Un duende medio borracho que homenajea a Dylan o un campirano con las botas sucias. Escuchar el segundo disco de The tallest man on earth evoca muchas cosas cuando se hace a ciegas, pero ninguna se relaciona con un sueco de 27 años venido de una ciudad bautizada como Dalama.

Kristian Matsson comenzó hace media década con una banda llamada Montezuma (como para confirmar cierta tendencia a buscar referentes en lo profundo de los Estados Unidos), hasta que optó por dejar de prestar sus canciones a una causa que no era la suya. Su alias actual, The tallest man on earth,  lo esconde a él, su guitarra y poco más, en un estilo que recuerda los años más combativos y melódicos de Bob Dylan.

Ahora bien, en la expresión de un estilo tan característico todavía es posible encontrar cuotas de frescura. Matsson, en todo caso, no intenta hacerse el loco con el asunto. “Las comparaciones con Dylan no me afectan mucho. No estoy tratando de ocultar su influencia o cómo me ha entregado energía e inspiración para escribir buenas canciones y hacer buenos shows en vivo desde que tenía 15 años de edad”, declaró al sitio The line of best fit.

Gran amigo de Justin Vernon, también conocido como Bon Iver, esta relación ha sido de gran ayuda para entrar el mercado norteamericano (firmó con un sello de ahí llamado Dead Oceans), y de hecho, estuvieron de gira juntos por largos meses durante el 2009.

De momento y gracias a los buenos comentarios que ha recibido The wild hunt, los conciertos en pequeños y medianos lugares no paran, mientras el hombre debe explicar una y otra vez la elección de un estilo, como lo hizo al sitio Drowned in sound. “No me considero como un cantante folk. De hecho me apesta un poco el término, porque yo no soy para nada nostálgico… está bien, sucede que encontré un estilo en el que se mezcla un poco de country, blues y cosas más viejas incluso, pero no creo que hoy este tipo de géneros se representen de la misma manera que antes, eso ya no existe. Para mi esto no es música folk, es sólo música sabes?”.

Un pulso de principios de los 60 cubierto de atmósferas actuales. En Tennis canta una dama con una voz que sabe a falda tableaba, lazo en el pelo y zapatos bicolor. Como un recital en el liceo de Elvis al caer la noche.

Tennis es una banda afincada en Denver, Colorado, sin contrato discográfico oficial y con una pocas postales de nostalgia musical rondando en la web. La primera apareció el 27 de julio y se trató del single debut: South Carolina.
Está formada por el matrimonio que componen Alaina Moore (voz y teclados) y Patrick Riley (guitarra); una pareja de amigos devotos del mar y, al parecer, de elaborar con reconfortante buen gusto, melodías que recuerdan a la era pre rock.

Su nombre surgió de las burlas que Moore hizo de la deplorable técnica con la requeta que su marido intentó desarrollar en la universidad. ¿Y lo del gusto por el mar?, bueno, la pareja pasó nada menos que ocho meses navegando toda la costa Noratlántica y las canciones son el resultado de dicha travesía.

Un viaje en el tiempo, a esas bandas del sur estadounidense, a las giras eternas, a las barbas y a esos parlantes como tapados de polvo soltando sonido aterciopelado de guitarras y baterías. Setenteros por donde se los mire, con ustedes: Chief.

Formados en Santa Mónica, California, Chief es la última apuesta de un sello que siempre ha tenido buen oído: Domino.  Su sonido tiene mucho de Midlake, aunque menos místico. Tienen cosas de Coral o incluso Verve, pero la verdad es que recuerdan más a los enormes Love. Su vocalista, Evan Koga, es un mestizo con una voz pastosa más propia de la campiña inglesa que de las soleadas calles Californianas, y es también quien comanda el inminente estreno bautizado como Modern Rituals.

De momento, un single adelanto y un tema que sólo un aperitivo de la delicadeza que Chief puede lograr.

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Uno de los mejores grupos ingleses de la última década puso fin a sus días el 11 de junio con un concierto en París. Lo que viene son dos banda paralelas: The Hotrats, donde tocan dos de los cuatro integrantes y dB, a cargo del bajista Mick Quinn.

