Estos tipos aman la música, la tratan como una amante adolescente y la acarician con esmero. Su folk es melancólico, con letras sugerentes y notables armonías que no caen en la afectación o la vanidad. El segundo disco de los de Washington no presenta fisuras y ofrece íntima grandilocuencia, si es que semejante cosa es posible. Juzgue usted.

Video: Grown ocean

Evolución, experiencia y virtuosismo. No hace falta la fluorescencia ahora para brillar con un estilo propio, lleno de ingenio que cabalga sobre un rock que puede reinvetar sus caminos una y otra vez. Es innegable que desde ese experimento oscuro y desértico llamado “Humbug”(2009), la banda de Alex Turner terminó por perder un buen puñado de fans, pero lo que confirmaron entonces y ahora con “Suck it and see”, es que para ser grande hay que afianzar el talento sin repetir la fórmula. Este álbum es un buen ejemplo.

Video: Don’t sit down ‘couse I’ve moved your chair

Sin un mango en los bolsillos, los británicos de Chapel Club apostaron lo que tenían en dos singles poderosos que no ocultaban su gusto por Echo and the bunnymen, The Smiths y Joy Division. “O maybe I” y “Surfacing” dispusieron la mesa y los que saben se sentaron ante ella para disfrutar del plato. La voz de Lewis Bowman es la superficie gastada y cavernosa por la que se mueven sus guitarras y un impulso post punk afilado y lleno de buen gusto.

Video: O maybe I

Símbolo de los nuevos tiempos, Cults se hizo famoso en Internet antes que en las radios. Algunos los llamaron los nuevos Beach House, pero esta dupla es más que una simple comparación. En poco más de media hora y con singles como “Abducted” y “Go Outside”, el grupo se balancea entre un ruidoso pop de guitarras y el post punk británico. Es un sonido que huele a espíritu adolescente, de luminosidad playera y precisión matemática. Un debut que irradia felicidad y jamás suena empalagoso.

Video: Abducted

Mientras el mundo avanza a una velocidad asombrosa, Tom Waits sigue su camino a paso lento, a media luz y cocinando sus melodías de perdedor orgulloso con estilo único. Nuevamente junto a su mujer y productora Kathleen Brennan, “Bad as Me” transmite el genuino pulso de Waits: están el sonido de los trenes, la voz carcomida por el alcohol barato y esas baladas venenosas que se impregnan en la sangre. Es música de otro tiempo y sentido, que llega al corazón y apela a la emotividad. Otro lujo de un gigante de la canción.

Video: Satisfied

Cuando la mayoría del hip hop se ha transformado en una moda comercial, Tyler, The Creator, el capo del colectivo Odd Future, vuelve a poner las cosas en orden. Su boca sucia dispara furia, delirio e insultos. De sus versos nadie se escapa: puede atacar a los homofóbicos como a los homosexuales. Tyler está en constante odio frente al mundo y lo manifiesta sin tapujos. Su música libera tensión y hace abrir los ojos. Un caos sonoro que también posee capas de minimalismo lúgubre. Con él, el rap ha vuelto a lanzar combos en el estómago.

Video: Yonkers

Fernando Milagros siempre combatió con su propio demonio: su desmesurada similitud con Devendra Banhart. Ese parentesco artístico le restaba méritos y actuaba como una sombra que opacaba su talento natural. El antídoto vino por fuera y tuvo un solo nombre: Cristián Heyne. El productor -y responsable de los éxitos de figuras como Javiera Mena, Gepe y Denver, entre otros- desechó las semejanzas con el cantautor estadounidense y limpió la cara de Milagros. Hizo que sus canciones fueran atractivas y luciendo su propia identidad.

Con un folk profundamente chileno y atravesado por la melancolía, Fernando Milagros envuelve en un lazo indivisible a sus antepasados sesenteros con el futuro y se distancia de la homogeneidad del folk de su generación.

Video: Carnaval

La primera pregunta que se hacen todos los que escuchan las canciones de Connan Mockasin es la cantidad de drogas que debe consumir antes de entrar al estudio. Pero el tipo ni siquiera fuma. En este neozelandés sobrevuela el fantasma de Syd Barrett junto a los Air más flotantes. Son canciones dementes, que surcan pasadizos secretos y poseen quiebres inesperados e imaginativos. Ese carácter tan onírico como desquiciado es una delicia para los oídos más experimentales. Lo mejor de Nueva Zelanda desde los fabulosos Crowded House.

Video: Forever Dolphin Love

Canadá como Suecia siempre es tierra pródiga en figuras emergentes del rock más fértil. Timber Trimbe es la presentación de Taylor Kirk, un muchacho obsesionado con la música de los 50. En su segundo disco, el músico pone primera en canciones que huelen a Twin Peaks, Mad Men y películas de terror. Su búsqueda musical trabaja más con las sensaciones que con los golpes de efecto inmediato. En un instante, puede ser contemplativo y, en otro, calzarse el traje de Roy Orbison o Nick Cave. Es música plagada de detalles y que logra hipnotizar en cada nueva escucha. Magnífico.

Video: Woman

Antes de grabar “Let England Shake”, PJ Harvey leyó libros de historia, blogs de soldados que viven en países en guerra y miró documentales de la Primera Guerra Mundial. El mundo experimenta un cambio radical y la inglesa quiso plasmarlo a su manera: revisando el pasado para entender el presente. En apenas cinco semanas en el estudio, la solista abortó la tradicional visceralidad de su voz y la suplió por un timbre agudo y ligero. Un tono impropio que parecía ponerla de espaldas a su trayectoria.

Esos esfuerzos vocales casi infantiles eran el contrapunto de sus líricas. Con la guerra como telón de fondo, PJ Harvey estampa la crónica de un viaje al infierno. En su recorrido hay sangre, cadáveres, campos de batalla, mutilaciones y cráneos despedazados.

