La actriz de la película peruana que retrata los años de la violencia guerrillera en su país y que ganó el Oso de Oro en el festival de Berlín, habla sobre el personaje que la hizo famosa, recuerda su experiencia en la premiación de los Oscar (fueron nominados a mejor película extranjera) y describe su devoción por Judas Priest.

-¿Cómo hiciste para preparar tu personaje?

-Me preparé unos seis meses antes de hacer la película. Era bastante fuerte porque Fausta estaba en el vientre materno cuando su madre fue violada y su padre asesinado. Y son dos campesinos. Empecé a componer canciones para la película y a investigar con mujeres reales que habían sido víctimas de maltratos y abusos.

-¿Y qué descubriste?

-Muchas cosas. Fue muy triste porque hablé con señoras que son mayores que mi madre y cada una de ellas, llevaba algo de Fausta. Tenían miedo y el trauma de no poder hablar y decir lo que pensaban. Tenía que hablar con ellas en quechua para que tuvieran confianza en mí. Un día, viendo el canal “Animal Planet” para relajarme, vi movimientos de animales como el tigre, las palomas y el hipopótamo y encontré a Fausta. Como ella, los animales no hablan y sólo miran. El hipopótamo, por ejemplo, tiene una mirada muy intensa y es muy lento de movimientos. Igual que Fausta, que por tener miedo no es muy proactiva.

-¿Qué recuerdas del día que ganaron el Oso de Oro en el festival de Berlín a la mejor película?

-Cuando ganamos en Berlín, lloré de la emoción y gritaba como una loca. Me puse a hablar en quechua, algo que nunca nadie había hecho en ese escenario. En un momento, levanté la vista y la gente sólo escuchaba y algunos se pusieron a llorar, aunque no entendían nada. Hasta canté un tema dedicado a todas las mujeres de la sierra que me apoyaron en todo momento. Fue increíble”, dice.

-Leí que fue triste para ti no haber conocido a tu ídolo, Clint Eastwood…

-Eso fue en los Oscar. Me moría por conocerlo porque él es mi dios como actor y director. Pero no fue y quedé triste. Estaban casi todos los actores de Hollywood esa noche. Me acuerdo que me impactó mucho Maggie Gyllenhaal, la protagonista de “La Secretaria”, que me gustó mucho. Quise sacar unas fotos y no me dejaron. Y tienen guardaespaldas que se ponen encima y no puedes ni mirarlos. Es terrible

-¿Tienes previsto venir a Chile?

-Nadie me ha invitado y ojalá lo hagan porque iría feliz. Te cuento algo: fui en 2006 a Chile a ver a Rob Halford, el cantante de Judas Priest, que es uno de mis grupos favoritos. Me fui con diez amigos en bus desde Lima a Santiago. El concierto fue alucinante y lo pasé genial. Me encantó Santiago porque es súper organizado. Los autobuses respetan los paraderos y a los peatones. El único problema es que ustedes hablan demasiado rápido. No les entendía nada. (Felipe Rodríguez)

Jorge Ramirez Escudero es Hyperpotamus, un solista que sólo se sirve de su voz para expresarse. Nada de instrumentos, sólo su arriesgado timbre de voz y desconfianza en las cuerdas, percusión o en cualquier cuerpo ajeno a su inquieta garganta.

Imaginen esto. Un lugar desconocido ampara al espectador curioso. No hay más claves que sutiles sonidos que comienzan a aparecer de forma irregular, pero constante. Se superponen. Saltan unos sobre otros peleando su lugar en el escenario. A poco andar esta sinfonía de lo espontáneo cobra carácter y personalidad. Ya no se está en casa. Lo único que se puede hacer es esperar que ese español flaco que salta alrededor de tres micrófonos sea tu guía en ese viaje, lo cual no es ninguna garantía.

Jorge Ramirez Escudero (28), alias Hyperpotamus, sólo confía en su voz para expresarse. Con ella va creando distintas capas sonoras que va repitiendo con una pedaleras de loops, jugando un poco a la hipnosis. Se balancea entre el hip hop, el soul y lo absurdo. Se golpea el cuerpo y le saca sonidos a lo que lo rodea, en su propia forma personal de revelarse ante la guitarra, el bajo y la batería.

