Algo mágico y suave se puede respirar cuando la guapa señorita Nanna Oland Fabricius comienza a componer sobre paisajes montañosos y bailes tribales. Nuestra favorita del mes es también la favorita de los daneses, pueblo extraño que en este preciso instante lidia con el frío atómico de diciembre.

por Natalia Ubilla.

A pesar de sus 28 años, Nanna Oland posee una extensa lista de oficios y profesiones: cantante, actriz, compositora, productora musical y hasta bailarina. Hija de un organista y una cantante de opera, Oland sabe experimentar a partir de letras que evocan y mezclan la naturaleza con el pop.

Tener una banda no siempre fue su primera opción, en eso influyó una hernia discal (por desgracia o suerte, como lo quieran ver) que le impidió seguir con su carrera de bailarina.

“Fauna”, su debut, fue lanzado en Dinamarca el 10 de noviembre de 2008. Su nombre resultó ser un homenaje a su tatara tatara abuelo,  misionario y etnógrafo, quien registra un libro con el mismo nombre publicado nada menos que en 1780.

Posterior a un ep que sirvió para soltar la mano y con un poco más de experiencia, para su segundo disco homónimo, esta vez bajo el alero del sello Epic Records, ofreció un sonido mucho más sólido.

Presentado oficialmente en Estados Unidos el 14 de marzo de 2011, el disco alcanzó el puesto 84 en el Billboard 200, haciéndola merecedora del premio al mejor artista nuevo de los NewNowNext Awards.

La popularidad de Oh Land en Estados Unidos no ha parado de crecer desde su debut televisivo tocando “Sun of a Gun”, el 2 de marzo de 2011, en el show de David Letterman, y hace poco hizo de telonera en algunas fechas de la última gira de katty Perry.

Unknown Mortal Orchestra es una banda de Portland que fue concebida por el neozelandés Ruban Neilson en 2010. Su sonido es una cruza entre psicoledia y folk con la crudeza de una grabación casera. Según propia confesión, la música nunca fue pensada para ser tocada en vivo, pero Neilson cambió de idea cuando sus compañeros de ruta (el bajista, un quinceañero), lo convencieron de probar suerte en serio. Los ensayos dieron como resultado un álbum homónimo, su debut, lanzado el 18 de julio pasado.

Los arreglos recuerdan a los Beatles y también a Beck algunas veces, pero destacan por la impronta fresca de sus músicos. Se trata de un pop sesentero que en su primer apronte de larga duración no suma más de 30 minutos en total. Esperemos que su carrera se extiendo por un tiempo mucho más largo.

Emparentados con los subvalorados Shack y con Richard Hawley, The Sand Band planea en su debut, All Through the Night, por una sicodelia en voz baja y melancólica y con el ex líder de Oasis como su promotor principal.

En alguna entrevista, Ian McCulloch, el capo de Echo and the Bunnymen, afirmó que, en su Liverpool natal, existe una idea extendida en cualquier nueva banda. “El fantasma de Los Beatles es lo mejor y lo peor de nacer en esta ciudad. En cada presentación, la gente te compara inmediatamente con ellos para saber si tienes calidad. Es malo porque nadie se puede comparar con ellos y es bueno porque te vuelve exigente”.

David McDonnell, el líder de The Sand Band y coterráneo de McCulloch, lo sabe. Por eso, su disco debut, All Through the Night, sobrepasa los estandares promedio. Firmados en Deltasonic por gestiones de The Coral, una de las mejores bandas de folk sicodélico de Inglaterra, McDonnell y sus compañeros despachan un álbum de ingredientes reconocibles en un grupo de guitarras de ese país: melancolía, baja fidelidad y sicodelia melódica.

Con similitudes a los subvalorados Shack (escuchen su imprescindible H.M.S. Fable) y a Richard Hawley, las canciones parecen estar hechas para ser escuchadas en el crepúsculo de un día de otoño, mientras miramos como el viento mueve sus hojas caídas. Temas como “Set me Free”, “The Secret Chord” o “The Gift and the Curse” abundan en sonoridades que llegan al alma y provocan una sensación de bienestar sosegado. La fama les llegó de rebote. Noel Gallagher, el ex líder de Oasis, sentenció que eran la mejor banda del último tiempo. Las alabanzas les trajeron reconocimiento y mayor exposición y una dedicatoria al guitarrista en los títulos del disco. “Es halagador que uno de los más grandes hable bien de ti”, dijo McDonnell al diario británico The Independent. El cumplido mutuo otorgó sólo consecuencias positivas. En los próximos meses, el vocalista de The Sand Band será músico de la banda de acompañamiento del nuevo proyecto del mayor de los Gallagher.

