El periodista Jorge Letelier entrevistó al director en octubre del año pasado. Un transplante de hígado lo tenía débil aunque con la ironía intacta, en medio de los elogios recibidos por su película “Misterios de Lisboa”.

por Jorge Letelier

La voz de Raúl Ruiz suena débil y casi inaudible. Es de noche en Portugal y acaba de ver por primera vez la versión televisiva de Misterios de Lisboa, que dura 6 horas. Pese al susurro de voz, el cineasta chileno más importante de la historia reflexiona, divaga, hace gala de un humor macabro y planea nuevos proyectos. No hay dudas, se trata del mismo Ruiz de siempre.

Hace algunos meses, el director estuvo al borde de la muerte producto de un cáncer hepático, y terminar de rodar Misterios de Lisboa, basada en la novela homónima de Camilo Castelo Branco, le supuso un esfuerzo sobrehumano. Una realidad que las fotos que se conocieron después lo plasmaron en forma dramáticamente clara.

Pasado el peligro y con un hígado nuevo, Ruiz recupera fuerzas comiendo a toda hora. “Después de tener un hígado que no me dejaba comer ni un pedazo de pan, este me hace sentir hambre todo el tiempo”, bromea. En plena convalecencia, fue al festival español de San Sebastián y ganó la Concha de Plata al mejor director. Fue la prueba más fehaciente para manifestar que se trata de uno de sus más importantes filmes. “Estoy sorprendido por la aceptación. Nunca una película mía había sido pedida por tantos festivales: Sao Paulo, el de Pusan en Corea. En los festivales de Estoril y Roma van a pasar la serie integral”, agrega.

-Desde Cannes se rumoreaba que la película le había quedado muy bien…

- Se mostró en Cannes en una función privada para críticos, y yo estaba en el hospital, entre la vida y la muerte. Terminé a duras penas la película, pero a la larga fue mejor.

-¿Por qué?

-Porque le dio a la película un patetismo suplementario, que no estaba previsto. Porque si crees que después de esta te vas a morir, adquiere una solemnidad que no estaba prevista en el guión.

Misterios de Lisboa es un folletín en la tradición clásica, que bebe tanto del melodrama mexicano como de Alberto Blest Gana, y además está cruzado por los mundos fantásticos que tanto gustan a Ruiz. “La hice con los mismos criterios del folletín pero con una libertad formal absoluta”, afirma, y replica que el productor sólo se asomaba en el plató para invitarlo a almorzar. “Esto es una sorpresa porque no es siempre así”.

-¿Cómo hizo para que le produjeran una película de cuatro horas y sin supervisión del productor?

-En Portugal, la TV estatal -cuando es productor- privilegia el cine menos comercial, y allá los más favorecidos son los cineastas mayores. El año pasado le dieron plata a proyectos de Manoel de Oliveira, que tiene 102 años, a Felipe Rocha, de 85, y yo, de 68 años, que soy el más joven. Portugal es un país gerontofílico. La novela de Castelo Branco es un clásico portugués, es equivalente a Blest Gana: alguien que se sumerge en la profunda sensibilidad portuguesa.

-¿Cómo es esa sensibilidad?

-Ellos son muy secretos. Usan mucho el silencio, mucho más que en Chile. Un silencio de 40 minutos entre personas que conversan, no es algo extraordinario. La primera vez que filmé en ese país fue hace 30 años. Me había hecho una sólida reputación de cineasta difícil, y Portugal me dio la posibilidad de hacer un cine popular como el que hice en Chile. Hay en el país elementos que son muy simpáticos, no son nada mundanos. Pessoa, Castelo Branco, Ze Carneiro, me gustan mucho. Cuando leo la revista Orfeo que dirigía Pessoa, recuerdo a la revista Orfeo de Jorge Teillier. Ellos tienen una forma muy poco mundana de acercarse al arte.

-¿Hay cierto parecido con la idiosincrasia chilena?

-Mmm… no mucho. En Portugal los hombres lloran mucho y se ríen en 2 minutos. Son tiernos, pasan haciendo cariño, y las enfermeras, uff, uno sufre una regresión a la condición de guagua. Ellos son “besuqueiros”, te aprietan los cachetes, te regalonean. Cuando estaba en el hospital, el paciente de al lado estaba de buen humor, y esa noche se murió. Se murió muerto de la risa. En lo que se parecen es a la familia chilena de la Residencial La Pichanga, que hablan de fútbol o religión y comen mucho.

-¿Qué le dijeron los médicos sobre sus próximos proyectos?

-Tengo unos 15 proyectos. Se supone que en Portugal voy a hacer otra película chica, pero antes quiero terminar mi trabajo teórico, que son dos libros.

-¿Pero lo autorizaron para seguir trabajando?

-No necesito a los médicos para que me lo digan sino que a los productores, ya que se demoran tanto en armar una producción, pero en ningún caso voy a filmar en 2011. En diciembre eso sí, debería estar en Chile -N. de la R. para el montaje de Amledi, el tonto, para Santiago a Mil-, pero necesito el visto bueno de los médicos, porque el viaje es pesado. Pero sería el colmo que me echara a morir con el trabajo que me hicieron.

-Claro, un trasplante de hígado no es un resfriado…

-Un trasplante al hígado implica que bajan las defensas para impedir el rechazo, y eso arriesga una neumonía. El trasplante no está ganado, puede durar mucho. Encontré gente que lleva 8 años trasplantado y siguen en el hospital. Si te diera la estadística de las personas que saliendo del hospital se muere, pero sacándose la mugre y pegándose en la cabeza, te sorprenderías. Pero en mi caso no tuvo ninguna consecuencia salvo el comer mucho.

-¿Qué ha visto de cine chileno?