“Encontré que el formato tradicional de hacer rock estaba pareciéndome cansino. Eso, más una mala experiencia con la discográfica que trabajó con mi último grupo me enseñó que nadie va a hacer mejor las cosas que tú”, señaló Hyperpotamus, durante su gira norteamericana que lo llevó por Canadá y Estados Unidos el pasado mes de marzo.

La vida de Jorge ha estado marcada por los viajes y los cambios. Debido al trabajo de su padre en la banca internacional, la ciudad de Tokio lo vio nacer y sus correrías de niño/adolescente fueron vistas por las calles de Bilbao, Londres, Bruselas y Madrid, lugar donde finalmente se estableció. Sin embargo, en 1992 el solista español detuvo sus pasos en Santiago de Chile a la edad de 11 años.

“Anduve por La Serena y el Valle del Elqui en el norte, mientras que hacia el sur llegué hasta la laguna San Rafael. En Chile además empecé mi relación con el sexo opuesto. Fue un salto cualitativo fuerte. No sé si por la edad, o porque en Chile se da más lo de buscar polola y demás, pero para mí fue así. Además, me acuerdo mucho de mis compañeros de colegio”, recuerda.

Su padre vive hace un año y medio en Chile y es dueño de la librería Ulises ubicada en Providencia. Jorge dice que tiene una visita pendiente a nuestro país, ocasión en que le encantaría mostrar su música. “Chi, chi, chi, le, le, le, Hyperpotamus en Chile. Hago música a capella para alegraros la vida”, dice.

Con muy poco
Cuando se le pregunta por el origen de su estilo, el hombre recuerda tres cosas de hace un par de años: la experiencia trabajo-lisérgica de 24 horas en un festival de música, gente drogada y picaduras de medusa africana: “Estaba hecho un asco. Como no podía dormir, comencé grabarme con un ordenador que tenía a mano. Lo que ocurrió después fue una epifanía. Me di cuenta que lo que acababa de hacer (una grabación proto-Hyperpotamus) era lo mejor que había hecho nunca”.

Desde ese momento la autogestión fue el camino elegido por Ramírez Escudero. Comenzó a mostrar su arte en las estaciones del metro de Madrid donde la gente reaccionaba diciéndole “Justin Timberlake”, dándole dinero a cambio de que cantara “Cumpleaños Feliz” o simplemente escuchándolo. Para Hyperpotamus, la calle transformó el experimento en realidad: “Fue de las mejores cosas que he hecho en mi vida. Es gratis, te das a conocer, y encima, si tienes suerte, te pagan. Además, estás expuesto a la mirada juzgadora de extraños y no puedes hacer nada más que seguir con lo tuyo”, reflexiona.

Tras seis meses comenzó a abrir para otras bandas y el proyecto se fue consolidando. En marzo de 2009 lanzó su primer disco: Largo Bailón, que contiene 12 canciones que nacieron de este proceso de independencia, en el sentido más amplio de la palabra: “Regularmente sentía euforia, vértigo y emoción. Empecé a rechazar lo impuesto y me lancé al vacío. Uno puede vivir la vida que uno desea vivir. Será más difícil que elegir caminos ya establecidos e implica riesgo (…) pero uno será infinitamente más feliz”

Hyperpotamus trata que cada una de sus canciones reflejen un sentimiento positivo bajo el lema de lo simple: “Una amiga me dijo que después de uno de mis conciertos pensó “Sí puedo” y bueno, en este tiempo de crisis constante viene bien un vitaminado de entusiasmo”. (Patricio Salazar; desde Toronto, Canadá)

“Queremos grabar a la antigua, no en un computador”
La multitudinaria banda de rock clásico quiere grabar un disco antes de fin de año y desmitificar la relación de su música con tipos cuarentones. “Queremos chicas!!”, reclaman.

Seis en el escenario pero 8 cuando atacan el estudio de grabación o los bares, y tanto sonidista como manager se suman a esta especie de roadband estacionaria. Así son los tiempos modernos para el rock de escuela, a lo Casi Famosos pero en un ambiente donde se impone lo sintético y las pistas de baile. The Rodes se planta frente a eso.

Es un grupo que germinó de la semilla plantada por un puñado de amigos que solía hacer covers de los Fab Four y donde también cantaba Edmundo Miquel, voz y armónica en The Rodes. “Se llamaba Sargento Pimienta y en eso estaba hasta que conocí a Miles Cusik en el instituto de inglés donde trabajo. También hubo otrs de coveres antes de The Rodes y que se llamaba Back Door Band”, cuenta, añadiendo detalles de la noche en que probaron a este oriundo de Detroit con varias piscolas en el cuerpo, a la antigua. “De inmediato cachamos que era seco”, añade Miquel.