Con apenas 21 años, el chileno Nicolas Jaar está sacando aplausos en los medios especializados del Primer Mundo. Uniendo el hedonismo house con la música de raíz, su disco debut, “Space is Only Noise”, posee una belleza contemplativa de alto vuelo.

El talento viene de la cuna. Nicolas Jaar, chileno de 21 años con residencia en Nueva York, es hijo del artista y cineasta Alfredo Jaar. Sus padres se separaron cuando apenas tenía un año, pero no le afectó. Lo que más recuerda el muchacho de su infancia fueron sus visitas a galerías de arte guiadas por su padre y su permanente contacto con la cultura. “Cuando tenía poco más de diez años, escuchaba a Beck y Portishead. Fueron, sin querer, unas grandes influencias. Así como los paseos por las galerías de arte”, indica.

En un ambiente como el neoyorkino, rápidamente pudo expandir sus habilidades con la música. Se hizo fan de artistas sintéticos como Ricardo Villalobos, Luomo y otros clásicos como Nina Simone y Erik Satie y a los 17 años ya tenía unos maxis publicados en sellos respetados. El año pasado, poco tiempo antes que confirmara que estaba trabajando en un disco, dio la sorpresa: su single “Time for Us” fue uno de los hitos electrónicos del año.

Hace dos meses debutó en las ligas mayores y ha cosechado sólo bendiciones. Muchos lo ven como el nuevo prodigio de la electrónica y diarios como The Guardian y revistas como Rockdelux y Les inrockuptibles han alabado sus bondades musicales.

Su álbum, “Space is Only Noise”, es una colección de canciones que mezcla el house –su estilo fundamental- con blues y jazz. Jaar, como contemporáneos como el inglés James Blake, Fever Ray y Mount Kimbie, entre otros, busca partiendo de la experimentación llegar a una música encantadora y discreta, sin parafernalia, pero que aboga por la audacia. “Quiero hacer música espontánea, que sea vibrante, pero no sobre bailar por bailar. Me interesa que gane fluidez a través de la serenidad”, dijo. El maridaje sonoro ha rendido frutos: sus giras por Inglaterra y Alemania en el verano fueron un suceso. Tocó a tablero vuelto y se ganó el respeto de los adictos a la electrónica. Ojalá lo veamos luego por Chile. (Felipe Rodríguez)

Con sólo 22 años, edita un disco debut homónimo que ratifica todas sus credenciales. Música hecha con un piano y su voz y que pone un pie en el dubstep y otro en el soul del futuro.

Hasta hace unos años, James Blake se asociaba directamente al tenis. Un deportista que había sufrido un grave accidente y que volvió casi por milagro a las canchas y, en una proeza mayor aún, alcanzó a estar en el top ten del ranking.

Ahora, otro personaje con su mismo nombre está combatiendo su popularidad. Tiene 22 años, estudia música hace tres años en la inglesa Universidad Goldsmiths y acaba de estrenar su disco debut homónimo. Se trata de un experimento sonoro en que equipado con su voz y su piano, el muchacho ha logrado once canciones sobrecogedoras, de un soul futurista y que representan la renovación de este estilo.

Grabado en la casa de sus padres, los temas tienen una inspiración en el dubstep y en el soul de clásicos como su venerada Joni Mitchell. “A los 18 años, pasé mucho tiempo en clubes de Londres donde habían sesiones de gente como Burial que fueron una influencia enorme. Me sentí muy conectado con esa música urbana y fría. Tenía que ver con la época individualista que estamos viviendo”, dijo al diario británico The Independent.

Blake comenzó a poner música en fiestas y, dada la buena recepción, empezó a producir temas propios de facturación casera. Allí, se fue impregnando de melodías evocativas y futuristas, a medio camino entre Beth Gibbons (Portishead) y Antony, que encajaban estados de ánimo contemplativos y contingentes.

El año pasado debutó lanzando un par de Eps que tuvieron buena acogida en el público y en la crítica -“Klavierwerke” y Limit to Your Love”- y hace unas semanas lanzó su debut. Una obra superior en que los efectos, los silencios y su voz tormentosa se unen para formar un matrimonio musical que renueva el soul. “Hay muchos miedos en la tradición del pop y creo que se está perdiendo un poco. Eso es parte de lo que quiero recuperar. En Inglaterra, The XX han cambiado la forma de escuchar música en la gente. Son renovadores del pop. Eso me gustaría lograr”, cuenta.

