock y pop del bueno para tirar la casa por la ventana.

Intermedios: snacks, regalitos y promos.
www.lapatogallina.cl
www.myspace.com/chicotrujillo
Desde las 22 hrs.
Puerta: 22.00 – 04.00 hrs. Cierre 04.45 hrs.
Entrada: $10.000 con cover (cerveza, pisco sour o champaña).
Pre-venta por Feriaticket (+ 10% cargo por servicio).

Entradas Limitadas.

Ganadores: Jose Miguel Reinoso, Daniela Alejandra Silva Candia

En un teatro repleto, el solista estrenó su nuevo disco, “Cripta y Vida”, y dio otro salto en su ascendente carrera que lo sitúa como uno de los nombres ineludibles de esta década.

Antes de comenzar el show, el público estaba enardecido. Era lógico. Afuera del repleto cine Normandie, más de 30.000 personas protestaban contra Hidroaysén y las bombas lacrimógenas sacaban lágrimas y estornudos. Esa energía fue el mejor aperitivo. Y más aún, cuando Pedro Piedra salió al escenario y, con ironía, dijo estar a favor de Hidroaysén.

El hombre, que estrenaba su segundo y excelente disco, “Cripta y Vida”, arremetía de entrada con una virtud poco común en los músicos chilenos: el dominio ante las masas.

Sorprendido y agradecido por la respuesta del público, desde el arranque no tuvo puntos bajos. Interpretó su segundo álbum completo y la comunión fue perfecta: desde todos lados coreaban sus canciones.

A diferencia de sus contemporáneos, Pedro Piedra -en rigor, Pedro Subercaseaux- simboliza una expresión perdida en el actual rock chileno. Si la mayoría bucea en melodías en voz baja y que circundan en la tristeza congénita del ser nacional, el ex CHC y baterista de Jorge González hace el camino contrario. Claro, tiene sus baladas, pero su fuerte está en canciones sin etiquetas y que hipnotizan por su pop redondo, sin fisuras y donde las letras conforman un imaginativo cosmos personal.

Eso le ha permitido lograr con apenas dos discos un pequeño milagro: tener una corte de seguidores que confían en su batidora sonora y que lo siguen. Lo ejemplificó el mismo artista cuando recordó que hace casi exactos dos años había estrenado su debut homónimo en la sala SCD de Bellavista. Dos temporadas más tarde, su magnetismo había crecido. Más de 600 personas repletaron el recinto para escuchar su más reciente cría musical.

En una escena musical que inesperadamente se desarrolla -pese a sus limitaciones de exhibición en los medios- con paso firme, la apuesta de Subercaseaux es contundente. Su aceitada banda tiene sangre en las venas -con colaboraciones de Gepe y Gonzalo Yañez- y sus canciones enganchan por méritos propios. Es seguro: con shows como el del pasado viernes, Pedro Piedra escala rápido para ganarse un lugar en la pole position del rock chileno de esta década. Dejó de ser promesa y pasó a ser referente. El futuro esplendor, entonces, está en sus manos. (Felipe Rodríguez)

*Fotos:  Nino Aguilera

En dos horas y media y ante más de 50.000 personas, el ex Beatle respondió a su leyenda. Repasó su inmensa historia musical y brindó homenajes a sus dos compañeros fallecidos: George Harrison y John Lennon.

Cuando Paul McCartney vino por primera vez a Chile, el trato fue indigno para su estatura artística. A última hora, una cerveza que auspiciaba debió ir en su auxilio: regalar entradas para que el estadio Nacional se viera lleno.

18 años después, el público se redimió. Porque el bajista no es cualquier músico. Junto a su banda, The Beatles, conformó una alquimia sonora insuperable, que evolucionó como nadie en diez años de carrera y que, a más de cuarenta lustros de su disolución, todavía es una de las empresas más rentables del espectáculo.

Puntual, McCartney arrancó a las 21.02 minutos con “Hello Goodbye” y el auditorio –compuesto por niños, padres, abuelos- se desató. Como un reencuentro con los mejores manuales de la música contemporánea, la sincronía entre el músico y el auditorio fue perfecta. Habló en español, trató al público de “chiquillos” y jugueteó permanentemente con un tono infantil que sacó risas y aplausos.

No es poco. Para un hombre que bordea los 70 años y que no necesita dinero para vivir cómodamente, los conciertos podrían ser una piedra en el zapato. Pero McCartney es de aquellos tipos dotados de una madera especial. El hombre necesita poner su legado a disposición del público y sacarle brillo con un oficio monumental. Parece que no se conmoviera cuando despacha singles que sacan lágrimas como “Blackbird” o “Eleanor Rigby” o cuando rockea con furia en “Helter Skelter” o “Get Back”.