-Recuerdo a Matías Bize, pero los otros se me mezclan y se me pierden un poco. Hay un cine contemplativo que es muy extremista, parecen seguidores de Bela Tarr, pero el inventor de esto fue Andy Warhol. No hay otro.

El segundo disco del trío, “Éxito mundial”, tiene un sonido definido: pone el cuerpo en la pista de baile y el pop como mandamiento central. Cada vez con más fanáticos, el grupo entiende que su carrera va en ascenso. “La gente ahora está más receptiva a lo que hacemos”, dice su cantante Diego Adrián.

“A veces roza el ridículo, pero mola…En Chile está pasando como pasó aquí en los 80, pero mejor”. El comentario de un internauta en el influyente blog español Jenesaispop.com parece decirlo todo. Unas líneas más arriba está el último videoclip de Adrianigual, “Me gusta la noche”, y tanto el redactor de la nota alusiva (titulada “Revelación o timo”) como los lectores parecen estar dudosos entre tomarse en serio las coreografías callejeras del trío o reírse con gusto al ritmo de su contagioso pop electrónico.

“Era un poco la idea. Cuando estábamos haciendo el video pensé aquí me van a querer matar cuando vean esto. Obvio que van a decir que soy el hueón más fleto del mundo. Pero filo. Es un juego. Nosotros no andamos vestidos así de extravagantes por la calle. Todo el rato nos estamos riendo”, cuenta el vocalista Diego Adrián sobre el clip que se acerca a las 25 mil visitas en You Tube y que también comienza a llamar la atención en México.

La ironía salpica todos los rincones del segundo disco de la banda (que completan Nacho Aedo en guitarra y Rocío Monasterio en coros), correctamente bautizado “Éxito mundial” a través del sello Cazador (Dënver, Protistas, La Reina Morsa), y producido por Álex Anwandter, el hombre detrás del proyecto Odisea, ex Teleradio Donoso y miembro ocasional de Adrianigual. El álbum está disponible para descarga gratuita desde el sitio del sello.

“Originalmente se iba a llamar Los humanos que destruyeron el mundo, pero era muy largo. Pensamos en cómo simplificarlo y decidimos poner lo contrario. Que los humanos ganaron la batalla contra la naturaleza, éxito mundial. Y ahí cachamos que sonaba demasiado bueno. El éxito mundial es una basura. Habla de toda la mierda alrededor del exitismo en el mundo”, agrega.

-Hay una evolución evidente en el sonido. ¿Cómo llegaron a eso?

-Yo no lo encuentro tan diferente al anterior (“Baila baila canta” de 2007). Me gusta la noche pega perfectamente con Juliette (primer sencillo de su álbum debut). Las dos son de la misma onda bailable.

-Pero el primer disco sonaba bien casero y este tiene una producción más pulcra. ¿Se profesionalizó el proceso?

-Eso sí lo cambiamos casi todo. Antes teníamos estos Casios y programábamos en Fuity Loops. Después pasamos a tener máquinas reales y a tener programas más especializados. Eso nos sirvió un montón.

- ¿Las Influencias también cambiaron?

-Me aburrí hasta cierto punto de las bandas con guitarra de palo y me entretenían más bandas de electro o hip hop, como Missy Elliott, Dr. Dre, Tiro de Gracia. Aunque antes también me gustaban todas esas cosas como Miss Kittin y Peaches.

-¿Qué sucede en Chile que se reivindica el pop de un día para otro?

-Hace cinco años dominaban las bandas guitarreras con amplificadores a tubos, en la vena de AlgoRecords. Pasó que las bandas de rock eran más fomes que las otras que estábamos abajo haciendo pop. Al final esos grupos se aburrieron de tocar todo el rato lo mismo y nosotros seguimos tocando.

-¿Fue un asunto de perseverancia, entonces?

-En 2003 y 2004 casi todas las bandas de pop que suenan ahora ya existían. Pero las que eran populares en esa época, que uno pensaba que iban a ser un éxito, apuntaron a un estilo demasiado definido y eso se agota más rápido que el pop, que siempre se puede estar reinventando y disfrazar cualquier estilo. Por ejemplo, la movida de electro que había hace cinco años en Chile era muy buena, con Pornogolossina, Kinder Porno, Redulce o los mismos DJ Pareja. Pero no pasó nada, no sé por qué. Yo creo que no estaban los medios para llegar a México, como ahora. Pones tu video y al rato te postean de allá. Las grabaciones están mejores y es parte de la evolución.

-¿Qué tan determinante fue trabajar con Álex Anwandter?

-Igual teníamos unos demos que eran muy iguales y otros que eran música inexplorable. Jajaja… Ahí Alex me ayudó a aterrizar el sonido. Teníamos instrumentos más bacanes. Justo compré un sinte antes de grabar las últimas canciones y lo ocupamos a mil. Suena bacán.

-¿Este es el disco que marca el despegue de Adrianigual?

-Pienso que debería funcionar, no es algo tan lejano. Igual este tiene unas canciones muy raras entremedio. Hay un poco de riesgo. Pero a lo mejor la gente ahora está más receptiva a lo que hacemos. Hicimos un video bacán y nos tomamos este trabajo de manera muy seria. Definimos muy bien todos los aspectos que íbamos a trabajar. Y creo que es el mejor resultado posible. (Daniel Aravena).

La joven realizadora debutó el jueves con su ópera prima que bucea en la relación de una pareja que debe lidiar con las dificultades de la rutina y sus propias desconfianzas.

1. Hablaste durante el estreno que la idea de la película fue naciendo de a poco. ¿En qué momento decidiste que debías hacer una película?

- Había hecho dos cortometrajes y la experiencia de trabajar en el rodaje de “Turistas” de Alicia Scherson y tras haber estado en la escuela de cine de Cuba en seminario me dio el piso y la experiencia como para lanzarme con esta tematica que me rondaba desde hace tiempo. Me demoré unos años, pero salió.