A partir de entonces se conformó un grupo donde uno de los últimos en llegar es también el integrante más joven, el batero Bruno Ardito, de 21 años. “Yo quería tocar como fuera y me puse a buscar en internet. Ellos eran la única banda que puso un teléfono, así que los llamé”. Miquel añade que a partir de entonces el esquema de trabajo ha sido centrarse en lo que Miles y él pueden lograr compartiendo ideas que posteriormente son enriquecidas por la banda en su conjunto. Algo que ellos definen como un sonido auténtico, con el que quieren no sólo ampliar su espectro de tocatas, sino que grabar un LP a fin de año.

“Lo que tenemos ahora es un EP que grabamos nosotros y con la idea de difusión, casi que lo regalamos. Ahí está el espíritu blusero, buscamos volver a lo auténtico, al sonido de tubo, a reproducir el sonido de un viejo teclado Hammond. Aunque suene extraño es por esa búsqueda de honestidad que nosotros cantamos en inglés, porque nos nace así”.

-Más de alguien podría criticarlo, recuerdo algunos comentarios que le han llegado a bandas como Los Howlers.

-Es verdad pero tiene que ver con nuestras influencias y con la música que escuchamos, no es una pose, nos nace así.

-¿Qué les pasa con esa imagen que se tiene de las bandas rockeras clásicas como algo que sólo resulta atractivo para viejos de ponchera cervecera?

- Queremos chicas! -exclama Ardito-. Jajaja, es verdad -dice Miquel-, pero hemos comprobado en cada tocata que hay un público joven para lo que hacemos, que también buscan recrear una sensación y como dice nuestro manager, terminar formando un circuito de bandas que toque y haga crecer la música que hacemos.

-Un revival diferente a la moda.

-Mira, es ver lo que ocurrió con Abbey Road. El estudio tenía deudas y es porque si bien todos saben de su calidad, es mucho más fácil hoy prender el computador y grabar ahí. Nosotros queremos grabar a la antigua, no en un computador.

(La banda se presentará este 8 abril en el Bar Onaciu.)

Mauricio Galleguillos, baterista de la banda nacional Parvati, habla del giro sonoro y profesional con el que buscarán decir presente y ser recordados en el escenario rockero del 2010, y también de cómo nuestro país se está sacudiendo poco a poco la omnipresente influencia Beatle.

Ingeniero comercial, abogado y músico de tiempo completo. Algunas piezas de un cuarteto que partió en el 2003 y que luego de un par de cambios de formación, un Ep, y hace poco un larga duración homónimo, ha decidido concentrar fuerzas para redefinir su sonido.

“Buscamos hacerlo todo más simple y directo. Antes nos dábamos muchas vueltas con el tema del sonido y hoy buscamos dar cuenta de otro tipo de música que nos identifica mejor, como The Killers, Bloc Party y hasta Cerati. Ahora queremos basar todo en la melodía y la letra”, asegura Galleguillos, quien también golpea los tambores para Francisca Valenzuela.

Si bien el debut homónimo de Parvati (nombre de una diosa hindú) fue presentado con 200 copias y la producción de Gonzalo González y Juan Pablo Bello en diciembre pasado, las canciones de ese álbum ya tienen más de un año de vida. “Es curioso estar presentado material que es nuevo en el papel, pero que para nosotros lleva tanto tiempo ahí. Por lo mismo, se puede decir que el disco le hace justicia tanto a las primeras canciones como a lo nuevo, hay una mezcla ahí y creo que la diferencia se nota”.

-Lo que no necesariamente es bueno.
-Claro, pero ya está así. Es un disco con temas nuevos pero donde también hay canciones que tienen varios años. Los temas nuevos, en todo caso, son un buen ejemplo de lo que pretendemos hacer hoy.

-¿Y en qué otras dimensiones se aprecia este cambio en Parvati?
-Antes tocábamos en cualquier parte y arrastrábamos con nosotros a 120 personas que se dividían entre amigos y familiares. Hoy la cosa es diferente, nos presentamos menos pero nos fijamos más en la calidad del sonido, que haya buena aplificación. Lo otro ha sido ir a la radio, por ejemplo, y pedir sugerencias para ver qué puede sonar mejor como single.