Acompañada por fieles colaboradores como John Parish, Flood y Mick Harvey -antiguo lugarteniente de Nick Cave-, las doce canciones de la inglesa surgen del folk y derivan en una economía de recursos instrumentales: golpes pulcros de batería, rasgueos de guitarra y trombones milimétricos. Es un paseo por la destrucción dotado de una belleza musical sublime. Ganador del Mercury Prize 2011 -premio que obtuvo también en 2001 por “Stories from the City…”-, “Let England Shake” es un disco apasionado, épico, incómodo y profundo. El arte en su expresión más elevada. Y, con todo merecimiento, el mejor del año.

Video: Last living rose

Del 20 al 11

Más limpio, nítido y fuerte, el sonido indie de esta banda de New Jersey supera con creces su estreno de 2009. Las canciones en “Days” fluyen sin esfuerzo, con letras que parecen la variación de un mismo tema: la bucólica vida de los suburbios. Hay algo del primer REM, también de Pavement sumergido en el bálsamo de The Feelies; en resumen, talento melódico que engancha de manera sólida a través de un disco completo y eso, ya se sabe, no es poco.

Video: “It’s real”

Una innegable inspración retro y una cuota de madurez que no mancha su punteria energética. Velociraptor! es el cuarto larga duración del grupo originario de Leicestershire y mezcla cuotas del electrorock que los hizo famosos (“Velociraptor”, la canción), pulso sesentero a lo The Last Shadow Puppets y baladas para enmarcar (“Goodbye kiss”). Los muchachos se escuchan sueltos pero por sobretodo, llenos de confianza.

Video: “Switchblade smiles”

Un inglés melancólico llamado Joseph Mount cuyo nombre artístico lo adentró con valentía en los frágiles terrenos del electro indie. Porque si no eres sólido como, digamos, The go find, es fácil terminar en una caricatura. Sin embargo, Metronomy consigue con “The English Riviera”, cierto pulso insomne que entrega momentos de calma y sofisticación; de ricas capas sonoras montadas en melodías para silbar sin temor a ser descubierto.

Video: “The bay”

Un dúo como precepto de formación para una banda, fue un dibujo repetido en variados rincones del orbe durante este año. La originalidad aquí radica en cómo Charles Watson y Rebecca Taylor (Sheffield, Inglaterra), logran mezclar una sensibilidad de orquesta, con pop atmosférico repleto de coros superpuestos y vívidos. En general, su segundo disco después de “Yeah, so” es evocativo e intenso. Lo que venga a futuro sólo debe hacer a un lado el exceso de dulzor para comenzar el despegue definitivo.

Video: “Two cousins”

La guitarrista Annie Clark (28) logra superarse con riffs agresivos al servicio de melodías incombustibles. Adorada por Bon Iver y los muchachos de Grizzly Bear, la señorita Clark y su alter ego llamado St. Vincent construyen un pop inteligente, de voz cálida y pulso rockero. La consistencia de “Strange Mercy” y de temas como “Chloe In The Afternoon” o “Surgeon” confirman las amenazas de “Actor”, uno que también estuvo entre los mejores de 2010.

Video: “Surgeon”

Tiene apenas 21 años y diarios influyentes como The Guardian lo llaman “el niño prodigio de la música electrónica”. Reposado, crepuscular y hedonista, el disco debut del hijo de Alfredo Jaar es un manantial de sonidos inteligentes, cocidos a fuego lento y que se enquistan profundamente en el alma. Es un nuevo estilo de baile que, junto al británico James Blake, está cambiando los códigos del género. Estas canciones no sólo piden acceso a mover las caderas, sino que también introspección.

Video: “Carminho”

El compañero de Alex Turner en “The Last Shadow Puppets” le saca brillo a la tradición más sofisticada y pulida del rock británico. Sin puntos bajos y con un romanticismo oscuro que atraviesa sus doce canciones, el álbum vuela alto en sonoridades sicodélicas y de orquestación finísima que miran a hermanos mayores como T-Rex, Lennon y Echo and the Bunnymen. La obra causó tan grata impresión que, hasta el mismo Liam Gallagher, acostumbrado a insultar a la mayoría de los rockeros emergentes de su país, le dijo al solista que envidiaba canciones. Ese cumplido cerró el círculo: Kane, por fin, se sacó el estigma del acompañante eficiente. Ahora, también juega en primera división.

Video:”Come closer”

Veinte años sin material nuevo y ni se les notó. The Feelies fueron una de las bandas más sobresalientes del post punk de comienzos de los 80 en Estados Unidos, pero nunca alcanzaron la gloria. Con este álbum, es seguro que tampoco tocarán el cielo, pero al menos pondrán contento a más de alguno. Encontramos los mismos ingredientes del pasado: melodías elegantes, una voz cavernosa, estallidos eléctricos y alguna melancolía optimista. La escuela de Velvet Underground sigue con acólitos aventajados. Larga vida a The Feelies.

Video: “Nobody knows”

Ser hijo de Ian Dury, el mítico creador de ese himno llamado “Sex, Drugs and Rock and Roll”, podría ser la lápida para cualquiera. Menos para Baxter Dury. En su tercer disco, el hombre saca conejos de su sombrero y confirma que sus brillantes obras anteriores – los sicodélicos “Len Parrot’s Memorial Lift” (2002) y “Floor Show” (2005)- no fueron simple espejismo. Con una aparente simpleza compositiva y un espíritu low fi, el solista apuesta por arreglos juguetones, interpretaciones a dos voces con Madeleine Hart y las canciones más luminosas de su carrera. Lástima que se tome tanto tiempo entre disco y disco.

Video: “Claire”

Vivir en Oklahoma no suele ser sinónimo de diversión. Esa condición es, quizás, el síntoma que llevó a Other Lives a hacer música de clima brumoso, donde el frío siempre le gana al sol. En su segundo álbum, el grupo viste sus canciones con algunas ropas conocidas: la elegancia tenebrosa de The National -su más cercano referente-, los entramados preciosistas de Fleet Foxes y armonías corales que recuerdan a Ennio Morricone. Es un disco para almas sensibles y en permanente invierno. Para emocionarse y llorar.