El álbum, incluye un cover de la canadiense Feist –“Limit to Your Love” y, según Blake, está inspirado en Laura Marling y Outkast. “Ellos entienden la música como un campo donde se ejerce la libertad. Me identifico con ellos”, finaliza. (Felipe Rodríguez)

Lo primero: Twin Shadow debe su nombre a que su creador y único tripulante, George Lewis Jr., tiene un hermano gemelo. “Es un homenaje a él, pero no hace música”, dice. Lo segundo es una vida que parpadea en la aventura.

De padres dominicanos, se crió en Florida. En su adolescencia, formó un grupo de guitarras y se trasladó a Boston. En esa ciudad se enamoró de una danesa y la siguió a Copenhague. Pero las cosas terminaron mal. Mientras consiguió trabajo como compositor musical de una compañía de teatro danesa, su novia lo abandonó. Y quedó con el corazón roto. Se dio unas vueltas por Berlín y recaló en Brooklyn. Allí agarró todas las maquetas que había construido y les dio forma. La mayoría bebían de la new wave de los 80 y su voz bebía de dos emblemas: David Bowie y Morrissey. “El hecho de estar en Europa modificó mi forma de hacer música. Aunque siempre me gustaron bandas como New Order y Depeche Mode.

Eran con las que ensayaba en mi pieza cuando no sabía que sería músico”, afirma.El cierre de buenas coincidencias tuvo lugar en Nueva York. Conoció a Chris Taylor, integrante y productor de Grizzly Bear. Tras pasarle sus demos, Taylor lo llamó para firmarlo en su sello Terrible y oficiar de productor en su debut, Forget. El trabajo tuvo la mejor repercusión. El sitio Pitchfork, tan proclive a alabar todo lo que huela a Nueva York, lo citó en la categoría “mejor nueva música”. Y sus bonos se dispararon. “El disco suena consistente gracias al trabajo de Chris. Todos los instrumentos los toqué yo, pero él le dio un nuevo matiz”, sentencia.

Con un sonido anclado en el pletórico pasado ochentero británico, el álbum alcanza cimas en “When were dancing” –inspiradísimo en Bowie- y en la calidez masiva de “Yellow balloon” y “Slow”. Una idea musical reflotada, también, por compañeros de generación como The Drums y The Pains of Being Pure at Heart. “Me gusta toda la música, sobre todo el pop. Es verdad que me gustan muchas bandas británicas, pero si tuviera que escoger un grupo no sería de los 80: serían Los Beatles. Para mí son mejores que Joy Division, The Clash, The Sex Pistols o The Smiths”. Le creemos.

(Felipe Rodríguez)

Tenían otra banda antes, los Awesome New Republic, pero, a pesar de tocar con Yeasayer, Animal Collective y Gang Gang Dance, eso ya fue. ANR tiene base de operaciones en Miami, y en lo musical,  mucho nervio y sentido de la melodía.

Un dúo formado por Michael John Hancock y Brian Robertson, que si bien recuerda las armonías de MGMT, posee identidad y una batería poderosa, que entra en la atmósfera creada por los teclados como caballos que irrumpen en la niebla. Un pop psicodélico que se construye en canciones que crecen y crecen, haciendo más sorprendente la escasez de miembros.

Hasta ahora, ANR suma tocatas íntimas, temas nuevos y un single: “The Endless Field of Mercury”, que será lanzado por el sello independiente Something in Construction el  22 de noviembre, como anticipo e su álbum debut llamado Stay Kids, que debería estar en el invierno de 2011.

Como lo dijo el periodista Paul Lester del Guardian inglés. “En los 90 existían dos tipos de bandas indie: The Stone Roses eran una y The Sundays eran otra”. Let’s buy Happiness es de las segundas.

Una mujer canta los designios melancólicos de unos tipos que como antaño, parecen catalizar la sofisticada fe de aquellos que hace 25 años no se cansaban de pegar posters de los Smiths en la pared de su pieza. Por eso se parecen a The Sundays, ese impecable dúo triste y de calidad que conformaban David Gavurin y Harriet Wheeler. Sarah Hall, vocalista de Let’s buy happiness, tiene mucho Wheeler y también algo de Björk en su voz y en su fraseo.

El grupo formado en Newcastle tiene una chispa medio gris, como de viajar en micro en un día de invierno con los audífonos en ristre. Británicos por donde se los mire, tienen un EP en sus registros (No hot ashes) y este 18 de octubre lanzarán un nuevo single, Six Wolves, bajo el sello Ghost Arc.