-Es como una postura más centrada y hasta humilde. Es raro cuando uno ve tanto rockero agrandado en la calle.
-A muchos grupos acá les falta humildad para recibir las críticas y sacar algo provechoso de ellas. Viene un tipo y te dice que tal o cual tema es maoma y altiro el rocker dice, ‘ah este no tiene idea’. Nosotros no estamos en esa y tomarnos todo con más calma. Paso a paso. Por eso estamos dedicando esfuerzos en publicidad y en aparecer en medios como parte clave en el proceso de hacerse conocidos.

- Con un amigo hablábamos de lo plano que es este momento de la historia musical. El revival del rock de garage salpimentado con Joy Division parace estar en todas partes.
-Es cierto y en Chile la mayoría de la música hasta hace poco era puro Beatles y la escuela de Álvaro Henríquez. Hubo pocas excepciones, como Lucybell o De Saloon, pero poco. Afortunadamente creo que eso ha ido cambiando y quien sabe, tal vez en Chile salga una apuesta más original entre tanta copia.

¿Y qué viene para ustedes ahora?
-Tenemos la idea de hacer un concierto para internet y de seguir promocionando aunque sin volvernos locos. Si de aquí a seis meses no estamos rotando en las radios nos tiraremos de cabeza a grabar nuevo material. Ese es el compromiso. (Raúl Morales)

El saxofonista de 28 años presenta hoy su segundo larga duración: Infinito. Autoproducido y ecléctico, el disco recoge influencias del pop y hasta del funk.

Una impronta de comprometida serenidad, de apego a lo que se sabe más cercano a los huesos. El jazz como un género que puede seguir latiendo incluso cuando ya todo parece inventado e interpretado; cuando a veces los músicos interesados en dicha corriente para algunos suenan a secta intelectualizada que desprecia el rock o el pop. Lo cierto es que, Agustín Moya (28), quien hoy presenta su segundo disco a las 22:30 en el Thelonious (Bombero Núñez 336), de entrada parece más un hiphopero que un jazzista. Pero su gorra, el polerón y el bolso más bien son un testimonio del eclectisismo y apertura de mueven a este saxofonista, quien compuso un álbum que toma elementos del funk y hasta de The Beatles.

“Si bien yo no estoy interesado en componer como los clásicos de los 50, uno no puede saltarse a los patrones. Yo sé qué sucedía en los años cuarenta en Nueva York y conozco a los grandes, pero lo importante, si se quiere estudiar y ser capaz de sacar una voz propia como intérprete y compositor, es ir más atrás e incluso investigar sobre los referentes de los jazzistas más conocidos, como Michael Brecker”.

Becado durante un par de meses para pulir su talento en Nueva York y Boston, hay que decir que antes de eso (bastante antes), Moya fue de esos niños hiperquinéticos encajados en una escuela especial. Pasó por varios instrumentos para encausar su vocación, hasta que reunió a los suyos y les dijo que iba a ser saxofonista. “Aunque no lo creas yo vivo de lo que hago, doy clases a niños de orquestas juveniles y toco en vivo. Así que en rigor se puede vivir del jazz. Pero es algo que depende del empuje que uno le ponga, al igual que este disco, que fue financiado por mi”.

-Siempre ha existido recelo desde los jazzistas a distintos géneros musicales y viceversa.
-Es verdad. Los músicos clásicos siempre han mirado por debajo del hombro al jazz y los jazzistas han hecho algo parecido con las corrientes más populares. Pero eso ha cambiado bastante en el último tiempo. La gente ha entendido que esto no se trata de una constante improvisación, acá se compone y se ensaya con rigor.

- ¿Cuánto demoraste en componer este disco?
-En el 2007 tenía bastante material pero no me convenció. Ya cuando había pulido las ideas fueron seis meses de escribir y componer en mi casa; no sólo con el saxo, también con el piano y hasta en el computador. Lo que hice ahora fueron 500 copias.

-¿Se puede hablar de una escena de jazz? ¿cómo es nuestra realidad comprada con otras?
-El ambiente existe y no es tan reducido como se pudiera pensar. Hay una generación nueva y mucha energía. Hace 20 años sólo tocaban unos pocos, pero ya no es así. (Raúl Morales)

Habla Eduard Escoffet, uno de los mayores exponentes de la más loca de las variantes poéticas, la Polipoesía. ¿De qué se trata?, es una manera diferente de propagar poemas según lo entendió el italiano Enzo Minarelli a mediados de los años ochenta, y que adscribe a múltiples maneras de interpretar un poema: ruidismo, distorsión y medios audiovisuales.