Video:  ”For 12″

Del 10 al 1

Hoy se cumplen 40 años de Led Zeppelin IV, uno de los álbumes más vendidos de la historia. La obra cumbre del grupo se realizó en medio de escándalos, borracheras y amenazas de muerte.

por Felipe Rodríguez

Jimmy Page estaba molesto. El ideólogo de Led Zeppelin se sentía traicionado por las críticas de la prensa a su disco Led Zeppelin III (1970). La revista Rolling Stone sentenció que su música era “para drogadictos” y Los Angeles Times que su éxito se basaba “en el consumo de anfetaminas de los jóvenes que trastornaban sus sentidos”. La relación con la prensa estaba quebrada. Y los músicos tampoco ayudaron a levantar su imagen. En las giras, actuaban como forajidos en una bacanal eterna: destrozaban hoteles, bebían hasta la inconsciencia y tenían sexo, especialmente, con adolescentes.

Por eso, al entrar al estudio a grabar el nuevo disco, el guitarrista se juramentó trabajar el doble y negarse a las entrevistas. El silencio se amplió a toda la banda: la guerra con los periodistas estaba declarada. A fines de 1970, Page y el vocalista Robert Plant se encerraron en una campiña galesa a crear música. En sus cabezas, buscaban crear un himno que sustituyera a “Dazed and Confused”. Les costó poco. Jimmy rápidamente ideó la introducción de “Starway to Heaven” y la imaginación fluyó en forma ascendente. Tanto, que, por un momento, pensaron editar un disco doble.

Cuando el cuarteto -que integraban, además, el baterista John Bonham y el bajista John Paul Jones- se reunió en unos estudios londinenses, el ánimo era el mejor. “Black Dog” salió de una improvisación de Page, mientras veían a un perro negro que entraba y salía mientras grababan y “Rock and Roll”, a partir de un ensayo de Bonham del tema “Good Golly Miss Molly” de Little Richard.

En marzo de 1971, los rumores de su separación eran cada vez más recurrentes en los tabloides británicos. Incluso, el semanario musical, Melody Maker, afirmó que Peter Grant, el manager de Led Zeppelin, los había dejado y que estaba listo para firmar con Emerson, Lake and Palmer. Pero todo era un tongo.

Por esos días, la banda brindó un pequeño concierto en la BBC donde presentó algunos de sus nuevos temas que bebían del blues y el rock. Aunque la crítica no los trató bien, no los despedazaron como a su anterior álbum. Page, en tanto, no había quedado conforme con la mezcla realizada en Los Angeles y se tomó un tiempo más. Las buenas noticias seguían: el Parlamento inglés les entregaba un reconocimiento por sus discos de oro y sus ventas eran superiores en tres veces a las de los Rolling Stones.

A mediados de agosto, en un tour por Estados Unidos fueron amenazados de muerte por grupos conservadores y se movían con guardaespaldas. Unas semanas después, en su primera gira por Japón, la banda actuó fiel a su leyenda. Bonham compró espadas de samuráis e hizo trizas su habitación. Jones, totalmente borracho, fue arrastrado por sus compañeros a la salida de su pieza, mientras sus otros compañeros disfrutaban con prostitutas. El escándalo fue tan grande que el hotel Hilton de Tokio los expulsó de por vida.

Los conflictos abundaban. Los ejecutivos de su discográfica se opusieron a que la banda decorara su portada con cuatro símbolos que representaban a los músicos. “Es un suicidio comercial”, dijeron. No pudieron hacer nada. Led Zeppelin vendía tan bien que podían tener control total de su trabajo. Page salía, otra vez, triunfante. A la semana de su lanzamiento, el disco -llamado Led Zeppelin IV por los fans- era el segundo más vendido en Estados Unidos y “Starway to Heaven” se coronaba como el nuevo himno. El grupo había hecho su mejor disco, ha vendido más de 25 millones de copias y es uno de los más grandes de la historia del rock.

Lo suyo fue una historia tan vertiginosa como breve que, 16 años después de su fin, vuelve a poner al grupo en lo alto de los titulares con el anuncio de reunión que lanzaron el 18 de octubre pasado, agotando en 14 minutos las 150 mil entradas puestas a la venta para el concierto que marca su regreso.

por Alejandra Zúñiga

1989: un grupo de veinteañeros editan el que es considerado uno de los discos esenciales de la historia y que fue bautizado con el mismo nombre de la banda: “The Stone Roses”. De este debut al estrellato apenas bastaron 12 meses, cuando en 1990, el cuarteto se presentó en Spike Island, al norte de Liverpool, en un mítico concierto al aire libre que congregó a 27 mil personas bajo mucho sol, tierra y drogas, para ver a la que ya era conocida como “la mejor banda de la época”. Ahora, luego de 16 años de receso, aquel recuerdo vuelve a vibrar con la expectativa que ha traído la confirmación de su retorno a las pistas.

A tanto llegó la conmoción que el ex líder de Oasis, Liam Gallagher, publicó de inmediato a través de Twitter un mensaje: “No estaba tan feliz desde que mis hijos nacieron”. Imposible no creerle: sin The Stone Roses, el Gallagher chico no habría tenido a quien imitarle los simiescos movimientos con que se para sobre el escenario y sus peleas con su hermano Noel habrían sido sólo comidillo de bar, muy lejos de los miles de medios interesados en saber todo de la agrupación que, en una irónica jugada, ocupó el lugar que ellos dejaron vacante.

Porque el grupo de Ian Brown (voz), John Squire (guitarra), Alan “Reni” Wren (batería) y Gary “Mani” Mounfield (bajo) fue un antecedente esencial para eso que en los 90 se tomó las pistas de baile y las radios de buena parte del mundo bajo el nombre de “brit pop”, además de influenciar en buena medida a la corriente más electrónica de la década.