“Todavía nos queremos pero, a pesar del cliché, algunas diferencias musicales nos han llevado a cambiar”, fueron algunas de las palabras aparecidas en el comunicado con que la banda inglesa anunciaba, en abril pasado, su separación tras 17 años de carrera.

Se trató de un breve mensaje en el que los creadores de ese mega hit de impulsos veraniegos llamado “Alright”, dejaba en la angustia a miles de fanáticos alrededor del mundo. Sin embargo, hay vida después de Supergrass y su nombre es “The Hotrats”.

Bautizada así en honor a uno de los grandes discos de Frank Zappa, la agrupación nació como un proyecto paralelo del vocalista Gaz Coombes y el baterista Danny Goffey, luego que el bajista Mick Quinn sufriera -en 2007- una grave lesión en la espalda que lo tuvo alejado de los escenarios durante largo tiempo. Así, lo que comenzó como un entretenimiento “forzado” entre Coombes y Goffey se transformó en el esperado nuevo trabajo de dos de los cuatro músicos de Oxford (la banda estaba integrada también por el tecladista Rob Combes), luego que decidieran apagar los amplificadores tras casi dos décadas de trabajo, seis discos editados y uno en camino que, según ellos mismos declararon, se encontraría casi listo y tendría por nombre Release The Drones.

Mucho se ha especulado sobre si esta nueva banda habría sido el detonante de las “diferencias musicales” que llevaron a los creadores de temas como “Mary” y “Caught by the fuzz” a la separación, sin embargo, más allá de las posibles razones que provocaron el quiebre de una de las mejores agrupaciones que dio el influjo brit pop de los 90, lo cierto es que The Hotrats no se aleja mucho del espíritu lúdico y eminentemente rockero que caracterizó siempre a la banda.

Sin embargo, hay un elemento sorpresa en todo esto: sólo interpretan covers. Porque el grupo, que lanzó en enero de este año su primer disco titulado Turn Ons, se dedica a dar nueva vida a sus propias influencias, acompañados por el productor Nigel Godrich -el famoso “sexto Radiohead”-. Así, The Hotrats rinde homenaje a grandes de décadas pasadas como The Beatles, David Bowie, Pink Floyd, The Cure, Velvet Underground, Roxy Music, The Doors y Sex Pistols, así como también a algunos de sus contemporáneos -The Beastie Boys por ejemplo, en una de las mejores reversiones del disco con “(You Gotta) Fight for Your Right (To Party!)”-.

Sobre la elección de los temas, Coombes ha comentado que éstos llegaron en forma natural y espontánea: “Estábamos sentados en un restaurante, habíamos bebido abundante vino y encontramos las canciones que podíamos grabar. Pero lo hicimos de una manera que pudiésemos poner nuestra propia personalidad y carácter para darle un sesgo divertido”, comentó.

Pero más allá de ser esta una nueva etapa en la carrera de los músicos, se respira constantemente su pasado reciente a través de un estilo marcado por melodías frescas y, por sobre todo, muy rockeras. Y como de experimentar se trata, actualmente The Hotrats se presenta junto a los franceses de Air para interpretar el disco que estos últimos compusieron para la cinta “Vírgenes Suicidas”, de Sophia Coppola.

En lo que respecta al bajista Mick Quinn, el hombre fundó su proyecto como dB  band en mayo de 2010, junto a un guitarrista australiano llamado Fab y al baterista de estudio Miikey Dean-Smith. El trío ya ha tocado en el club Luminaire de Londres y en The Bear Inn, ubicado en Oxford. El grupo ha descrito su estilo como Spanish/Cowboy/Spacerock. Cuidado.

¿Y eso sería todo?

Tras 17 años, la despedida de Supergrass no podía ser tan fría y por eso se presentarán en cuatro conciertos entre el 8 y 11 de julio en Glasgow, Londres y París. Tras eso, a los fanáticos les queda sólo esperar un próximo disco de The Hotrats, algún nuevo proyecto de los músicos o el lanzamiento del famoso séptimo disco. (Alejandra Zúñiga)

Nunca las túnicas blancas estilo sexta oscura lucieron tan bien. El video del tema Elephants las muestras maquilladas pero no así su música. Mestizaje sensual de guitarras libres y pegadizas es lo que sostienen en el aire las cuatro miembros de Warpaint.

