Cuando hace unos cinco años, Isobel Campbell, la ex violonchelista de Belle and Sebastian y ex novia del líder de esa banda, Stuart Murdoch, se unió al ex Screaming Trees, Mark Lanegan, las sospechas fueron rápidas: parecía la versión del siglo XXI entre la dupla que en los ‘60 conformaron Nancy Sinatra y Lee Hazlewood. La dulce y la bestia.  Ambos eran reconocidos por su carácter difícil y pocos creyeron que se llevarían bien en estudio.

Sin embargo, el tiempo parece haberle dado la razón al dispar dúo y la muestra de aquello es “Hawk”, tercera colaboración de esta pareja y donde más que develar distancias se demuestra su admirable fiato.

El disco es un verdadero ejemplo de que los polos opuestos se atraen, con una propuesta que reúne lo mejor de ambos mundos: la etérea dulzura de Campbell, quien se pasea por una gama que va de la ternura a la sensualidad, gracias a un registro que encuentra en su aparente timidez lo necesario para destacar en forma precisa junto a la rasposa y profunda voz de Lanegan.

Se trata de un álbum que rescata sonidos de antaño con evidente admiración por la tradición musical americana. Porque ya sea gospel, blues, folk o country, el dúo presenta grandes interpretaciones donde, más allá del buen sonido logrado, destaca el gusto por la música y sus héroes, muchos de ellos “olvidados”.

Así, a lo largo de sus 13 temas se cuelan aires que van desde James Brown a Roy Orbison, pasando por Nancy Sinatra, Richard Hawley o el dúo formado por Johnny Cash junto a June Carter así como la colaboración del ex guitarrista de Smashing Pumpkins, James Iha.

Porque “Hawk” tiene eso que muchas veces falta en la música: verdadera entrega y genuino convencimiento. Algo que dista mucho de querer verse ondero, darle a las notas correctas o lograr el rasgueo imposible. (Alejandra Zúñiga)

Tracklist:

1.- We Die And See Beauty Reign
2.- You Won’t Let Me Down Again
3.- Snake Song
4.- Come Undone
5.- No Place To Fall
6.- Get Behind Me
7.- Time Of The Season
8.- Hawk
9.- Sunrise
10.- To Hell & Back Again
11.- Cool Water
12.-Eyes Of Green
13.- Lately

En uno de los retornos más esperados del año, The Coral mantiene en su nuevo disco, Butterfly Hose, su sello característico: canciones de vuelo rasante, donde la sicodelia juguetea cómplice con las baladas folk y se resume la mejor tradición guitarrera de Liverpool. Como siempre, una banda para ir a la segura.

Cuando le preguntaron a James Skelly, el líder de The Coral, sobre la inspiración de su nuevo disco, Butterfly House, su respuesta fue inmediata: “el cine, la comida y los asados”. Irónico, el cantante puede estar satisfecho. El grupo acaba de estrenar uno de sus mejores álbumes. Como The Beta Band, Grandaddy y los reformados 22-20’s, The Coral pertenece a una raza extraña: ese tipo de bandas capaces de crear canciones conmovedoras y melodías orgullosas de su personalidad, pero que jamás consiguen ser de impacto masivo.

Sin el guitarrista Bill Ryder-Jones, retirado por decisión propia tras su anterior álbum, Roots and Echoes (2007), y con la producción de John Leckie, un veterano hechicero detrás de discos de Lennon, The Stone Roses, Radiohead, Pink Floyd y The Verve, entre otros, el combo de Liverpool recae en sus mismos vicios: canciones inspiradas en 1965, que mantienen la tradición guitarrera impuesta por Los Beatles y que están diseñadas a partir de una sicodelia sutil, a medio camino entre el vuelo y la tierra.

En 18 canciones, la banda repasa la mejor tradición armónica de su ciudad. Aquí sobrevuelan las guitarras envolventes de Shack, la inocente dulzura de La’s y la belleza lunática de Echo and the Bunnymen. Sin olvidar, por cierto, a los mayores popes del pueblo: Los Fab Four. Siempre con los ’60 como fetiche sonoro, recrean a The Shadows con Walker Brothers -More than a Lover-, imprimen las baladas ensoñadoras de McCartney -Walking in the Winter- y recuperan los tonos cristalinos de The Byrds -Two Faces-.

Quizás nunca logren la fama que se merecen. Pero da lo mismo. The Coral es de esos obreros de buen gusto y elegancia suprema que siempre serán una bendición. Dignos, altivos y emotivos, continúan despachando gemas atemporales y directas al corazón. Son de los más grandes, aunque, hasta ahora, sólo sean un secreto de pocos. (Felipe Rodríguez C)

Tracklist:

1.- More Than a Lover
2.- Roving Jewel
3.- Walking In the Winter
4.- Sandhills
5.- Butterfly House
6.- Green Is the Colour
7.- Falling All Around You
8.- Two Faces
9.- Shes Comin Around
10.- 1000 Years11.- Coney Island
12.- North Parade
13.- Into the Sun
14.- Coming Through the Rye
15.- Dream In August
16.- Another Way
17.- Circles
18. 1000 Years (Acoustic Version)

Un disco iluminado por las sombras de su familia y su vida personal, Rufus  nos entrega un trabajo valiente y melancólico, una  música incrustada en el corazón de la confesión de un piano desnudo con su voz.