La leyenda se fraguó con una mezcla de rock, dance, funk y psicodelia sesentera coronada en envolventes atmósferas y una serie de canciones-himno como “I’m the resurrection”, “I wanna be adored” o “This is the one”, escrita luego que los músicos fueran encerrados en una pieza por uno de los productores, “hasta que tuvieran un tema”. Como anécdota, esta canción es hace años ocupada por el Manchester United como banda sonora para salir a la cancha de su estadio y hasta Ian Brown la ha cantado a capella para animar a los jugadores.

Pero este exitoso primer paso fue opacado por la larga disputa en la que se vio envuelto el grupo con el sello Silverstone, descontentos por la forma en que éste les había pagado. En un intento por liberarse de su contrato y con la intención de firmar con el gigante Geffen, pasaron cinco años de litigios antes de que se editara finalmente “Second coming”.

“Nos inhabilitaron por dos años y medio. No podíamos hacer conciertos ni discos. Terminamos no haciendo nada o ensayando a veces, pero no podíamos mostrarlo. Habíamos perdido el momento de atención”, comentó “Mani”.

Tras varias peleas internas, que terminaron con el alejamiento en 1995 de Reni y, al año siguiente de Squire, quien se dice, pudo haber sido reemplazado por Slash cuando el recién salido guitarrista de Guns ‘n’ Roses ofreció sin éxito sus servicios a la banda, la historia de The Stone Roses llegó en 1996 a su fin, tras unas olvidables últimas presentaciones en España e Inglaterra.

El imperio “baggy”

Dos casas separaban a Brown y Squire cuando no pensaban en guitarras ni fama. En la adolescencia la dupla decidió, como casi cualquier quinceañero, formar una banda. La culpa la tuvo, según Brown, Margaret Thatcher, quien con su subsidio por desempleo le dio a gente como ellos, The Smiths o Joy Division, tiempo para dedicarse a la música. “En Machester, si estabas desempleado, nunca estabas solo”, comentó.

Bautizados en un inicio como The Patrol, pasaron luego a ser English Rose para terminar en The Stone Roses. Bajo ese nombre dieron su primer concierto en 1984, teloneando en un concierto anti heroína a Pete Townshead, a quien convencieron mandándole un efectivo mensaje: “Estoy rodeado por drogadictos. Quiero aplastarlos. ¿Puedes darnos un show?”.

Al año siguiente lanzaban su primer sencillo, So young/Tell me; tocaban en la Hacienda, centro obligado de la movida “Madchesteriana”, y eran junto a Happy Mondays, Inspiral Carpets y The Charlantans representantes de la nueva era “baggy”: esa que dejaba atrás lo oscuro y se vestía con pantalones anchos, camisas sueltas y largas chasquillas.

Tras varios EP llegó en 1989 “The Stone Roses”. Producido por John Leckie, quien como ingeniero de Abbey Road había trabajado con Pink Floyd además de Lennon, Harrison y McCartney, el álbum tiene una alabada portada diseñada por Squire, quien se basó en el estilo de Jackson Pollock y puso imágenes de limones en alusión a los manifestantes de mayo del 68, que siempre llevaban algunos para aminorar los efectos del gas lacrimógeno.

¿El resultado?, la prensa rendida a sus pies, miles de fanáticos coreando sus temas, apariciones televisivas en programas como Top of the Pops y The Late Show en la BBC, donde a los 45 segundos reventaron los fusibles por tocar muy alto.

Y antes de la caída, la resurrección y el comienzo del mito, los cuatro de Manchester soñaban con “ser tan grandes como los Beatles”, al tiempo que apostaban arrogantes: “Somos el grupo más importante del mundo, porque tenemos las mejores canciones y no hemos ni siquiera empezado a mostrar nuestro potencial todavía”.

Amy Winehouse fue uno de los mayores talentos musicales aparecidos durante los últimos años. Pero esa inmensa capacidad para instalarse con apenas dos discos en el podio del soul fue triturada por una vida de abusos y desorden que la llevó tempranamente a la muerte.

Se supo ayer por la tarde: los vecinos de Amy Winehouse en el londinense barrio Candem hacían apuestas sobre el deceso de la cantante. “Sabíamos que no pasaría los 33 años”, dijo un hombre a la BBC. Era lógico. Sus últimos años eran un tobogán sin fondo. Fiestas diarias, dealers entrando y saliendo de su casa y periodistas haciéndole guardia para registrar primero que nadie el nuevo exceso de la mujer.

Nadie fue capaz de ponerle freno porque siempre fue de carácter fuerte. A los 13 años, cuando su padre, Mitch, entendió que su hija tenía un talento artístico sobre la media, le escuchó una sentencia que recordó en más de una entrevista. “Dedicaré mi vida a la música porque allí me siento plena”, le manifestó. No hubo discusión. Los años le dieron la razón. Cuando debutó con “Frank” (2003), un disco aparcado en el jazz y que tributaba en su título a Frank Sinatra, el padre pudo sentirse orgulloso. Con apenas veinte años, su hija había lucido convicción y seguridad en sí misma: obtuvo muy buenas ventas en el Reino Unido y la postularon a los premios Mercury de su país, que se otorga a los mejores álbumes de cada temporada.

Por esa misma época, conoció el germen del caos que acabaría con su autodestrucción: Blake Fielder-Civil. El tipo, un asistente de estudios de grabación, no sólo fue su marido y su gran amor. También fue quien la inició en las drogas duras. La heroína, el crack y la cocaína le llegaban a la mesa con periodicidad gracias a los contactos de su pareja. Y se desbandó. Más aún, cuando su segundo disco, “Back to Black” (2006), la consagró como el referente del nuevo soul. Ese milagro musical –a medias con el productor Mark Ronson-, que incluía historias autobiográficas y la emparentaba con glorias como Nina Simone y Dusty Springfield, trajo el redescubrimiento de un género que reposaba tranquilamente desde hace 30 años, y definió su nuevo status. Ya no era una promesa. Era una realidad y de las grandes. Su casa discográfica, Universal, respiró aliviada y le dio trato de estrella: con las ventas de ese álbum pudo obtener números azules y su irrupción produjo una escuela de cantantes souleras –Duffy y Adele, entre las más conocidas- que bebieron de su sangre para ganar masividad.