-¿Cómo explica usted este fenómeno?

- A finales del siglo XX, muchos poetas trabajaban a partir de los logros de las vanguardias, pero sin la necesidad de sentirse partícipe de un grupo o de una sóla línea o ámbito de trabajo. El concepto mismo de vanguardia ya no tenía sentido después del movimiento conceptual. Por otro lado, desde los años cincuenta, la tecnología era un elemento importante, que iba modulando las nuevas propuestas y aventurando nuevas escrituras. Así pues, se imponía la necesidad de términos de síntesis, que no acotaran sino que ampliaran al máximo, que asumieran que el poeta puede transitar entre vanguardia y tradición, entre textos y otras disciplinas, entre tecnología y universales. El americano Dick Higgins propagó el término intermedia, que también sirve para definir estos trabajes transversales. No hay que olvidar que la polipoesía no es ningún movimiento ni una escuela, es sólo un nombre para ubicarse en el intrincado mundo de la poesía del siglo XX.

- El manifiesto de la Polipoesía hace recordar a los manifiestos dadaístas y surrealistas, ¿hay una conexión entre estos movimientos?

- Evidentemente. Y es también una superación de las ideas base de estos movimientos. Como he comentado, las vanguardias abrieron muchos caminos y una vez pasado el período de ruptura se hacía necesario un proceso de reflexión, de suma de todo lo nuevo y de la tradición, una cierta solución de continuidad que no optara por una línea u otra de forma única. Además, la idea de movimientos cerrados, homogéneos era en los años 80 una imposibilidad manifiesta. También hay que añadir que la polipoesía bebe de las vanguardias clásicas, pero sobre todo de los movimientos de las segundas vanguardias, empezando por la poesía sonora y la acción poética.

-¿Qué es ser un ‘Polipoeta’, es un posmodernista que viene a destruir el formato libro o un creador (un pequeño dios como dijo Vicente Huidobro)?

- La poesía ha estado siempre en un terreno muy amplio que no es únicamente el del libro. El libro vino después, el libro se destruye solo. Yo nunca utilizo el término “polipoeta”; hay muy poca gente que se autodenomine polipoeta y por lo general suelen ser muy malos (y sin una mínima idea de lo que es la polipoesía). El poeta trabaja con el lenguaje y todas sus posibilidades. El polipoeta es simplemente un poeta.

- Ustedes, como Propost (www.propost.org), han llevado a cabo varios festivales y presentaciones ¿cuáles han sido los cambios que han visto a lo largo del tiempo?

- Cambios bastantes. Pero básicamente uno referido a España. Mientras en los noventa la escena poética oral y polipoética se concentraba en Barcelona y se desconocía en muchas ciudades, en la actualidad se ha producido un estallido y hay programaciones, poetas y festivales por doquier. La escena se está desarrollando extensamente y de forma inesperada. Creo que las nuevas generaciones conectan mucho más con estas formas híbridas, que a veces necesitan más de buenas ideas que de alta tecnología. Me gusta ver que con los años desde propost.org hemos conseguido acercar la poesía a un público muy variado, hemos hecho entrar la palabra en la vida de muchas personas que creían aborrecer la poesía o no entenderla. Ahora mismo en España hay múltiples plataformas, cada día más, y se demuestra que no todo está escrito y que lo escrito es también cuerpo. Además ha habido cierta profesionalización, lo cual ha conllevado propuestas más contundentes y personales.

- También surge un cambio entre el lector que pasa a ser auditor.

- Este es un tema muy interesante y muy amplio. Las formas de escritura y de lectura han cambiado mucho durante el siglo XX y, por otro lado, hemos redescubierto que había literatura antes de la invención del libro. Los sistemas de lectura y escritura imperantes no tienen más de dos siglos de vida y en ese sentido tenemos que volver a ampliarlos. Se debe diferenciar a los poetas que se centran en el libro y aquellos que consideran el recital como algo inherente a su escritura. Y ahí, en ese sentido distinto de escritura y de lectura, reside una de las claves para entender todo lo que implica la polipoesía y la poesía experimental en general.