La emoción transmitida por estas doce canciones nos vuelve a abrir los ojos ante el talento de este gran artista cuya música compleja y llena de virtuosismo llama a detenernos un momento y prestarle una atención especial a este disco. El sexto de estudio, es quizás el más desprovisto de todos, sin los arreglos operáticos de siempre, Wainwright arma con su voz y el piano un homenaje a su madre muerta.

Canciones como “Who Are You New York”, “ Martha” o “The Dream” muestran un momento diferente en la música y en la vida del canadiense. El cáncer y el final de su progenitora son un fantasma que recorre este álbum en canciones que tocan su esencia en la tristeza y la frustración del compositor; delicados gritos que encuentran su lugar en el dolor para luego converger en la aparente sencillez de una voz privilegiada: un arma potente en las manos correctas, que intenta despojar al autor de sus demonios para dejarlo avanzar por veredas más reconocibles.

En términos musicales, una obra diferente a lo que nos tiene acostumbrados Rufus, un cuadro íntimo que no se deja ver fácilmente. La respuesta a la vida con la que el compositor intenta mantenerse conectado y a flote, una respuesta, en definitiva, para evitar su silencio. (Rodrigo Morales)

Tracklist:

1.-Who Are You New York?
2.-Sad With What I Have
3.-Martha
4.-Give Me What I Want and Give It to Me Now!
5.-True Loves
6.-Sonnet 43
7.-Sonnet 20
8.-Sonnet 10
9.-The Dream
10.-What Would I Ever Do With a Rose?
11.-Les Feux D’Artifice T’Appellent
12.-Zebulon

Es difícil saber si este disco los hará más populares, con su melódico encriptamiento cubriendo los rincones que Boxer, su anterior y celebrada entrega, no exploró. Si bien High Violet no llega con la potencia del predecesor, es indudable que su arropado sonido fluye con más certeza aquí; porque aquellos rasgos que sólo se escuchaban con aplomo de vez en cuando en discos como Alligator o Sad songs for dirty lovers (y que explotaron llenos de colores y pirotecnia sentimental en su anterior entrega), acá se asientan con más delicadeza y detalle.

No parece haber espacio para concesiones en The National y la expresividad oscura y melódica en Terrible love, está ahí para dejarlo claro desde el comienzo. Ahora bien, si en High Violet no hay singles a la altura de Mistaken for strangers, a lo largo de todo su metraje subyace la apuesta de un grupo inquieto, que sigue buscando en su caja de herramientasa a pesar de estar tan apegados a su estilo.

El quinto de estudio para estos amigos de Cincinnati, Ohio, hogar del ilustre Prince, muestra a un Matt Berninger más contemplativo en sus fraseos, no parece sentir necesidad de esos arranques endemoniados que a veces despachaba su garganta (basten los temas Mr. November o Slipping husband como ejemplo). El matiz llega por otro lado, como pasa con con las guitarras que protagonizan Lemonworld, justo antes que la sección rítmica vuelva a tomar las riendas y despeje el camino para The Clogs y Anyone’s ghost, tal vez, una de las piedras preciosas de este esperado cofre sonoro.

Tracklist:
1.-Terrible Love
2.-Sorrow
3.-Anyone’s Ghost
4.-Little Faith
5.-Afraid of Everyone
6.-Bloodbuzz Ohi
7.-Lemonworld
8.-Runaway
9.-Conversation 16
10.-England
11.-Vanderlyle Crybaby Geeks

Originarios de Denton, Texas, Midlake es una banda formada en 1999 y que cambió su sonido desde el funk y el jazz hacia un folk más tradicional y cuasi sicodélico. En este camino nos emocionan con su último disco, The Courage of Others: un álbum que trae la simpleza de poderosas poesías, así como promesas de buena música en una muestra de lo que se puede hacer cuando se tienen ideas claras.

Este larga duración de melodías encantadoras y una virtud absoluta en sus composiciones, es una muestra de una maravilla del folk norteamericano que arropa y arroja melodías envidiables y armonías seductoras, música tranquila que te hace una gran compañía, trazando un camino que va a través de la naturaleza más desnuda hasta la armonía más simple a la que el hombre puede aspirar.

Si bien aquí no hay mucha variedad en las canciones, éstas contienen un pesos específico que las sostiene. Se trata de creaciones sólidas que le dan fuerza al disco, reafirmándolo como una gran obra musical donde se destacan joyas como Winter dies o The horn.