2. Algunos comparan tu película al cine íntimo de Matías Bize. ¿Hay alguna ligazón o es sólo una historia de contexto similar?

- Como generación estamos buscando una mirada más profunda y cercana sobre las cosas. Las relaciones de pareja son un desafío pues han sido contadas infinitas veces. Creo que encontrar la cercanía o la intimidad es parte de ese desafío. Matías es un gran realizador que ha logrado asentar su trabajo no solo en Chile, sino que en el extranjero. Yo, en cambio, estoy recién empezando.

3. ¿Cómo crees que se inserta tu película dentro de la cinematografía actual chilena?

- Pienso que “Metro Cuadrado” es una película que invita a reflexionar y a detenerse en lo complejo de lo cotidiano.

4. ¿Qué es lo más difícil de hacer en una película? ¿Dame algunos ejemplos?

-En general, hacer una película* no es una tarea fácil, cada etapa tiene su dificultad. Algunas tienen que ver con el proceso creativo y otras con el financiamiento. Pienso que hay que ser perseverante y no claudicar. (Felipe Rodríguez)

*La película está siendo exhibida en el Centro Arte Alameda

Con un pasado en dos bandas que se movían bajo la voluntad del electropop y más tarde del soul y el R&B, Claudio Pérez, periodista dedicado a la música publicitaria, lanzó hace poco su primer disco solista: el EP Recreo.

Se trata de un set armado con espíritu casero en el que abundan los medios tiempos sobre bases programadas, con temas sencillos y directos en medio de arreglos que tienen implícita la idea de crecimiento cuando la aventura siga. Y seguirá.

A la vieja usanza, como hombre orquesta que plasma música a pulso, Pérez resume la impronta de los cinco temas de Recreo como “un sonido sintético pero melancólico… como no tengo estudios formales soy más compositor que un músico, así que esto partió con las canciones armadas en guitarra de palo. De manera bastante natural se dio que me junté con un amigo (Gonzalo Martínez) que escribe poesía, quien le hizo letras a tres temas. Así fue tomando forma”, recuerda.

De mostrar la creación el mundo, las 300 copias repartidas entre amigos y un par de tiendas, constituyen todo el circuito comercial que a Pérez, sincero en su escepticismo ante los juegos del espectáculo, le interesa hacer. A pesar de eso, la idea de realizar sólo una presentación en el living de su casa evolucionó con los días. “Se viene la grabación de un video. La fecha del rodaje es el sábado 7 de mayo y una semana después estará listo. Con ese material estaríamos haciendo una presentación bastante unplugged a principios de junio, en un lugar todavía por definir”.

- La música se oye sencilla pero hacerlo no siempre lo es.
-Para nada, es caro y por eso lo hice casi todo yo solo, con la ayuda de mi mujer. La producción fue un trabajo enorme.

- A veces cuesta creer que todavía existan músicos independientes interesados en hacer discos físicos.
- Es verdad, pero aunque yo no tenga intenciones comerciales con el disco, sí me interesa que sea difundido, que se conozca. En general, yo no sé si tiene que ver por la generación a la que uno pertenece, pero si bien la industria millonaria de los discos desaparecerá como tal, creo que el objeto físico si es válido y hasta interesante. De otra manera no se explica, por ejemplo, el buen momento que viven los vinilos.

-¿Qué música te ha influenciado en el último tiempo y que podemos ver reflejada en Recreo?
– Últimamente Friendly Fires, Fénix. Por otro lado está la base: The Smiths, Beatles y The Clash. También hay algunas cosas de Hot Chip.

-¿Cómo planeas seguir?
- Mi idea es hacer tres ep’s, sacar el segundo en junio y el tercero en diciembre, para después juntarlos en uno sólo. Y claro, me gustaría hacer un vinilo… era que no. (Raúl Morales)

Concebido en Rapa Nui y fuera de la propuesta experimental de sus primeros trabajos, Juga di Prima presenta en El Orden de las Cosas (2010), un álbum reflexivo y personal donde los sonidos polinesios, alegorías líricas y el folk son los motores de su música.

- ¿En qué momento de tu vida fue concebido El orden de las cosas?

-En un momento de grandes cambios. En una etapa paradigmática y maravillosa al mismo tiempo. Al principio no tenía pensado grabar un disco entero, sólo un par de temas y probar como se daba, pero finalmente me fui quedando más tiempo y vino el disco completo. En ese momento tenía ganas de estar en Rapa Nui, y en un contexto menos turístico que en el que estuve antes. No sabía cómo se iba a llamar el disco por aquel entonces, no sabía nada, todo se fue armando allá. El disco está marcado por el sonido de la isla y en algunos temas se da naturalmente la unión de los distintos géneros que se escuchan allá como el reggae o los ritmos polinesios. Es súper distinto al último que grabé -Pequeño Fruto, (2009)-,. Este fue mucho más de banda y con instrumentos que iban desde el fagot, saxos a teclados sicodélicos. Tenía ganas de un sonido diferente. Influyó harto en el resultado final el estilo del estudio también. Como yo produje el disco, traté de redondear todos los temas, de unir los contrastes. De algún modo, de crear un mundo con todos ellos.

- ¿De qué manera caben las emociones en este álbum?

-Todo es emoción, instinto, nada es muy racional. Influyó también el contexto en el que me encontraba, no tenía tiempo para extenderme mucho más en este trabajo, tenía que volver al continente, y yo también quería tenerlo terminado luego. Entonces me lancé no más, sin pensarlo mucho.

-Si tuviéramos que ir a lo esencial del álbum, ¿cuál sería el flujo que lo lleva?

-Un renacer. Una carga emocional y amorosa muy fuerte, una contradicción también, una relación con la naturaleza.