Pero así como las alabanzas, llegaron los escándalos. Fielder-Civil pasó 27 meses en una prisión tras una pelea en un bar, mientras Winehouse, solitaria y dolida iniciaba su viaje que la llevaría a la muerte. Ingresos a clínicas de desintoxicación, viajes a una isla caribeña para alejarla de las malas influencias, desequilibrios alimenticios y escaso compromiso laboral fueron parte habitual de su curriculum. El periodismo británico también hizo lo suyo. Cubrían su vida como si fuera un reality y sumaban a su familia. Su padre, a esas alturas otra celebridad del clan, aparecía apoyando las causas contra las drogas y afirmando, cada cierto tiempo, que su hija ahora sí se dedicaría a la música para lograr sus otros sueños: casarse y tener muchos hijos.

Las buenas intenciones fueron palabras al viento. A Winehouse la había fagocitado su fama y su descontrol era portada recurrente en los medios sensacionalistas. Las últimas apariciones de la cantante fueron trístisimas. En el verano, durante sus shows de retorno en Brasil, se paseaba desnuda por los pasillos de un hotel en Río. En junio pasado, no podía sostenerse en pie en un concierto en Belgrado y Mark Ronson, su productor, harto de su comportamiento, no podía tenerla en el estudio durante dos días seguidos por sus erráticas actitudes. En ese sentido, su muerte se veía venir. La incapacidad de controlar su destino y desperdiciar su inmenso talento eran los síntomas evidentes que el final arreciaba con fuerza. Por algo, en su barrio las apuestas se habían hecho con tanta anticipación. (Juan Costeau)

El evento de rock importado por Perry Farrell saca cuentas alegres. Más de 120.000 personas en sus dos días, más de 50 bandas en los escenarios y la certeza que en 2012 se viene recargado y mejor. El punto en contra fue el problema con las entradas adquiridas vía Internet y el caos en La Cúpula.

Shows de primer nivel: Para cualquier melómano, este tipo de festivales es una delicia. Más aún, cuando en el país se presentaron por primera vez algunas bandas de calidad indiscutida. The National, una de las bandas de rock tan romático como elegantemente melancólico brindó un concierto soberbio el día sábado. El domingo, en tanto, Flaming Lips instaló un delirio sicodélico. Con su líder Wayne Coyne paseándose por una burbuja en medio del público, globos, serpentinas y personas bailando arriba del escenario, su música alucinada y existencial fue un placer imborrable. Otro que respondió a la altura fue Kanye West. El rapero que mostró en Chile por primera vez su alabado último disco, “My Beautiful dark…” –y uno de los mejores de 2010-, fue un huracán musical. Rimas perfectas, gran voz y temas imbatibles.

El alza de la imagen país: Un festival como Lollapalooza logra un efecto impensado: que los demás países vean a Chile como un referente. Fueron cientos los argentinos, peruanos, venezolanos, mexicanos, canadienses, estadounidenses y alemanes que presenciaron la fiesta musical. Una instancia que genera respeto, credibilidad y nos acerca –aunque sea mínimamente- al Primer Mundo. Un punto a favor que contrastó con la entrega de entradas a los espectadores internacionales. Muchos de ellos debieron soportar horas para que les confirmaran que los tickets que habían adquirido por Internet estaban pagados.

El caos en La Cúpula: Sucedió el sábado y se repitió el domingo con la fuerza pública incluida. El escenario Tech Stage –que es La Cúpula- saturó su capacidad. El hecho provocó un desorden total. En las actuaciones de Devendra Banhart, Cat Power y The Drums intervino Carabineros con caballos, mientras las culpas no eran asumidas por nadie. Fue un error que la organización debió prevenir.

La solidez de Chico Trujillo: El combo liderado por Aldo “Macha” Asenjo demostró que es el grupo más popular de Chile. A media tarde, soltaron su cancionero bailable e impusieron una de las mayores fiestas de la jornada. Público coreando sus canciones, extranjeros enloquecidos con su música y los músicos exigiendo la legalización de la marihuana. Un carnaval total.

El alza de la música chilena: Prácticamente sin apoyo y en forma quijotesca, las bandas chilenas gozan de uno de sus mejores años. En Lollapalooza hubo espacio para todos: Fother Muckers, Francisca Valenzuela, Los Bunkers, Astro, Denver, Cómo asesinar a Felipes, Javiera Mena y Anita Tijoux, entre otros. Cada uno en su estilo, demostraron que las invitaciones que reciben para países como México, España y Estados Unidos, entre otros, no son casualidad. Es una de las generaciones más talentosas de los últimos años.

La confirmación para 2012: Perry Farrell, el ideólogo de Lollapalooza e integrante de Jane’s Addiction, confirmó que quedó más que satisfecho tras el debut en Chile. El público respondió, no hubo mayores problemas, las bandas disfrutaron la experiencia. En resumen, el festival repetirá en abril del próximo año.

El error en la conformación de los shows: Devendra Banhart, The Drums y Cat Power son nombres insignes del rock alternativo y cuentan con una tropa amplia de fanáticos en Chile. Por eso, no se entendió que los programaron en La Cúpula, un lugar para poco más de 2000 personas, mientras en el escenario principal hubo fiascos como 30 seconds to Mars y Sublime with Rome. Bandas de escaso impacto y mínima calidad que debían tener una menor exposición. (Felipe Rodríguez)

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Con sólo 22 años, edita un disco debut homónimo que ratifica todas sus credenciales. Música hecha con un piano y su voz y que pone un pie en el dubstep y otro en el soul del futuro.

Hasta hace unos años, James Blake se asociaba directamente al tenis. Un deportista que había sufrido un grave accidente y que volvió casi por milagro a las canchas y, en una proeza mayor aún, alcanzó a estar en el top ten del ranking.