Dos discos y a cobrar. Una banda californiana con poco rodaje que sorprende por su temprana sensibilidad y buen gusto. Ambientes cargados de talento que parecen tener mucho por entregar.

Chris Chu, un vocalista con cara de pre adolescente, se sienta en una azotea y explica que hace tiempo la banda de la que forma parte viene buscando rozar aquellos muros de sonido que Phil Spector le dejó a la música contemporánea, mucho antes de ponerse a jugar con pistolas. Algunos ladrillos de ese muro fueron levantados por The morning benders con el segundo disco de su carrera lanzado este año: Big Echo.

Aquella belleza demoledora armada en un estudio de San Francisco, California, llamó la atención de varios y el cuarteto terminó enfrascado en giras teloneando a MGMT y Deerhunter. Asimismo, su low fi texturado y siempre atmosférico, es una recreación de influencias que pueden ir desde The Posies hasta  The Beatles, y que ha sido celebrada desde su debut en el 2008, con Talking Through Tin Cans, una pieza calificada como uno de los mejores registros mejor de ese año.

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Villagers es el nombre que eligió Conor J. O’Brien para proyectarse como artista desde la fría irlanda. Melodías bucólicas metidas en naves espaciales que van por el aire a distintas velocidades. Tan británico como los graffitis del IRA, muestra desparpajo para develarse  y cantar con una pronunciación nada de irlandesa, en algo que más parece una proclama que una canción pop.

Siempre montado en su guitarra, cuando enciende las luces, Leonard Cohen y hasta The Flaming Lips dicen presente en su primer larga duración: Becoming a Jackal. Bucólico, hay que escucharlo con calma para entender que la melodía sigue siendo un mineral precioso, escaso, pero todavía lejos de extinguirse. “Ultimamente, he aprendido que una canción no es una cosa aislada. Tienes que lavar los platos antes de escribir una canción. Nunca debería tomarse tan seriamente. Debería tomarse con alegría y humor, con cariño independiente de lo que se trate”, opina en su Myspace.

Lanzado a mediados de mayo, el debut de Villagers es otra apuesta prometedora del sello Domino (¿cuántas van ya?) y lo está mostrando en una gira que pasa por Londres en estos días. Mientras, este joven dublinés espera por lo que el galardón más importante de la música británica, el Mercury Prize, diga de su disco. Definitivamente, una de las revelaciones del año.

¿Habrá algo peor para un grupo que la casa disquera que los contrató desaparezca? Así parte el capítulo clave en la historia de The Boxer Rebellion, la banda afincada en Londres que dos años después del cierre de su compañía y tras el comienzo de la indigencia discográfica, se atrevió a dar un paso tan tecnológico como arriesgado: lanzar su segundo disco, Union (2009), sólo a través de iTunes.

Nada de cd’s, ni de vinilos. Los londinenses The Boxer Rebelion se quedaron sin sello y de inmediato pusieron su segundo trabajo en la tienda virtual de Apple. ¿El resultado? un primer sencillo descargado más de 500 mil veces en una semana (“Evacuate”) y el álbum como el primero que, publicado en forma digital y por una banda sin sello, ingresaba al Bilboard.

Pero más allá de las modas transitorias aquí hay calidad. Una que el cuarteto con genes internacionales -está formado por un estadounidense, un australiano y dos ingleses- cultiva gracias a un estilo pop muy británico, donde sobresalen melodías que oscilan entre estados de sutileza e intensidad, y un vocalista que destaca por la potencia de su voz casi etérea. Se trata de una apuesta que encanta al más radial o exquisito de los oídos y que pronto tendrá una nueva revancha con la edición de su tercer álbum, el que está siendo actualmente grabado en el estudio que Peter Gabriel posee en Inglaterra. Un salto al que se enfrentan nuevamente sin sello, pero ya no por mala suerte sino por rebeldía. Tal como dice su nombre.

Una banda de garage con base de operaciones en Anaheim, California.
The Willowz entró al mapa luego de colaborar con el director Michael Goundry con dos tema para el soundtrack de El eterno resplandor de una mente sin recuerdos en el 2004. Sí señores, ha pasado algún tiempo ya. Él, por cierto, tuvo la deferencia de filmarles un video: I wonder, y de volver a convocarlos para The Science of Sleep.

Siempre activos, la banda de tres hombres y una dama se mueve con destreza por un rock liviano, que cambia de marchas sin problemas incluso añadiendo pinceladas de blues. En el 2006 sacaron un DVD: Seeinsquares y el sexto de sus discos, Everyone, fue lanzado a mediados de diciembre del año pasado.