A partir de la mitad del álbum en adelante hay otro tono, la forma de hablar cambia, también el modo de enfrentar las cosas. Aunque se hable de penas de amor, hay una forma mucho más asumida de ver todo, canalizada hacia una nueva etapa, en la cual se sale de los círculos viciosos, del sufrimiento.

- De ahí entonces se viene el nombre del álbum, El orden de las cosas…

-Sí, porque se habla de cómo deben suceder las cosas, el orden en sí mismo, algo más supremo. Ordenar la vida, las emociones.

- ¿Qué me dices del antes y después del lanzamiento de tu disco?

-Se me quitó el miedo. Antes estaba buscando mi camino, mi voz , mi estilo pero con dudas, me costaba concretar mis proyectos y ser más disciplinada. Cada disco tiene su propio universo y con este álbum se me abrió un nuevo lenguaje.

- ¿Cuándo supiste que te ibas a dedicar a la música?

-Cuando tenía como 5 años lo único que yo quería era ser cantante. Siempre me gustó mucho escribir cuentos y poesías. En un momento quise estudiar cine con el afán de la historia y de la dramatización de la realidad. A los trece años tomé clases de canto y durante la enseñanza media tomé clases de teatro y música. No era algo muy serio, más bien de experimentar y de vivir.

Cuando salí de cuarto medio, supe que iba a estudiar música, venía de un ambiente de blues y jazz, quise entonces adentrarme en un ambiente distinto musicalmente hablando. Comencé a descubrir otras aristas de la música que incorporé en mi aprendizaje. En la universidad empecé a buscar mi voz porque no me sentía cómoda con ella, no sabía como conjugarla para llegar a donde quería llegar, fui probando varias cosas distintas hasta que la encontré como a los 22 años.

-Picasso decía que la inspiración existe pero debe encontrarte trabajando. ¿Cómo funciona tu proceso creativo?

-Se me ocurren las canciones en los lugares más insólitos; en la cola del supermercado, en una fiesta, cuando no puedo dormir, caminando, cuando estoy sola. Por eso me gusta estar sola. Viene a mí a veces la letra, o la música, o una frase y trato generalmente de grabar un pedacito para que no se me olvide. Luego empiezo a racionalizar la inspiración buscando nuevas formas para armar lo que tengo. También creo que es súper bueno conectarse con el inconsciente. Me ayuda mucho dibujar o bailar, siento que se abre un portal a lo no racional.

-¿Cómo te sentiste el día del lanzamiento de tu disco?

-Pude cubrir casi todos los aspectos de mi música. Todo se conjugó con una estética y con un orden. Conté con la colaboración de grandes amigos y grandes músicos, se generó una energía bien especial. Entre algunos de los que colaboraron aquel día están Felipe Cadenasso, Gonzalo Planet, Natisu, Camila Moreno, Rosa Vergara en el piano, Christiane Drapela en acordeón, Amparo Fontaine en violín, y casi todos los integrantes de la banda Los Armandos.

Pasamos por muchas texturas sonoras y visuales, por sensaciones varias. Desde lo más íntimo, piano y voz o ukelele y voz, hasta el ensamble más cabaretesco. Fue un experimento hecho con mucho amor.  (Luna Milo)

El dúo chileno que realizará una gira por cinco ciudades ese país estuvo retenido en el aeropuerto madrileño por veinte horas. Gestiones de la embajada permitieron su entrada. “Nunca creímos que saldríamos en la prensa por esta situación”, dijo su líder Milton Nahan.

En el papel, se veía como la prueba de fuego. Tras su alabado segundo disco, “Música, gramática, gimnasia” (2010), el dúo sanfelipeño se mostró como una de las sorpresas del rock emergente chileno. Buenas críticas locales, excelentes comentarios en España –en el diario “El País” y en revistas especializadas- y un ofrecimiento irresistible: hacer una gira por ese país europeo.

Pero no resultó perfecto. A su llegada a la capital hispana, un oficial del aeropuerto les negó la entrada porque, supuestamente, no iban a una gira promocional, sino que a lucrar con su visita. La situación –que no es nueva en el aeropuerto de Barajas con visitantes sudamericanos- llegó a oídos de los ejecutivos del sello discográfico, Federación de Universos Pop –que editaron su segundo álbum-, quienes ante la información que serían deportados a Santiago se comunicaron con la embajada chilena en Madrid para que resolvieran el problema.

Milton Nahan y Mariana Montenegro, los nombres tras Dënver, estuvieron retenidos en Barajas durante veinte horas y sólo mantuvieron comunicación esporádica con los de la discográfica española. “Si hubieran dicho que eran turistas, no les pasaba nada”, afirmó Guille Mostaza del grupo Ellos al diario español “El País”, que compartirá escenario este jueves con los chilenos.

Tras su salida, la dupla se dirigió a la embajada para agradecer la gestión del embajador Sergio Romero. “No entendíamos nada. Nunca creímos que saldríamos en la prensa por esta situación. No puedo decir que nos trataron mal, pero estar tanto rato encerrados te hace ver como un delincuente. Agradecemos a la embajada porque nos apañaron en todo”, sentenció desde Madrid, Milton Nahan.

Durante la noche del miércoles, la banda decidió descansar y olvidarse del mal rato. En los próximos diez días tendrán cinco presentaciones en Madrid, Barcelona, Pamplona, Sevilla y Murcia y sus respectivos shows serán la antesala de unos meses con mucho trabajo. Tours por Perú, México y un regreso a España ya están pactados en su camino a la internacionalización. “Lo único que nos interesa ahora es tocar”, finalizó. (Felipe Rodríguez)

En sus inicios, cuando eran adolescentes, la prensa británica los llamó los nuevos Rolling Stones. Las giras los agotaron, se separaron con polémica y hoy están de vuelta con su segundo álbum, “Shake/Shiver/Moan”, uno de los grandes hallazgos de 2010. Entrevista exclusiva con su líder, Martin Trimble.