Vienen de Los Ángeles, California, y partieron como un trío hasta que su baterista original, la actriz Shannyn Sossamon, se fue y el grupo se renovó y creció. Tienen fans conocidos en el ambiente, como John Frusciante. Pero de lo que más importa, cuentan con un EP prometedor editado el año pasado; un disco lleno de promesas que podrían cumplirse este año cuando editen su primer larga duración bajo la supervisión de Tom Biller ( Kanye West, Fiona Apple y Elliot Smith).

Han compartido giras con Little Joy, Black Heart Procession, Akron/Family y Yeasayer, y no les molestan ninguno de los estigmas que giran sobre las cabezas de las bandas de mujeres. “Pienso, por el contrario, que hay algo muy potente en un banda que tiene a mujeres componiendo y tocando música. Todas las bandas femeninas son raras y existe una constante y se relaciona con una creciente necesidad en la industria de propuestas como la nuestra”, declaró una de sus guitarristas, Theresa Wayman, al sitio Beatcrave.com

Si hablamos de influencias, algunas luces en ellas toman cosas de Cannibal Ox, Cowboy Junkies y hasta de Mazzy Star. Estilo y calidad como para no quitarles el ojo de encima. (R. Vera)

Los californianos que no han parado de recorrer los twitters con mensajes que pregonan la suavidad, simpleza, y gentileza de un video clip que a ratos nos hace olvidar que estamos en pleno invierno, en cambio, recorremos con él las suaves praderas de los nuevos hippies del siglo 21.

La banda indie creada en el 2009 no sabe de estridencias y su  sonido nos remonta a los mejores tiempos de la música pop. Así, tal vez  Edward Sharpe & The Magnetic Zeros seguirá recorriendo las redes sociales por mucho tiempo con su “The best time of our lives”. (Natalia Ubilla)

I am arrows se llama el nuevo proyecto del baterista de Razorlight. Su alter ego musical tiene vibras setenteras, una voz más que decente y un puñado de canciones de sorprendente factura.

Suena a Wings, Birth y a MGMT agitado en una colectelera con un poco de los Fab Four. Aunque es su escapada en solitario, lo de Andy Burrows tiene nombre de banda. I am arrows es más que un capricho y exhibe las habilidades de Burrows como multiinstrumentista, algo que sólo logró insinuar cuando en el 2008 grabó material solista por primera vez.

Lo de ahora es pop y soul simples y directos que verán la luz en un inminente segundo disco llamado Sun comes up again y en el que Burrows toca absolutamente todo. Nun es uno de los temas y se puede descargar desde el sitio oficial.

Jorge Ramirez Escudero es Hyperpotamus, un solista que sólo se sirve de su voz para expresarse. Nada de instrumentos, sólo su arriesgado timbre de voz y desconfianza en las cuerdas, percusión o en cualquier cuerpo ajeno a su inquieta garganta.

Imaginen esto. Un lugar desconocido ampara al espectador curioso. No hay más claves que sutiles sonidos que comienzan a aparecer de forma irregular, pero constante. Se superponen. Saltan unos sobre otros peleando su lugar en el escenario. A poco andar esta sinfonía de lo espontáneo cobra carácter y personalidad. Ya no se está en casa. Lo único que se puede hacer es esperar que ese español flaco que salta alrededor de tres micrófonos sea tu guía en ese viaje, lo cual no es ninguna garantía.

Jorge Ramirez Escudero (28), alias Hyperpotamus, sólo confía en su voz para expresarse. Con ella va creando distintas capas sonoras que va repitiendo con una pedaleras de loops, jugando un poco a la hipnosis. Se balancea entre el hip hop, el soul y lo absurdo. Se golpea el cuerpo y le saca sonidos a lo que lo rodea, en su propia forma personal de revelarse ante la guitarra, el bajo y la batería.