-¿Cómo percibe el desarrollo de la poesía en el futuro?

- No sé si puedo responder. Tampoco me planteo el futuro. Lo que sí que veo es que la poesía ha recobrado importancia y que los medios digitales han ampliado las formas de escritura y de difusión como nunca, a la vez que han hecho evidente lo importante que es la presencia física. El futuro es de los campos híbridos, intermedia, y la poesía desde sus orígenes ha sido un campo de experimentación abierto, de juego con todo tipo de soportes. La poesía es capaz de infiltrarse en cualquier rincón, no tiene un marco que la restrinja. Y esto, hoy por hoy, es una gran ventaja. (Alberto Sepúlveda H.)

A sus 29 años, Sebastián Silva, director del filme La Nana que obtuvo el premio a la mejor cinta extranjera en el pasado festival de Sundance, sabe que está en alza. Acaba de sellar un acuerdo para hacer su primera película en inglés, Second Child, y planea registrar un filme experimental a fines de este año en Chile. “Nunca pensé que podría vivir del cine tan pronto”, admite.

Con apenas dos películas en su currículum, Sebastián Silva sabe que el cine está hecho de contrastes. Por un lado, su debut, La Vida Me Mata (2006), estuvo apenas doce días en las salas locales y sólo convocó a nueve mil personas. Por otro lado, su segundo filme, La Nana,-que sólo costó US$ 400.000- fue seleccionado para participar en el festival de Sundance –el más prestigioso de cine independiente del mundo-, ganó el premio a la mejor película extranjera y su protagonista, Catalina Saavedra, también se llevó el máximo galardón por su actuación. Títulos que le abren las puertas de exhibición en varios países del mundo y que lo han llenado de elogios desde que se estrenó en los cines locales. “A La Vida Me Mata nadie la cachó. Y me dejó con depresión. Estuve unos días encerrado porque, además, ni siquiera los canales la quisieron comprar. En cambio, con La Nana fue todo distinto. Hubo cinco funciones en Sundance y la gente jamás se retiró de la sala. Es más, aplaudían cuando se acababa la película. Ahí empecé a creer que era de las favoritas, pero no pensé que ganábamos”, cuenta.

Silva es como un artista renacentista. A sus 29 años, pinta, tiene un grupo llamado Los Monos –que tiene más de un millón de visitas en Youtube-, y dirige películas. Y lo hace bien. Tanto, que durante la premiación en Sundance, Lee Daniels, el director de Push, el filme que obtuvo el premio a la mejor película del festival, se acercó para felicitarlo y ofrecerle un proyecto: filmar su próxima película en inglés. “Le encantó la película y me preguntó si tenía algún guión. Se lo mandé, lo leyó, se lo mandó a la gente de la productora con que trabaja y a todos les fascinó. La película se llama Second Child y será filmada sólo con actores gringos. En junio empezaríamos el rodaje y me gustaría que fuera en Sudamérica porque sale más barato. ¿De qué se trata? De un niño de 8 años que se va de paseo al campo con su familia. No tiene una figura masculina presente y tiene tendencias homosexuales. Ese es el origen de la historia”, cuenta.

-Tus dos películas las escribiste con Pedro Peirano -31 Minutos-. ¿Second Child también?

-No, la hice solo. En diciembre queremos grabar una película experimental llamada Gatos Viejos. Y esa pienso escribirla con Pedro. Nos llevamos muy bien, es muy talentoso y adoro su trabajo. Pero será una película de bajo presupuesto y con cuatro actores. Entre ellos, Bélgica Castro, Claudia Celedón y Catalina Saavedra.

-Las dos últimas están en tus dos películas. ¿Son tus regalonas?

-No. Pero son mujeres choras, sencillas, inteligentes y talentosas. Y, por sobre todo, con un gran sentido del humor. Eso es un fundamental en un actor. Como que no engancho con los que son muy serios. Y estas mujeres saben parodiar muy bien.

-¿Cuál crees que es el gran mérito de La Nana?

-Es una historia que está muy bien contada. No es el típico trato a las empleadas que se ve, por ejemplo, en las teleseries. Es un guión sencillo, que te entretiene y que, en el fondo, sólo trata de contarte una buena historia.

-¿Pensabas dedicarte al cine tan joven?