La historia es más o menos así: corre 1997 y en una pequeña ciudad del norte de Inglaterra dos amigos (Martin Trimble y Glen Bartup), de escasos 14 años,  se lanzan a tocar cover de blues: Muddy Waters, Buddy Guy, Rolling Stones.  Ruedan por los bares, aprenden harto, beben mucho, la pasan bien. A los 19 comienzan a componer sus primeros temas bajo el nombre de ¨22-20s¨, en honor a una canción del bluesman Skipe James. Graban un demo con tres cortes (Such A Fool, 22 Days y Devil In Me), lo mandan a unas cuantas discográficas y alrededor de treinta compañías comienzan una inaudita batalla campal por ficharlos. Finalmente firman con Heavenly Records (subsidiaria de EMI), incorporan a un batero y un tecladista y lanzan su primer y aclamado disco homónimo producido por Brendan Lynch (Primal Scream, Paul Weller) e instantáneamente  son catalogados por la prensa como ¨los nuevos Rolling Stones¨, gracias a un sonido demasiado rockero para ser blues. Sus singles suben como la espuma y se van de gira por Inglaterra, Estados Unidos, Australia, Europa y Japón con Oasis, Supergrass, Kings of Leon, Graham Coxon y The Black Crows. Están entre los grandes.

Sin embargo, las giras se extienden demasiado y tras un año y medio, a principios de 2006, están exhaustos. ¨Cuando nos sentamos a trabajar en el segundo álbum, nada decente salía de nuestra cabezas. Teníamos lo que llaman un bloqueo de escritor, así que decidimos darnos un tiempo. ¿Qué más podíamos hacer? ¨, dice Trimble, poco antes del último y energético concierto que los ha traído de vuelta a Tokio, con su nuevo álbum Shake/Shiver/Moan (2010). ¿Qué pasó entremedio? ¨ “Creo que maduramos¨, prosigue Trimble. ¨Érámos demasiado ingenuos para lidiar con la fama. Además, cuando nos separamos, sentí que nunca podría escribir una canción de nuevo. Me mudé a Nueva York para estar con mi novia y no toqué la guitarra durante seis meses. Teníamos un pequeño apartamento en el barrio chino, y mientras ella trabajaba, yo me la pasaba viendo tele y tomando litros de café”, recuerda. “Eso duró como un año y fue un momento muy oscuro. Tuve que salir y jugar de nuevo. Ahora comprendo que tuve que pasar por eso para darme cuenta de qué es lo que realmente me gusta hacer”.

Luego de ese periodo nefasto, los amigos se juntan a mediados del 2008 para unas sesiones en el estudio. Ya no está el tecladista y se ha unido un viejo amigo de Trimble: Dan Hare en la segunda guitarra. En septiembre de ese año tocan en el Royal Festival Hall de Londres, aunque se apresuran a declarar que eso no significa que están de vuelta. Es que los 22-20s ahora quieren hacer las cosas con calma: secretamente, bajo el nombre de ¨Bitter Pills¨, ruedan por numerosos clubes de Inglaterra, testeando el nuevo material. A fines de 2009 lanzan el single Latest Heartbreak; en marzo de 2010 un Ep con 4 temas nuevos en vivo y finalmente, en mayo, lanzan en Japón,  Shake/Shiver/Moan, producido por Ian Davenport (Supergrass, Badly Drawn Boy, Band Of Skulls), que inmediatamente se coloca en el número 2 en los charts estadounidenses. Los 22-20s han renacido en gloria y majestad, y esta vez, promete Trimble, no serán flor de un día.

-En Japón ustedes tienen una gran cantidad de fans tras sus shows en el Fuji Rock (2004, 2010). ¿Cómo ha sido el reencuentro con los nipones?

-Ha sido increíble. ¡Estos tipos nos adoran! Hemos hecho cuatro show -Nagoya, Osaka, y dos en Tokio-, todos con un lleno total. Es por eso que editamos Shake/Shiver/Moan primero en Japón. Lástima que los organizadores sean tan estrictos con el tema de los horarios. No hemos tenido tiempo de visitar los clubes sexuales. Esos por los que Tokio es tan famoso, jajaja…

-¿En qué se parece este segundo disco al primero?

-En nada. Es mucho más melódico, usamos segundas voces y coros, no tenemos tecladista, hay una segunda guitarra…aunque claro, seguimos siendo bluesman.

-¿Por qué en su adolescencia escuchaban blues y no britpop?

-Con Glen -actual bajista de la banda-, teníamos 14 años cuando le compramos nuestras primera guitarras a un tío, que tenía una tienda de instrumentos. Él nos regaló nuestros primeros vinilos de blues y eso era todo lo que teníamos para escuchar. ¡Nosotros no éramos chicos londinenses de Camden Town!  En la radio, lo único que escuchabas era esa mierda de Coldplay, así es que no tuvimos muchas opciones.

-¿Qué recuerdas de esa época en que tocaban blues en bares?

-Nos sirvió para afiatarnos como banda. Recuerdo una gira que hicimos por Bélgica y Holanda: el público era de la vieja escuela del blues, muchos usaban esos sombreros de copa baja y bigotes frondosos. ¡Me pedían que tocara la guitarra con los dientes, que hiciera piruetas con ella! Y nosotros empezamos a tocar nuestro material nuevo y nos querían sacar a patadas. ¨Eso no es blues¨, nos decían. ¨¡Eso es rock n´roll!¨. Y vaya si lo era.

-Pero tocado como si fuera blues...