“Encontré que el formato tradicional de hacer rock estaba pareciéndome cansino. Eso, más una mala experiencia con la discográfica que trabajó con mi último grupo me enseñó que nadie va a hacer mejor las cosas que tú”, señaló Hyperpotamus, durante su gira norteamericana que lo llevó por Canadá y Estados Unidos el pasado mes de marzo.

La vida de Jorge ha estado marcada por los viajes y los cambios. Debido al trabajo de su padre en la banca internacional, la ciudad de Tokio lo vio nacer y sus correrías de niño/adolescente fueron vistas por las calles de Bilbao, Londres, Bruselas y Madrid, lugar donde finalmente se estableció. Sin embargo, en 1992 el solista español detuvo sus pasos en Santiago de Chile a la edad de 11 años.

“Anduve por La Serena y el Valle del Elqui en el norte, mientras que hacia el sur llegué hasta la laguna San Rafael. En Chile además empecé mi relación con el sexo opuesto. Fue un salto cualitativo fuerte. No sé si por la edad, o porque en Chile se da más lo de buscar polola y demás, pero para mí fue así. Además, me acuerdo mucho de mis compañeros de colegio”, recuerda.

Su padre vive hace un año y medio en Chile y es dueño de la librería Ulises ubicada en Providencia. Jorge dice que tiene una visita pendiente a nuestro país, ocasión en que le encantaría mostrar su música. “Chi, chi, chi, le, le, le, Hyperpotamus en Chile. Hago música a capella para alegraros la vida”, dice.

Con muy poco
Cuando se le pregunta por el origen de su estilo, el hombre recuerda tres cosas de hace un par de años: la experiencia trabajo-lisérgica de 24 horas en un festival de música, gente drogada y picaduras de medusa africana: “Estaba hecho un asco. Como no podía dormir, comencé grabarme con un ordenador que tenía a mano. Lo que ocurrió después fue una epifanía. Me di cuenta que lo que acababa de hacer (una grabación proto-Hyperpotamus) era lo mejor que había hecho nunca”.

Desde ese momento la autogestión fue el camino elegido por Ramírez Escudero. Comenzó a mostrar su arte en las estaciones del metro de Madrid donde la gente reaccionaba diciéndole “Justin Timberlake”, dándole dinero a cambio de que cantara “Cumpleaños Feliz” o simplemente escuchándolo. Para Hyperpotamus, la calle transformó el experimento en realidad: “Fue de las mejores cosas que he hecho en mi vida. Es gratis, te das a conocer, y encima, si tienes suerte, te pagan. Además, estás expuesto a la mirada juzgadora de extraños y no puedes hacer nada más que seguir con lo tuyo”, reflexiona.

Tras seis meses comenzó a abrir para otras bandas y el proyecto se fue consolidando. En marzo de 2009 lanzó su primer disco: Largo Bailón, que contiene 12 canciones que nacieron de este proceso de independencia, en el sentido más amplio de la palabra: “Regularmente sentía euforia, vértigo y emoción. Empecé a rechazar lo impuesto y me lancé al vacío. Uno puede vivir la vida que uno desea vivir. Será más difícil que elegir caminos ya establecidos e implica riesgo (…) pero uno será infinitamente más feliz”

Hyperpotamus trata que cada una de sus canciones reflejen un sentimiento positivo bajo el lema de lo simple: “Una amiga me dijo que después de uno de mis conciertos pensó “Sí puedo” y bueno, en este tiempo de crisis constante viene bien un vitaminado de entusiasmo”. (Patricio Salazar; desde Toronto, Canadá)

El segundo numero de Rollinga ya está listo, y nuevamente es gratis!

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A sus 45 años, Matthew Weiner es una estrella. Fan de J.D. Salinger y Billy Wilder, fue guionista de Los Soprano y su serie Mad Men -que transmite HBO en su tercera temporada-, la más premiada de los últimos años, es un brillante retrato del capitalismo y la soledad humana.