Ahora, otro personaje con su mismo nombre está combatiendo su popularidad. Tiene 22 años, estudia música hace tres años en la inglesa Universidad Goldsmiths y acaba de estrenar su disco debut homónimo. Se trata de un experimento sonoro en que equipado con su voz y su piano, el muchacho ha logrado once canciones sobrecogedoras, de un soul futurista y que representan la renovación de este estilo.

Grabado en la casa de sus padres, los temas tienen una inspiración en el dubstep y en el soul de clásicos como su venerada Joni Mitchell. “A los 18 años, pasé mucho tiempo en clubes de Londres donde habían sesiones de gente como Burial que fueron una influencia enorme. Me sentí muy conectado con esa música urbana y fría. Tenía que ver con la época individualista que estamos viviendo”, dijo al diario británico The Independent.

Blake comenzó a poner música en fiestas y, dada la buena recepción, empezó a producir temas propios de facturación casera. Allí, se fue impregnando de melodías evocativas y futuristas, a medio camino entre Beth Gibbons (Portishead) y Antony, que encajaban estados de ánimo contemplativos y contingentes.

El año pasado debutó lanzando un par de Eps que tuvieron buena acogida en el público y en la crítica -“Klavierwerke” y Limit to Your Love”- y hace unas semanas lanzó su debut. Una obra superior en que los efectos, los silencios y su voz tormentosa se unen para formar un matrimonio musical que renueva el soul. “Hay muchos miedos en la tradición del pop y creo que se está perdiendo un poco. Eso es parte de lo que quiero recuperar. En Inglaterra, The XX han cambiado la forma de escuchar música en la gente. Son renovadores del pop. Eso me gustaría lograr”, cuenta.

El álbum, incluye un cover de la canadiense Feist –“Limit to Your Love” y, según Blake, está inspirado en Laura Marling y Outkast. “Ellos entienden la música como un campo donde se ejerce la libertad. Me identifico con ellos”, finaliza. (Felipe Rodríguez)

“When You’re Strange” es el documental más alabado sobre The Doors. Entre la mala reputación del grupo y los destellos de surrealismo de su líder, el material (que se exhibe en el cine arte Alameda) surge como el definitivo de una banda tan poética como eternamente joven.

En medio de la recreación llena de ensueño que el director Tom DiCillo utiliza como uno de sus métodos de narración en este impecable documental sobre una de las bandas más particulares y definitorias de los sueños de los 60, arremeten con fuerza los acordes de “People are Strange”. Más adelante, Jim Morrison, el chamán de The Doors, se pone un cenicero en la cara y mira a la cámara a través de él. La escena condensa mágicamente el concepto del metraje.

El poeta del rock and roll, el más peligroso e inteligente de una época donde los jóvenes se rebelaban contra todo lo que olía a vetusto, es mostrado en el documental, “When You’re Strange” -que se exhibe en cine arte Alameda y Movieland de La Florida-, como una perfecta mezcla de genio y espíritu atormentado. “Nunca he tenido nada que decir”, admite el mismo Morrison ya en 1969, antes de enervarse en Miami ante un público que sólo le exigía “Light my Fire”. Él opta por mostrarles la entrepierna.

Aunque DiCillo se centra sobre todo en la figura del vocalista, no por ello deja de rendirles tributo a los otros protagonistas. Más aún, en sus aportes cierra el concepto de extrañeza que representa su líder.

Por eso, el cineasta y guionista escribe algo que en la narración de Johnny Depp -un declarado fanático de la banda- suena definitivo. “La música es extraña para los no invitados: no hay bajista. John Densmore (baterista) debe mantener el ritmo, pero su jazz es exacto e impredecible. Robby Krieger (guitarrista) tiene influencias del flamenco, no usa uñeta y su guitarra es rítmica. Ray Manzarek (tecladista), con su piano-bajo eléctrico, toca la base con la mano izquierda y usa la derecha para los acordes. Así fluye el blues”.

Gracias a estas razones, Morrison puede irradiar esa atmósfera surrealista que define a The Doors, como un estrafalario cantante que se tira al suelo y se revuelca, muchas veces en escenarios con decenas de personas arriba, incluidos policías que esperan el momento ideal para arrestarlo.

DiCillo no olvida la mala reputación del grupo, formada básicamente por los escándalos de Jimbo, quien, primero por el LSD, luego la cocaína, pero invariablemente por el alcohol, convirtió muchas actuaciones y grabaciones de álbumes en desastres.

Pero es quizás en la relación con su familia donde el cineasta sugiere el mayor secreto para entender la atormentada mente del artista.

Sin caer en sentencias tan duras como las que hace el reputado biógrafo Stephen Davis en “Jim Morrison: Vida, Muerte y Leyenda”, cuando afirma que su padre no sólo castigaba duramente a Jim cuando niño, sino que lo violó, el director remarca dos puntos: en la carátula del primer y homónimo disco (1967), el cantante escribe que toda su familia está muerta. Al cierre del documental, cuenta que el viejo almirante Morrison tardó 10 años en reconocer que “mi hijo poseía un genio especial que expresó sin ningún tipo de compromiso”. Por Pablo Douzet

Los Bunkers están confirmados en el festival estadounidense Coachella, quizás el más importante encuentro de rock que se hace en ese país. Ese 17 de abril estarán cumpliendo el más preciado anhelo de los que toman una guitarra o unas baquetas por el solo placer de hacer música: codearse con los cracks de su tiempo.

Pasó desapercibido. Sin una sola mención impresa en los diarios capitalinos. Chico Trujillo, la banda piloteada por “El Macha” Asenjo, cerró el año pasado el festival danés Roskilde, uno de los tres más importantes del verano europeo -junto a Benicassim y Glastonbury-. El mérito del combo cumbiero no es menor: ese gigantesco espectáculo que se monta en el pequeño poblado del mismo nombre a una hora de Copenhague -en un espacio similar al Picarquín de San Francisco de Mostazal-, convoca a más de 200.000 personas anuales, se extiende por cuatro días, con actuaciones que comienzan antes de las doce y terminan más allá de la medianoche en cinco escenarios donde se exhiben todos los sonidos del mundo. Es una feria de identidades única y embriagadora. Y una experiencia decidora para cualquier melómano.