-¡Exacto! Obviamente, lo nuestro es mucho más potente que el blues de  armónica. Sin embargo, el espíritu del blues sigue dentro de nosotros. -Cuando se separaron, los rumores apuntaron a un supuesto autoritarismo tuyo…-No es verdad. Nos separamos porque estábamos muertos de cansancio, exprimidos. No fuimos capaces de componer una sola canción para lo que se suponía iba a ser nuestro segundo disco. Prueba de ello es que estamos de vuelta casi con la misma agrupación.

-¿Que pasó con Charly Coombes, el tecladista? (hermano de los  Supergrass, Gaz y Rob)

-A Charly lo reclutamos para la grabación de nuestro primer álbum, pero nunca fue uno de los nuestros desde el principio. Para este segundo álbum, llamamos a Dan, un viejo amigo del barrio, a hacerse cargo de la segunda guitarra. Yo prefiero tocar entre amigos.

-¿Que te parece que los hayan comparado con los Rolling Stones?

-Exagerado, obviamente. Como todo lo que escriben las revistas de música inglesas.

-¿Qué piensas del discurso ecológico y de paz en el mundo de bandas como U2 o Coldplay?

-Que es una mierda.

-En algunas entrevistas has dicho que odias tu voz…

-La detesto. Ojalá existiera una operación para cambiarla.

-¿Qué es lo mejor y lo peor de estar en una banda?

-El dinero,¿no? No tenemos que trabajar para ganarnos la vida. Y las chicas. ¿Lo peor? El desgaste. Aún no me explico como los Rolling Stones siguen vivos. Cuando vuelva a Inglaterra visitaré a sus doctores.

-¿Cómo toman en tu familia el hecho de que estés en una banda?

-Mi madre estaba decepcionada al principio, pero  al menos todavía me llama.

-¿Qué bandas de hoy te gustan?

-Soy fan de Smog (Bill Callahan), y Beach House. Nada más.

-¿Qué sabes de Chile?

-Poco y nada. Leí sobre los mineros y conozco a Zamorano y Salas. ¡Esos tipos si que eran una buena dupla! Me encantaría ir a Sudamérica. ¿Tienes contactos para llevarnos allá?

(Mauricio Palazzo. Tokio, Japón)

El director chileno, ganador del Goya español a la mejor película hispanoamericana por La Vida de los Peces, habló con Rollinga.

-En un diario español hablaste del buen momento del cine latinoamericano…

-Sí, creo que se están haciendo buenas películas. El problema es que en Europa se conocen poco porque no hay demasiada distribución. Y, además, sufrimos de un problema grave: la escasa difusión en los países de origen. Pasa en Chile, pero también en México o la misma España. Las películas gringas acaparan todo. A veces, las mismas películas las dan en 2D, 3D, dobladas. No hay muchos lugares disponibles.

-¿Cómo ves el cine chileno actual?

-Siento que hay buenas películas y una buena generación. No soy de apoyar el cine chileno sólo por apoyarlo, pero se están haciendo buenas cosas. Me gusta mucho el trabajo de Andrés Wood, es un director sólido y que filma con calidad en forma regular.

-Hace unos meses, Raúl Ruiz alabó tu trabajo. Es más, fuiste el único cineasta que recordó…

-Es un honor. He estado con él en algunos festivales y es un tremendo director. ¿Si me ha dado consejos? Más que nada, hemos tenido conversaciones. Tiene un tremendo sentido del humor y es alguien de quien puedes aprender siempre.

-Quizás lo más interesante de tu cine es que has hecho una carrera de autor sin pensar en el efectismo. ¿Lo ves así?

-Para mí, la autoría es fundamental. No hago películas porque espero premios, una cierta cantidad de espectadores o las alabanzas de la crítica. Hago el cine que me gusta y, en lo posible, quiero que la vea la mayor cantidad de personas. La historia que cuento me tiene que gustar. Si es así, todo bien.

-¿Qué se viene ahora para la película?

-Desde que estrenamos en Venecia en septiembre no he parado. He recorrido diez países y he estado una semana en Chile. Este primer semestre tengo que acompañar la película en varios lugares, pero me gusta viajar y lo disfruto porque no está la ansiedad previa al estreno. Me dedico a pasarlo bien.

Con un nuevo disco, Write About Love, recién estrenado, el músico escocés habla de las dificultades económicas que genera el rock independiente y asegura que, en poco tiempo más, estará en Chile. “En unos dos años más”, dice.

“¿Qué hacen aquí todos sentados?”, pregunta con su voz amable Stuart Murdoch, líder de Belle and Sebastian, a algunos periodistas que lo esperan a la salida de un concierto.

La sencillez de Murdoch es abismante y contrasta con la compleja y delicada tela de arreglos de sunumerosa banda. Accede sonriente a tomarse una foto grupal y se sorprende cuando le piden un parde autógrafos. “¿De verdad lo quieres?”, bromea. Con una cerveza en la mano y un sombrero en lacabeza, se anima a un breve y relajado diálogo.

El rubio cantante no puede ocultar su sorpresa por lo que ocurrió hace unos meses en Chile, donde repletó el teatro Caupolicán y, la mayoría del público coreaba sus canciones.“Es impresionante. Habíamos recibido muchos mails, pero no imaginamos que era tanta gente quenos conocía en Chile. Ese lugar es maravilloso. Esta cantidad de personas es la misma para la que tocamos en Glasgow o Nueva York. De verdad hay un público en tu país”, dice con candidez.

Claro, Belle & Sebastian no es un grupo de giras largas. Ni siquiera de muchos conciertos. Esta visita Latinoamericana ocurrió casi de casualidad. El sello Matador celebró hace poco 21 años en un casino de Las Vegas. Juntó a las grandes estrellas de su catálogo en un gran show, con Guided By Voices, Pavement, Sonic Youth, Yo La Tengo y los escoceses. Una verdadera convención indie que encendió la llamita para que productores de Brasil. Argentina, Colombia y Chile se animaran a prolongar su visita hacia el sur.