El viejo Paul sabe que en este negocio es el rey, pero no lo hace con el piloto automático. A cada canción le imprime velocidades y tonos diferentes. Como si cada una necesitara de ropajes diversos para cubrir sus doradas melodías. Así, por ejemplo, puso emotividad cuando recordó a sus camaradas fallecidos. Recordó a Lennon cuando presentó “Here Today” –“la escribí pensando en John”, dijo- y realizó una vibrante interpretación de “Something”, extraída de “Abbey Road” (1970), para homenajear a Harrison, con imágenes suyas incluidas.

La noche del miércoles 11 de mayo será recordada por mucho tiempo. Para los que estuvieron fue un lujo. Para los que no fueron, una oportunidad desperdiciada. El más grande dio una lección musical enorme y sustanciosa y dejó a todos sus fanáticos con la satisfacción de haber asistido a un encuentro con la historia del pop. Nadie sabe si será su última vez en Chile. Pero algo es seguro: será uno de esos conciertos que se recuerdan por siempre. Tal como la discografía de The Beatles. (Felipe Rodríguez)

El dúo chileno que realizará una gira por cinco ciudades ese país estuvo retenido en el aeropuerto madrileño por veinte horas. Gestiones de la embajada permitieron su entrada. “Nunca creímos que saldríamos en la prensa por esta situación”, dijo su líder Milton Nahan.

En el papel, se veía como la prueba de fuego. Tras su alabado segundo disco, “Música, gramática, gimnasia” (2010), el dúo sanfelipeño se mostró como una de las sorpresas del rock emergente chileno. Buenas críticas locales, excelentes comentarios en España –en el diario “El País” y en revistas especializadas- y un ofrecimiento irresistible: hacer una gira por ese país europeo.

Pero no resultó perfecto. A su llegada a la capital hispana, un oficial del aeropuerto les negó la entrada porque, supuestamente, no iban a una gira promocional, sino que a lucrar con su visita. La situación –que no es nueva en el aeropuerto de Barajas con visitantes sudamericanos- llegó a oídos de los ejecutivos del sello discográfico, Federación de Universos Pop –que editaron su segundo álbum-, quienes ante la información que serían deportados a Santiago se comunicaron con la embajada chilena en Madrid para que resolvieran el problema.

Milton Nahan y Mariana Montenegro, los nombres tras Dënver, estuvieron retenidos en Barajas durante veinte horas y sólo mantuvieron comunicación esporádica con los de la discográfica española. “Si hubieran dicho que eran turistas, no les pasaba nada”, afirmó Guille Mostaza del grupo Ellos al diario español “El País”, que compartirá escenario este jueves con los chilenos.

Tras su salida, la dupla se dirigió a la embajada para agradecer la gestión del embajador Sergio Romero. “No entendíamos nada. Nunca creímos que saldríamos en la prensa por esta situación. No puedo decir que nos trataron mal, pero estar tanto rato encerrados te hace ver como un delincuente. Agradecemos a la embajada porque nos apañaron en todo”, sentenció desde Madrid, Milton Nahan.

Durante la noche del miércoles, la banda decidió descansar y olvidarse del mal rato. En los próximos diez días tendrán cinco presentaciones en Madrid, Barcelona, Pamplona, Sevilla y Murcia y sus respectivos shows serán la antesala de unos meses con mucho trabajo. Tours por Perú, México y un regreso a España ya están pactados en su camino a la internacionalización. “Lo único que nos interesa ahora es tocar”, finalizó. (Felipe Rodríguez)

James Murphy, el hombre al timón de LCD Soundsystem, hizo lo que pocos se atreverían. Ponerle la lápida a su proyecto electrónico en el mejor momento de su carrera y cuando varias revistas especializadas situaron a su show en vivo como lo mejor de 2010. Este domingo debuta en el Teatro Caupolicán.

Dice James Murphy que la decisión de terminar con LCD Soundsystem la tomó poco antes de grabar su alabado tercer disco, This is Happening (2010). En esa misma fecha, los integrantes de Arcade Fire lo habían llamado por teléfono para pedirle una misión especial: ser el productor de su último álbum, The Suburbs (2010). No era primera vez que requerían sus servicios y nuevamente se vio obligado a negarse. “Ahí decidí que no quería hacer más discos y que This is Happening sería lo último que haría”, dijo al diario estadounidense The New York Times.

Con cucharadas de krautrock, sicodelia y electrónica vintage, LCD Soundsystem es el eslabón final en la música de baile que pusieron de moda bandas como Daft Punk y The Chemical Brothers. En menos de cinco años, este admirador de The Fall -o, más precisamente, de Mark E. Smith- cumplió todos los deseos que se cruzaron por su cabeza. Fue DJ en fiestas, productor de bandas, dueño de un sello vanguardista y respetado -DFA- y figura prominente del rock indie.