Chico Trujillo, que saltó a la pista después de Prince, encandiló con su carnaval sonoro a los daneses. Y, sin querer, plantó una semilla. En noviembre del año pasado, Peter Hvalkof, programador del festival escandinavo, estuvo en Chile como invitado del PULSAR. Su misión era ofrecer una charla sobre “mercados internacionales musicales”. Pero también venía con otra idea en la cabeza: escuchar bandas chilenas para llevar a la edición 2011 de Roskilde. Lo hizo: Juana Fe fue el número elegido.

Hace unos días, supimos la confirmación de una excelente noticia. Los Bunkers están confirmados en el festival estadounidense Coachella, quizás el más importante encuentro de rock que se hace en ese país. Ese 17 de abril estarán cumpliendo el más preciado anhelo de los que toman una guitarra o unas baquetas por el solo placer de hacer música: codearse con los cracks de su tiempo. PJ Harvey, Kanye West, The National, The Strokes y Leftfield, entre otros, serán algunos de los colegas. Los penquistas, con años de residencia en México y un estupendo nuevo disco recién en circulación -“Música Libre”-, no se marearon con el logro. Entienden que es un escalón en su carrera y que son un grupo desconocido para el auditor promedio estadounidense. Pero también captan lo esencial: es el paso más trascendente para forjar lazos y abrochar nuevos públicos.

Algo similar sucede con Anita Tijoux. Desde que Thom Yorke, el líder de Radiohead y una voz autorizadísima para levantar o bajar el pulgar a las nacientes estrellas, dio su bendición por las redes sociales a su single, “1977”, las noticias son sólo positivas. Giras por Estados Unidos, España y una nominación al Grammy como mejor disco de rock alternativo, avalan su presente e imprimen confianza al futuro. Tanto como al de Javiera Mena, a la que la edición de enero de la influyente revista española Rockdelux, le dedicó una crónica por su álbum, “Mena”, que la afianza en la pole position del pop latinoamericano. “Es, de largo, el disco que más veces he escuchado en el último medio año. El día que se edite en formato físico correré a comprarlo”, dice el comentario.

Y así los casos se repiten con Gepe, Francisca Valenzuela, Denver, Javier Barría y muchos otros que vienen pisando fuerte y generando sus espacios. Quizás es la escasa repercusión mediática de los grupos chilenos o también esa baja autoestima congénita la que nos insta a hablar en voz baja de este presente brillante de la música local. Da lo mismo. Tras el periodo de oscurantismo de la dictadura de Pinochet -con excepciones como Los Prisioneros y Electrodomésticos-, los sonidos autóctonos maduraron y se hicieron exportables. Casi al mismo nivel que la nueva generación de futbolistas. Como nunca, los sitios de myspace están plagados de grupos y solistas nacionales. Las tiendas de instrumentos también celebran: los últimos años se han disparado las ventas. No son hechos casuales. El triunfo de Los Bunkers deberá irradiar al resto de los músicos. Y palpa una evidencia intrínseca. La música made in Chile volvió a su centro: a estar en el Primer Mundo de la región. (Por Felipe Rodríguez)

6.- The Walkmen: Lisbon

Lisbon, el sexto larga duración en la carrera de The Walkmen, está cruzado por la melancolía.  ”Blue as your blood” comienza como una marcha oscura llevada por la siempre inquieta batería de Matt Barrick. Lo que cae después, con introducciones leves y ecos y melódicos gritos sostenidos, son tracks como “Stranded” o “Torch song”. Tristes piezas de joyería que no tienen pretención de estadio y que se sumergen entre los puntos soleados que son “Woe is me” y “All my great designs”. En general, un disco para guardar en cualquier cápsula del tiempo.

Tildados en sus comienzos como un sucedáneo de Tindersticks, el quinteto estadounidense construyó su reputación a base de canciones siempre elegantes y atmosféricas. En su último álbum, dan otro paso adelante en su madurez creativa. A la evocación y la voz de barítono de su líder, Matt Berninger, le han añadido una belleza perpetua, que inspira y convence y que suma perlas en títulos imperdibles del año como “Vanderlyle Crybababy Geeks”. Es un trabajo perfecto que no conoce grietas. Estupendo.

4.- Caribou: Swim

Lo curioso es que siendo Caribou un proyecto de  Dan Snaith, fundador de Manitoba, el sonido de Swim se aleja bastante de este otro invento. Porque si Manitoba era IDM o noise pop, Caribou es mucho menos críptico y se concentra en las bases electrónicas para lograr un sonido que podría ser considerado directamente dance, aunque siempre con la elegancia y el filtro vanguardista de Snaith. Swim es electrónica pensada pero no al punto de impedir perderse en ella.

3.- The Black Keys: Brothers

Prolíficos y autodidactas, The Black Keys no se dan por vencidos en su camino por tocar el cielo con los dedos. Siempre mirando de reojo las mejores pócimas sonoras de los ’60 –el rock masculino, el soul negro y la sicodelia más aérea-, Brothers es otra revisión de su manual. Aunque le dan más espacio a los teclados y a los órganos que en sus anteriores travesías, el dúo suda testosterona y gana en consistencia. Desde el funk adhesivo de su primer single “Tighten Up” -con la producción de Danger Mouse-, la máquina funciona aceitada y los estilos se revuelcan entre sí lujuriosamente. Nuevamente salen victoriosos.