Murdoch se tomó la propuesta como algo gratis. Como un regalo para su trayectoria de 15 años. Habían estado en Brasil y sabían que el público era acogedor, que en este continente podían cobijarse por un rato del vendaval que tienen en casa. Ese que más allá de los lanzamientos (“Writeabout love” acaba de ser editado) y los palmoteos en la espalda de la crítica, recuerda que siguen siendo una banda de nicho y los obliga a mirar la cuenta bancaria cada tanto. Sobre todo cuando llevaban cuatro años sin conciertos en vivo, viajan con ocho músicos estables y requieren de un cuarteto adicional de cuerdas para sus shows.

“Está difícil. No se venden muchos discos por estos días. De hecho, regresando a Glasgow, estoy pensando en buscarme otro trabajo. Estamos todos en la misma. Es lo que pasa cuando tienes una banda tan grande como Belle and Sebastian. Somos muchos músicos y, la verdad, no alcanza. Además no somos una banda que lleva mucho público”, cuenta Murdoch.

-¿Es por eso que en sus shows buscan que el cuarteto de cuerdas sea local?

-Sí, es más barato. Pero además nos permite conocer a otros músicos y empaparnos con la música de cada lugar. Es un ejercicio interesante, porque el resultado no es igual en todas partes. También pasa con los teloneros. En casi todas partes nos han tocado grupos que tocan muy fuerte, con mucha guitarra. En Chile fue distinto. Tenían muchos arreglos. Me llamaron la atención los vientos. Eso habla mucho del lugar en que estás.

-También por esa misma razón de economía es que el tour sudamericano fue tan acotado (cuatro conciertos en cinco días).

-Sí, lamentablemente no nos permite más. Tampoco podemos conocer mucho las ciudades como quisiéramos. En Santiago apenas dimos unas vueltas en metro por el centro, pero no alcanzamos a hacer mucho más.

-¿Habrá segunda vez para Santiago?

-Teníamos muchas ganas de venir antes, pero ya sabes, lo del dinero es complejo. No es fácil para una banda como nosotros. Pero creo que volveremos. En unos dos años más es muy posible, quizás con un nuevo disco. (Daniel Aravena)

Este 5 y 6 de noviembre Manuel García lanzará oficialmente su disco S/T en el Teatro Teletón. El show, donde habrán varios músicos invitados, promete.

Rollinga regalará entradas para quienes posteen con nombre, apellido y un mail válido. A continuación, cinco preguntas al cantautor en la previa de tan magno evento.

1.-¿Cómo ha sido este año con giras al extranjero a mostrar tu música?

-Es dar un salto y estar preparado para un nivel de responsabilidad mayor. A nivel administrativo es también un trabajo más fuerte, porque los conciertos requieren un gran trabajo y todo debe salir bien. Han sido meses de harto viaje y poco sueño, pero tenemos la fortaleza y el ánimo necesario para alimentar nuestra energía. Ahora, además, debo cuidar mi dieta. Comer bien y tomar agua, mucha agua.

2.-Con este nuevo disco tu público creció. ¿Cómo ves esta masividad?

-Lo esperaba. Es un fenómeno que tiene que responder con la fidelidad de un cierto tipo de música. Hay una buena sensación en el grupo de saber que vamos siempre creciendo y tratamos de no repetirnos y ofrecer siempre una variedad de cosas para incluir a más gente.

3.-¿Cuánto te ha servido trabajar con Carlos Fonseca, el ex manager de Los Prisioneros?

-Muchísimo. Multiplica las operaciones, está preocupado de aceptar o reprobar los ofrecimientos. Me sirve como consultor estético de mis canciones y tiene una experiencia y manejo a nivel de industria que es fundamental. Además, nos llevamos muy bien.

4.-¿Qué música estas escuchando?

-Un adelanto de un disco de una chica que hace los coros con Angelo Pierattini (Daniela Stevenson). Harto Judy Collins, Arctic Monkeys y los discos románticos italianos de los 80.

5.-¿Qué se viene en los próximos meses?

-Nos vamos de gira a México durante todo el mes y después descansamos en diciembre. En el verano, tenemos la idea de hacer una gira por Chile en teatros. Ojalá se pueda lograr.

Ganadores de entradas simples:

Fátima Castro

Marlene Reyes.

Las entradas son para el show de hoy y sus nombres estarán en una lista en la entrada.

Fotos B/N: Jacklesage.

Ganador de un Oscar y uno de los músicos latinoamericanos más sobresalientes, en su nuevo disco, “Amar la Trama”, Jorge Drexler cambia el juego. Deja la melancolía y la reemplaza por la luminosidad. Aunque la calidad se mantiene como primera virtud. El viernes y sábado toca en el Caupolicán a las 21.00 horas.

En Madrid, la ciudad a la que llegó hace quince años en el anonimato y que ahora lo tiene como uno de sus habitantes ilustres, Jorge Drexler se siente complacido.  Recorre sus calles en bicicleta, sale a comer con su mujer, la actriz Leonor Watling, y la gente le pide autógrafos o le grita para apoyarlo. “Soy un agradecido de la vida, me ha dado mucho más de lo que merezco. Tengo un nivel de exposición mediática justa y necesaria para un artista”, dice desde la capital hispana.

A base de talento y sensibilidad, Drexler es uno de los músicos sub 40 más importantes de Latinoamérica.  Con referentes de su natal Uruguay como Eduardo Mateo y Jaime Ross más pizcas de Caetano Veloso y Luis Alberto Spinetta, el charrúa se hizo cantante por casualidad. Mientras estudiaba medicina en Montevideo -la misma carrera de su padre- grabó unas canciones. Se las mostró a un par de amigos, quienes encantados empezaron a traspasarlas de boca en boca hasta que se produjo la bola de nieve con consecuencias inevitables: dejó la universidad y se dedicó a la guitarra y a las palabras ante la molestia familiar. Ese fue el inicio. Luego, la historia es más o menos conocida. Se radicó en España, fue popular e, incluso, obtuvo un Oscar por el tema “Al Otro Lado del Río”, compuesta para el filme “Diarios de Motocicleta”. “El Oscar no me marcó, pero me ayudó a poner mis discos en muchos países”, cuenta.