Su debut en Chile -domingo 21.00 horas en el teatro Caupolicán-, paradójicamente, lo encuentra en el punto más alto de su popularidad. Su despedida final en el Madison Square Garden de Nueva York debió agendar más actuaciones: los revendedores agotaron las entradas en pocos minutos y las pusieron en venta en Internet al doble del precio. No es casualidad. Algunas prestigiosas revistas como la española Rockdelux lo situaron como el mejor show en vivo -donde se acompaña de colegas de Hot Chip y !!!- de la temporada 2010. “Entrega noches de euforia y energía compartida de esas que no se olvidan jamás”. De su futuro, asegura que seguirá ligado a la música. “LCD se ha convertido en una ocupación que se lleva todo mi tiempo y ya tengo una edad. Quiero hacer otras cosas. No lo veo como el final, sino como el principio”, manifestó. Habrá que seguirle la pista. (Felipe Rodríguez)

Desde su llegada al hotel O’Higgins, su estadía fue un caos. Un altercado entre un guardaespaldas de la banda y recepcionistas del lugar terminó a golpes y con los chilenos sacando cuchillos.

En enero de 1982, The Police era la banda más grande del planeta. Su cuarto disco, “Ghost in the Machine” (1981), les había otorgado una fama inusitada y cumplen el sueño del rockero: fans esperándolos a la salida de los hoteles, locura en cada país europeo donde se presentan y encuentros carnales ocasionales con chicas jóvenes y hermosas.

Es la panacea. En Los Angeles, donde agotan en dos días tres presentaciones en el Forum de esa ciudad, los organizadores brindan una fiesta en su honor. Y ocurren escenas surrealistas. Jack Nicholson se acerca al guitarrista Andy Summers y le pregunta si todo lo que están viviendo “¿les da asco?” y Michael Douglas les declara su admiración con un gesto de amistad innata: les ofrece marihuana.

Como dueños del mundo, el trío viaja a la conquista de un mercado nuevo: Sudamérica. Habían actuado en Argentina y Venezuela y, ahora, la masificación llega a Brasil. En Río, son recibidos como héroes. Tanto, que incluso Ronnie Biggs, el famoso ladrón inglés de trenes, los va a saludar al camarín.

El último destino regional es Chile y en un sitio atípico: el festival de Viña. Los muchachos están advertidos. Saben que en el país gobierna Pinochet, un hombre con mano dura, responsable de numerosos asesinatos a adversarios políticos y de pésima reputación en el Primer Mundo. No les parece gracioso: su paso anterior por Argentina, en ese entonces también una dictadura, había sido problemático: el guitarrista estuvo detenido.

Sin embargo, el arrastre de una fama desbordante minimiza el espanto en un lugar donde la represión y la muerte se huelen a kilómetros. “Habían muchos soldados en las calles y brutalidad. Pero pensamos que era otro show para una dictadura fascista”, recordó Sting, en 1990, cuando vino a tocar en Amnistía Internacional. Se equivocó. Desde su llegada al hotel O’Higgins, su estadía fue un caos. Un altercado entre un guardaespaldas de la banda y recepcionistas del lugar terminó a golpes y con los chilenos sacando cuchillos. Cuando el trío se recluyó en sus habitaciones, vino otro escándalo. Personas de la delegación de The Police se acercaron a los fans del grupo y les hicieron gestos con sus manos para pedirles cocaína. Craso error. Los fotógrafos presentes creyeron que estaban insultando al público y dispararon sus flashes. Al día siguiente, los titulares de los diarios hablaban de supuestas groserías de la banda hacia su audiencia. Falso. A esa hora, los músicos estaban descansando en sus piezas.

Cuando ocurre la conferencia de prensa, la sala era un polvorín. Aún más, cuando Summers aparta con violencia todas las banderas internacionales que había en la mesa donde deben hablar. Mientras los periodistas no entienden su actitud, cada pregunta va subiendo de tono. Y Sting aborta abruptamente la entrevista y se va junto a sus compañeros. “En ese momento, odiamos el país”, recordó en 1990.

La noche del 19 de febrero, las complicaciones siguieron. Poco antes de salir al escenario de la Quinta Vergara, Sting estuvo a punto de suspender el show. Debía ocupar el mismo micrófono usado por Salvatore Adamo, quien tosía y parecía enfermo. Y se negó. Fue el último clavo en el ataúd. Tras negociaciones, el cantante ganó el gallito. Le cambiaron el micrófono y tuvo un deseo: quiso terminar rápido su show e irse de Chile. Y no volver más. Su vaticinio, afortunadamente, no se cumplió. Ocho años después, estuvo en el estadio Nacional. Esa vez fue diferente. Había mucho por celebrar: Chile, después de 17 años, recuperaba la democracia. (Felipe Rodríguez)