The Suburbs puede ser el trabajo más ambicioso de los canadienses. Instrumentalmente hablando, no tiene más capas que sus predecesores (Funeral -2003- o Neon Bible -2005-), pero sí busca desplegar un repertorio rico en texturas como si fuese un pasaje unitario. Quizás la definición de disco conceptual se queda corta en esta colección de 16 temas, cuya primera pausa para tomar aire llega recién con el contratiempo rítmico del tercer track: la enigmática “Modern man”. Más adelante se disfrutan saltos  ambientales como “Empty Room” o “Month of may”, para luego adentrarse en cuevas frías y oscuras a lo Echo and the bunnymen cosecha Ocean rain (1984). En definitiva, lleno de dobles o triples climax, The Suburbs es una experienmcia como pocas en el rock contemporáneo, de esas que vale la pena vivir, sea cual sea el resultado. Puede que sea el trabajo menos accesible de los que han compuesto, pero es lejos el más intenso, emotivo y noqueador.

1.- Tame Impala: Innerspeaker

Algo se está cocinando en Australia. No es casualidad que, en los últimos años, muchas bandas oceánicas le estén dando nuevos bríos al rock. Desde la irrupción de The Avalanches –a comienzos de 2000-, una nueva marca que se equilibra entre hedonismo inteligente y canciones bailables se ha tomado los principales charts del mundo. Ejemplos hay varios: Midnight Juggernauts, Cut Copy y The Presets, entre otros.

Tame Impala sería el primo que está en etapa alucinógena. Con la sicodelia de los 60 como telón de fondo, el trío factura un disco debut sucio, rockero y cuya filosofía musical tiene como referentes a un pasado perdido. Emparentado con los suecos y contemporáneos Dungen, sus canciones trepan en el aire y se mantienen a flote en medio de latigazos rockeros adictivos y precisos. Es un trabajo que crece a cada escucha y que está compuesto de bombas rítmicas que enamoran desde la primera vez. Entre “It’s Not Meant to Be”, “Desire Be Desire Go” y “Jeremy’s Storm”, se encuentran las mejores fragancias del año. Pura hipnosis rockera en estado de gracia. El merecido mejor disco de la temporada.

12.- Crowded house: Intriguer

Se trata del segundo disco de la segunda vida de Crowded House, luego que el bajista Nick Seymur contactara su viejo bandmate y firmarán el sensible Time on earth en 2007. Lo que armaron ahora bajo la producción de Jim Scott (Wilco, Red Hot Chili Peppers), es un delicado grupo de melodías salpicadas de distorsión y hasta de psicodelia. Una mezcla de canciones de medio tiempo con arreglos impecables y enviones de atrevimiento que tienen el pulso Beatle como denominador común. La primera mitad está marcada por la línea de bajo de Saturday sun y el explosivo final de una balada que parte muy inocente (Falling Dove), para terminar convertida en otra cosa gracias al aporte de Liam Finn, músico por mérito propio e hijo menor de Neil. En general, un experimento a pesar de sus fans más nostálgicos, tal como Neil Finn se encargó de dejarlo bien claro en una entrevista al diario El País de España: ”La presión de lo que pensarán los fans es algo mental, debes dejarlo atrás y seguir tus propios instintos.. Nuestra música tiene que evolucionar”. En hora buena.

11.- Avi Buffalo: Avi Buffalo

Con apenas 20 años de promedio, estos californianos reviven uno de los cadáveres más preciosos de la música de la Costa Oeste norteamericana: un pop sicodélico tan lúdico como evocativo. Entre solos de guitarras que exhiben la pureza del folk más melancólico y una habilidad instrumental inusual para su edad, el disco homónimo refresca y encanta. Uno de los grandes hallazgos del año y que, de seguro, con el tiempo se convertirá en un clásico instantáneo.

10.- Yeasayer: Odd Blood

Los neoyorkinos irrumpieron en el 2007 con All Hour Cymbals, tocano esta tecla: evocar sensaciones más que certezas, detrás de una capa de bellas melodías; campo minado y conquistado con propiedad por nombres como Animal Collective y Grizzly Bear. Lejos de caer en el lugar común, lo suya fue una victoria con cierto barniz electtrónico que repite en el memorable Odd Blood.  Aquí sorprende el carácter más vocal de las canciones -”O.N.E” es como New Order de dormitorio-, y su estructura más definitivamente pop. En general, una muestra estimulante que cambia de los bailable a lo íntimo con talento inobjetable.

9.- Manuel García: S/T

Sin el estruendo mediático de colegas folk como Gepe o Chinoy, el ariqueño ha consolidado su propuesta con canciones que te agarran y ya no te sueltan. Como una puñalada directa al corazón, García pone en circulación melodías emotivas y diseñadas para dejar caer más de una lágrima. Quizás su mayor mérito es transmitir ese gusto colectivo nacional por los perfumes sonoros otoñales y cálidos. S/T es un nuevo paso adelante en su carrera y la comprobación que su talento avanza y crece. Un triunfo que se resume en dos palabras: consistencia artística.

8.- The Morning Benders:  Big Echo

Libertad, experimentación y creatividad. En su segundo disco, los estadounidenses fabrican uno de esos discos perfectos para la primavera. Allí hay melodías espaciosas, juguetonas, a medio camino entre Brian Wilson y Grizzly Bear y que parecen flotar, mientras de fondo, se escucha el sonido de las olas. Es en temas como la apertura con arreglos detallistas en “Excuses” o los alucinados “Hands me Down” y “Slitches”, donde el grupo -ayudado por el nuevo rey Midas de la producción, Chris Taylor- saca chapa de primera división. Un disco para levitar con los pies en la tierra.

7.- Deerhunter: Halcyon Digest

Bajo el aspecto enfermizo y desaliñado de Bradford Cox, líder de Deerhunter, se esconde uno de los músicos más prolíficos de la escena independiente estadounidense. Siempre con un estilo que parece ir al borde del abismo, en su nueva entrega despacha una ceremonia de auténtica magia sonora compuesta de extractos de My Bloody Valentine, Spacemen 3 y los Pixies más introvertidos. Es música para escuchar mientras se viaja por una carretera vacía y con un cigarrillo en la mano. Un grupo alérgico a defraudar.