-No. Estuve en la Escuela de Cine un año y me salí. Antes no me tomaba el cine en serio y fui re pastel. Y nunca pensé que podría vivir del cine tan pronto. Es todo muy sorpresivo. En el cine, a menos que hagas películas como ¿Querida Encogí a los Niños? (1989) no puedes predecir nada. Y así como ahora estoy bien, también estoy preparado para decepcionarme.

-¿Quiénes son tus referentes cinematográficos?

-El cine no me fascina tanto. Siempre iba porque me entretiene, pero no sabía nada. Es más, varias veces me quedaba dormido. Con Peirano conocí mucho porque es muy cinéfilo. Y aunque no tengo referentes, me gusta la naturalidad de Lars Von Trier en Rompiendo las Olas (1996) y Bailarina en la Oscuridad (2000). También Woody Allen y Larry David por su sentido del humor. O las películas de Gus Van Sant. Pero, la verdad, no cacho mucho.

-Por último, ¿sentiste que tu triunfo en Sundance era un triunfo del cine chileno?

-No sentí ninguna responsabilidad con eso. En Chile no existe ningún movim

iento ni los cineastas se juntan a conversar. La única responsabilidad la sentí con mis amigos, con mi familia, los que me apoyaron. Estaba como “El Chino” Ríos cuando llegó al número uno. En el fondo, el triunfo era suyo. Y no de todos los chilenos. (Felipe Rodríguez C.)

Con el cine social de Aldo Francia como inspiración, Huacho expone en un tono naturalista y cálido la vida real de una familia campesina de comienzos de siglo. Sin actores profesionales y con destellos de humor absurdo, es una de las películas locales más sorprendentes del último tiempo, fue reconocida en el festival de Cannes y tiene fecha de estreno: este martes siete de julio en el Festival Cine B.

Hasta que terminó su enseñanza media, Alejandro Fernández (35), el director y guionista de Huacho, siempre vivió en Chillán. Esa época fue, justamente, la que marcó un quiebre en su vida. Se vino a estudiar periodismo a la Universidad de Chile y sus padres se fueron a San Nicolás, un pueblo a unos pocos kilómetros de Chillán. Cada vez que volvía al campo, Fernández quedaba impresionado ante las diferencias de esa vida y la de Santiago. Así comenzó a fraguar una idea: registrar la transformación del campo y su gente en la era de la globalización.

Pero tuvo que pasar tiempo. Se tituló, ganó una beca de seis meses para estudiar en Nueva York y consiguió trabajo en la agencia EFE como corresponsal de economía. Pasó diez años en esa ciudad y empezó a entrevistar -y grabar-, en cada uno de sus viajes a Chile, a los campesinos y sus sueños. “En el 2003 vine a Chile y pasé días enteros grabando a campesinos. Nunca tenía problemas. Especialmente con los más viejos. Hice dos cortometrajes y tuve más ganas de hacer una película”, cuenta Fernández.

Durante esos viajes conoció a Clemira, una vecina de sus papás que se convirtió en una de las protagonistas, y empezó a buscar a un personaje masculino. “Hice varias pruebas hasta que llegué a Cornelio, que no vivía muy cerca, pero tenía el humor que andaba buscando”, dice. Sin actores profesionales y describiendo un día en la vida de una familia campesina, Huacho exhibe una radiografía fidedigna del Chile rural en el Bicentenario. La dificultad para llegar a fin de mes -Clemira vende queso fresco en la carretera, Cornelio hace cercas, su hija es nana y el nieto estudia en Chillán-, las deudas, los sueños por un futuro mejor y las carencias tradicionales que tienen las personas que no viven en las grandes urbes. Un estilo narrativo muy emparentado con el cine social de Aldo Francia -Valparaíso, Mi Amor (1969)-. “Huacho es el Chile que yo veo. Y tiene un vínculo con Valparaíso, Mi Amor. Quise hacer un cine social que influya y que tenga trasfondo. En esta película no existen los estereotipos que veo en los retratos de la gente que hace, por ejemplo, la televisión chilena donde un tipo de La Dehesa trata de imitar el habla de los pobres. Eso es ofensivo y clasista”, justifica el director sobre un filme que este martes abre el Festival Cine B.