A comienzos de la década pasada, Matthew Weiner era un incipiente guionista obsesionado con un solo nombre: J. D. Salinger. Había leído “El Guardián en el Centeno” unas quince veces y el mundo oscuro y solitario de Holden Caulfield, el rebelde adolescente y protagonista, lo perturbaba. El rompecabezas se armó cuando ingresó a escena otro clásico del último tiempo: George W. Bush. Con él en su reparto mental, Weiner sintió que todo encajaba y comenzó a escribir en 2001, Mad Men, un piloto de una serie que definió como “la historia del siglo XX, es decir, la historia de la soledad y el aislamiento”.

En menos de seis meses, delineó los personajes y presentó su proyecto en todas las grandes cadenas televisivas estadounidenses. Pero nadie se entusiasmó. Salvo David Chase, el cerebro de Los Soprano, quien lo reclutó para que escribiera durante las últimas tres temporadas de los mafiosos. Unos años más tarde, AMC, un pequeño canal especializado en películas de los 40 y 50, apostó por realizar su primera serie propia y firmó a Mad Men. La historia -cuyo nombre viene de ser un “mad men” (hombre loco) y la calle Madison Avenue donde laboran sus protagonistas y cuya tercera temporada transmite HBO- gira en torno a la agencia Sterling Cooper, una oficina de publicidad a inicios de los 60, que funciona como un ecosistema de lo que vivimos hoy: hombres dispuestos a despedazarse entre ellos; que juegan a ser felices dentro de sus existencias miserables y tristes y, principalmente, que apuestan todas sus energías en generar riquezas e influir en el resto como si fuera lo más importante -y único- en la vida.

En este circo humano donde nadie triunfa jugando a ser conservador, sobresale Don Draper – el excelente Jon Hamm-, un veterano de Corea, nervio y alma de la agencia, capaz de acostarse con la que se cruce y que destroza su pasado para inventarse un futuro donde la ambigüedad moral es su característica. Junto a él, están su esposa, Betty Draper -January Jones-, una combinación entre Barbie y Grace Kelly, obediente, frustrada y que es un trofeo más que la compañera sentimental del protagonista; el arribista y patético Pete Campbell -Vincent Kartheiser-; el homosexual reprimido -y casado- Salvatore Romano -Bryan Batt-; la secretaria jefa, bomba sexual y ex amante de uno de los dueños, Joan Holloway -Christine Hendricks-; la ingenua y escaladora, Peggy Olsen –la brillante Elizabeth Moss- y el veterano capo de la agencia y que se casa con una secretaria 40 años menor, Rod Sterling -John Slattery-. “Mi idea con Mad Men era hablar de lo que sentimos íntimamente y eso a nadie le parecía glamoroso. Además, la cultura en la era Bush parecía retraída e impedía este tipo de series. El tema que realmente trato de mostrar y que quiero que se desarrolle a lo largo de las siguientes temporadas es el cruel final de la sociedad, de la gente joven, de que la prosperidad te hace mirar hacia otras cosas”, dice Weiner sobre su producto estrella que es la preferida de estrellas como Jack Nicholson, Paul McCartney y Jerry Seinfield, entre otros.

Durante su primera temporada, la serie tuvo 900.000 espectadores por capítulo, una cifra similar a la que obtuvo en su arranque otra de las imperdibles de la década 00: The Wire. Fue poco, es cierto, pero la crítica fue implacable. Ganó el globo de Oro y el premio Emmy como la mejor serie del año. Y, al año siguiente, tuvo su recompensa. La media de espectadores fue de 1.900.000 por episodio.