Si su anterior álbum, “12 Segundos en la Oscuridad” (2006), fue un bellísimo retrato de desamor y ruptura, su nueva obra, “Amar la Trama” (2010), exhibe la otra cara: ahora es luminoso y optimista. Las razones son claras. Antes, venía saliendo de una dolorosa separación y, en la actualidad, vive con su nueva mujer y su pequeño hijo Luca. “Todos mis discos arrancan desde dudas personales, desde el amor y la oscuridad. Es cierto que hay mayor optimismo, pero también creo que la felicidad es un estado muy relativo. Un ser humano pasa de momentos de gran alegría a una melancolía profunda. Lo que quise mantener fue un tono emocional y espero que se haya logrado”, afirma.

-Pese a tus años en España, el disco mantiene ese pulso uruguayo con milongas y candombe. ¿Es difícil olvidar los orígenes?

-Los orígenes se llevan a todas partes y son una especie de misión. Aunque este disco no fue hecho con la intención de identidad por mi país. Para mí, es el menos uruguayo de todos. Quise que tuviera el sonido de Madrid y me preocupé mucho de las palabras. Pero parece que no lo logré (risas).

-¿Por qué crees que tus canciones se han hecho populares en los últimos cinco años?

-No tengo idea. Ese es uno de los grandes enigmas. Siempre que hago conciertos en Argentina, Chile o cualquier lugar y la gente conoce las letras, me toma por sorpresa. Más que nada porque pocas veces escucho mis temas en las radios. ¿Cómo se difunde mi música? Creo que es por el boca a boca.

-En “12 Segundos…” hiciste un cover de Radiohead y has contado que te gusta Beck. ¿Qué grupos de rock escuchas?

-Si me gustara solamente música de mi estilo, sería un tipo aburridísimo. Escucho Massive Attack, Portishead, unos brasileños que se llaman Little Joy, Los Beatles que son imprescindibles, un chileno desconocido y muy talentoso que se llama Javier Barría y Gepe.

-¿Cómo lo haces para trabajar?

-Trato de trabajar en las mañanas porque mi cerebro tiene mayor agilidad mental. Aunque no tengo rutinas. A veces, tengo que llevar al colegio a mi hijo y otras me acuesto muy tarde. Soy una persona que ha sacrificado la periodicidad en la vida. No importa si es sábado o domingo. Todos los días puedo trabajar o descansar. En eso me parezco a los periodistas. (Felipe Rodríguez C.)

La actriz de la película peruana que retrata los años de la violencia guerrillera en su país y que ganó el Oso de Oro en el festival de Berlín, habla sobre el personaje que la hizo famosa, recuerda su experiencia en la premiación de los Oscar (fueron nominados a mejor película extranjera) y describe su devoción por Judas Priest.

-¿Cómo hiciste para preparar tu personaje?

-Me preparé unos seis meses antes de hacer la película. Era bastante fuerte porque Fausta estaba en el vientre materno cuando su madre fue violada y su padre asesinado. Y son dos campesinos. Empecé a componer canciones para la película y a investigar con mujeres reales que habían sido víctimas de maltratos y abusos.

-¿Y qué descubriste?

-Muchas cosas. Fue muy triste porque hablé con señoras que son mayores que mi madre y cada una de ellas, llevaba algo de Fausta. Tenían miedo y el trauma de no poder hablar y decir lo que pensaban. Tenía que hablar con ellas en quechua para que tuvieran confianza en mí. Un día, viendo el canal “Animal Planet” para relajarme, vi movimientos de animales como el tigre, las palomas y el hipopótamo y encontré a Fausta. Como ella, los animales no hablan y sólo miran. El hipopótamo, por ejemplo, tiene una mirada muy intensa y es muy lento de movimientos. Igual que Fausta, que por tener miedo no es muy proactiva.

-¿Qué recuerdas del día que ganaron el Oso de Oro en el festival de Berlín a la mejor película?

-Cuando ganamos en Berlín, lloré de la emoción y gritaba como una loca. Me puse a hablar en quechua, algo que nunca nadie había hecho en ese escenario. En un momento, levanté la vista y la gente sólo escuchaba y algunos se pusieron a llorar, aunque no entendían nada. Hasta canté un tema dedicado a todas las mujeres de la sierra que me apoyaron en todo momento. Fue increíble”, dice.

-Leí que fue triste para ti no haber conocido a tu ídolo, Clint Eastwood…

-Eso fue en los Oscar. Me moría por conocerlo porque él es mi dios como actor y director. Pero no fue y quedé triste. Estaban casi todos los actores de Hollywood esa noche. Me acuerdo que me impactó mucho Maggie Gyllenhaal, la protagonista de “La Secretaria”, que me gustó mucho. Quise sacar unas fotos y no me dejaron. Y tienen guardaespaldas que se ponen encima y no puedes ni mirarlos. Es terrible

-¿Tienes previsto venir a Chile?

-Nadie me ha invitado y ojalá lo hagan porque iría feliz. Te cuento algo: fui en 2006 a Chile a ver a Rob Halford, el cantante de Judas Priest, que es uno de mis grupos favoritos. Me fui con diez amigos en bus desde Lima a Santiago. El concierto fue alucinante y lo pasé genial. Me encantó Santiago porque es súper organizado. Los autobuses respetan los paraderos y a los peatones. El único problema es que ustedes hablan demasiado rápido. No les entendía nada. (Felipe Rodríguez)