Financiada con dineros de Sundance, Berlín, Rotterdam y capitales franceses, Huacho se registró durante seis semanas y con textos improvisados. Una forma de encarar el cine que directores como el inglés Mike Leigh -Secretos y Mentiras (1997)- han transformado en su sello personal. “Leigh, a diferencia mía, hace un trabajo previo con los actores. Yo no lo hice así. Todo fue improvisado. Conversábamos la idea general de las escenas y cada uno aportaba, siempre con el deseo de mantener el estilo de las conversaciones cotidianas de las zonas rurales. Los actores aportaron chistes y diálogos sobre cosas que habían vivido y eso se nota”, afirma.

El rasgo latino de Huacho se refuerza, además, cuando al final de la película aparece la leyenda “en memoria de Juan Pablo Rebella” -el suicida director uruguayo de 25 Watts (2001) y Whisky (2004)-, mientras suenan los acordes de La Vida Mágica ¡Ay Sí! de Los Jaivas. “Entrevisté a Rebella en Nueva York y cuando supo que haría la película, me envió un mail. Eso fue un espaldarazo emocional muy fuerte. Tanto, como cuando supe que se suicidó. Y esa canción de Los Jaivas huele al Chile más profundo”.

-¿Qué te gustaría lograr en el público chileno?

-Sé que no es una película muy comercial, pero me gustaría que la viera la mayor cantidad de personas, que pueda conectar a la gente en Chile, que se vea a sí misma. Porque estos personajes no son el Chile de plástico que nos venden los medios. Este es el Chile real. (Felipe Rodríguez)

Juan Carlos Fau, uno de los dueños de la librería Qué Leo, habla de las intenciones del nuevo local que la cadena abre hoy en el Patio Bellavista.

Casi 200 metros cuadrados de superficie y una inversión de 20 millones de pesos. Una provisión de títulos que fue difícil de definir porque por este mall que no es mall llamado Patio Bellavista, a media cuadra de Pío Nono, pasan más turistas que paisanos. Sin embargo, Fau, uno de los socios fundadores de una librería que ya cuenta con tres sucursales, sigue creyendo en las ofertas y en tirar al estante las colecciones de bolsillo de importantes editoriales.

“Acá pensamos en un ticket promedio de diez lucas. Tenemos hasrto Debate (biografías y temas políticos) y también Mondadori. Nuestra idea es canalizar el interés de las editoriales hoy y que responde a la idea de tener unos 40 o 50 títulos que no están en todas partes. Es una primera manera de diferenciarnos de la competencia”.

Esta prerrogativa es la que le ha dado fama de dato a Qué Leo. Un interés por entenderse directamente con las editoriales para así conseguir los títulos más baratos. Sin intermediarios y sin el esquema de compra que usan cadenas más grandes como la Feria Chilena de Libro, que muestra debilidad por el best seller. En ese sentido, Fau sabe todo lo que no hay que hacer, porque trabajó muchos años como vendedor y responsable de un local de la Feria.

“Aquí hay harto libro souvenir, como se le llama por ejemplo a las guías de viaje, no podemos ignorar al tipo de persona que viene al Patio. Pero en general tenemos una política distinta”, dice sobre un lugar que abrirá en un horario más amplio que el habitual: entre las 10 de la mañana y las 22 horas.

- ¿Qué buscan hacer ahora específicamente para atraer a la gente que no se acerca a las librerías por los precios? Es una discusión vieja.

-Bueno, hace rato sabemos que los precios no son el único factor de compra. Nosotros queremos entusiasmar al lector barrial y en cuanto a dar alternativas, junto al local de las Urbinas, por ejemplo, tenemos una importante colección de libro usados que hemos empastado de nuevo a precios muchos menores. Hay un montón de clásicos pero también puedes encontrar cosas de Haruki Murakami como Tokio Blues. En ese lugar también vendemos vinilos y películas de segunda mano.

- ¿Y cómo se ve el mercado para las librerías en los tiempos que corren?

-Nunca son fáciles. La José Miguel Carrera cerró sus cinco locales, creo que queda uno. Hay que jugar con la ubicación, con hacer lugares cómodos y atractivos, en mostrar bien los libros para tentar a la gente y traer lo último. Yo, en general creo en el libro. El otro día vino a uno de los locales una clienta con un Kindle (el lector digital de Amazon). Tenía no sé cuántos libros metidos. Era una belleza. Pero tienes que manejar idiomas para leerlo y por otro lado ¿tú andarías con un aparato de 500 lucas en el Metro o con un libro en tu bolsillo? No hay donde perderse. (Raúl Morales)