Más allá de los números, Weiner, un declarado fan de Hitchcock, edifica un tratado sobre la marcha del mundo y las relaciones. Similar a “El Apartamento” (1960) del maestro húngaro Billy Wilder, esos títulos iniciales de Mad Men -con música del hip hopero RJD2- donde un hombre cae al vacío en medio de vasos de whisky, familias felices, mujeres hermosas y autos último modelo es el verdadero retrato de la sociedad. La misma infelicidad solapada que comparte el resto: el equipo de jóvenes creativos desborda ansiedad, prepotencia e inseguridad y las mujeres son seres castrados, impedidas de tener fantasías ni aspiraciones y que, quiéranlo o no, están destinadas a compartir un solo rasgo: la soledad. Una radiografía que, a juicio del autor, no es muy diferente a la que se vive hoy, 50 años después. “No hay que ser clarividente para ver qué es lo que ocurre en las calles, en las casas o en las esquinas. Compartí por cuatro años una oficina con David Chase, de Los Sopranos, y él me animó a cultivar mi imaginación. En el fondo, los 60 fueron el antecedente de la miseria actual de las personas. Salvo, por un detalle: las ropas. Nada ha cambiado demasiado y todo se volvió más siniestro. ¿Qué me encantaría saber de ellos? Quiero saber su vida en 1972. Ahí podría dormir tranquilo”, cuenta Weiner a la revista inglesa Mojo. La campaña ya están en marcha: sólo faltan diez temporadas. (Felipe Rodríguez)

(HOY: HBO, 22:00 hrs.)

“Queremos grabar a la antigua, no en un computador”
La multitudinaria banda de rock clásico quiere grabar un disco antes de fin de año y desmitificar la relación de su música con tipos cuarentones. “Queremos chicas!!”, reclaman.

Seis en el escenario pero 8 cuando atacan el estudio de grabación o los bares, y tanto sonidista como manager se suman a esta especie de roadband estacionaria. Así son los tiempos modernos para el rock de escuela, a lo Casi Famosos pero en un ambiente donde se impone lo sintético y las pistas de baile. The Rodes se planta frente a eso.

Es un grupo que germinó de la semilla plantada por un puñado de amigos que solía hacer covers de los Fab Four y donde también cantaba Edmundo Miquel, voz y armónica en The Rodes. “Se llamaba Sargento Pimienta y en eso estaba hasta que conocí a Miles Cusik en el instituto de inglés donde trabajo. También hubo otrs de coveres antes de The Rodes y que se llamaba Back Door Band”, cuenta, añadiendo detalles de la noche en que probaron a este oriundo de Detroit con varias piscolas en el cuerpo, a la antigua. “De inmediato cachamos que era seco”, añade Miquel.

A partir de entonces se conformó un grupo donde uno de los últimos en llegar es también el integrante más joven, el batero Bruno Ardito, de 21 años. “Yo quería tocar como fuera y me puse a buscar en internet. Ellos eran la única banda que puso un teléfono, así que los llamé”. Miquel añade que a partir de entonces el esquema de trabajo ha sido centrarse en lo que Miles y él pueden lograr compartiendo ideas que posteriormente son enriquecidas por la banda en su conjunto. Algo que ellos definen como un sonido auténtico, con el que quieren no sólo ampliar su espectro de tocatas, sino que grabar un LP a fin de año.

“Lo que tenemos ahora es un EP que grabamos nosotros y con la idea de difusión, casi que lo regalamos. Ahí está el espíritu blusero, buscamos volver a lo auténtico, al sonido de tubo, a reproducir el sonido de un viejo teclado Hammond. Aunque suene extraño es por esa búsqueda de honestidad que nosotros cantamos en inglés, porque nos nace así”.

-Más de alguien podría criticarlo, recuerdo algunos comentarios que le han llegado a bandas como Los Howlers.

-Es verdad pero tiene que ver con nuestras influencias y con la música que escuchamos, no es una pose, nos nace así.

-¿Qué les pasa con esa imagen que se tiene de las bandas rockeras clásicas como algo que sólo resulta atractivo para viejos de ponchera cervecera?

- Queremos chicas! -exclama Ardito-. Jajaja, es verdad -dice Miquel-, pero hemos comprobado en cada tocata que hay un público joven para lo que hacemos, que también buscan recrear una sensación y como dice nuestro manager, terminar formando un circuito de bandas que toque y haga crecer la música que hacemos.

-Un revival diferente a la moda.

-Mira, es ver lo que ocurrió con Abbey Road. El estudio tenía deudas y es porque si bien todos saben de su calidad, es mucho más fácil hoy prender el computador y grabar ahí. Nosotros queremos grabar a la antigua, no en un computador.

(La banda se presentará este 8 abril en el Bar Onaciu.)