En general, un viaje reconfortante es el que comandan estos tejanos; un viaje sencillo pero de grandes detalles, facturado por sensibilidades que alegran y emocionan el espíritu. (Rodrigo Morales)

Traclist:
1.- Acts Of Man
2.- Winter Dies
3.- Small Mountain
4.- Core Of Nature
5.- Fortune
6.- Rulers, Ruling All Things
7.- Children Of The Grounds
8.- Bring Down
9.- The Horn
10.-The Courage Of Others
11.-In The Ground

Corría 2004 y en el backstage de Roskilde, conocido festival danés, dos respetados músicos ponían la piedra fundacional de lo que años más tarde sería una exitosa colaboración.

Eran James Mercer, vocalista y guitarrista de The Shins, y Brian Burton, más conocido como Danger Mouse, mitad creativa de Gnarls Barkley y productor de discos como Demon Days de Gorillaz, Modern Guilt de Beck y Dark Night of the Soul, junto al recientemente fallecido Mark Linkous (a.k.a. Sparklehorse). Entre mutuas alabanzas, ambos artistas decidieron unirse bajo el nombre de Broken Bells, dúo que lanza ahora su primer trabajo homónimo.

¿El resultado? Un álbum que deambula por aguas menos seguras de lo imaginado y que conserva lo que sus creadores saben hacer mejor sin transformarse en una continuación obligada de sus carreras. Broken Bells ofrece una interesante alquimia donde lo vintage y lo moderno, el pop folk y la electrónica, son ingredientes fundamentales.

The High Road abre el disco con un tema de corte clásico que incluye progresivos guiños electrónicos cercanos a Air y toda aquella escuela francesa. Una elegante mezcla con la que esta canción, elegida además como primer sencillo, da inicio a un variado viaje galáctico caracterizado por la suma de sus dos partes y la evidente gana de “experimentar”.

Con puntos más altos que otros, se trata de una interesante mezcla de guitarras, sintetizadores, órganos y hasta voces de coro, donde es posible ver al propio Sergio Leone dirigiendo uno de sus clásicos spaghetti western musicalizado por Ennio Morricone (Mongrel Heart).

Destacan además Your Head on Fire, uno de los más espaciales cortes emparentado con Flamig Lips o Spiritualized; The Ghost Inside, de esencia más funky y bailable donde Mercer hace gala de una atractiva y aguda voz, y October, redonda mezcla de pop y electrónica que no dejará indiferente a nadie. (Alejandra Zúñiga)



Tracklist:

1. “The High Road”
2. “Vaporize”
3. “Your Head Is on Fire”
4. “The Ghost Inside”
5. “Sailing to Nowhere”
6. “Trap Doors”
7. “Citizen”
8. “October”
9. “Mongrel Heart”
10. “The Mall and Misery”

Un dúo formado por el líder de los Fother Muckers, Cristóbal Briceño, y Andrés Zanetta. Folk cuasi casero que fue lanzado oficialmente el jueves 31 de enero en Cine Arte Alameda.

En “Al Cine Solo”, Cristóbal Briceño dice todas las cosas que le gusta hacer en solitario: leer el diario, escuchar discos y, obvio, ir al cine en compañía de sí mismo. Luego en “Tarde Muy Tarde”, señala que tiene mil cosas pendientes, pero que le da lata hacerlas. Pequeñas odas al tiempo libre, una suerte de elogio a la pereza.

Ese es el espíritu del segundo disco para descarga de la banda de Briceño y Andrés Zanetta, Reconoceronte. El que sigue al aún más pastoril, Ándate Cabrita, uno de los trabajos más interesantes de 2008. Si las abuelas decían que el ocio es la madre de todos los vicios, deberíamos asegurar que en el caso de esta versión de The Postal Service en clave Tierra Adentro, es la madre de todas sus virtudes.

Reconoceronte brilla mientras menos elementos presenta, hace de los arreglos minimalistas y la reiteración de sus líricas su mayor logro, el que alcanza su cima en “Pastor de Elefantes”, una especie de mambo altiplánico que tiene más sinceridad, novedad y frescura que la mayor parte de los rimbombantes cultores del neo folclore descafeinado de fines de década.

Es en Los Mil Jinetes donde se nota el retiro vivencial del vocalista de Fother Muckers en San Carlos, octava región, porque a la larga estamos en presencia de un disco de provincias, con relecturas lisérgicas a Juan Gabriel o Los Ángeles Negros en “Terminal”, “Luna de Día” o “No Puedo Dejarla Pasar”. Electrónica de bolsillo, nostalgia no empalagosa y ese ritmo cansino que hay fuera de las grandes ciudades. Un pequeño buen disco. Lo que hace el ocio. (Vadim Vidal)

Debe sonar cliché y algo vulgar, pero el título Power no es aleatorio cuando se trata de un disco publicado por Boys Noize. Es difícil encontrar en la música electrónica un proyecto potente y directo como este invento del alemán Alexander Ridha. Tanto en su debut Oi Oi Oi (2007), como en este segundo disco, Boys Noize logra para los seguidores del nu-rave y el electro ese mismo efecto que le producía a los rockeros escuchar a Accept o Slayer.

Sonido directo a la vena, kilos de watts genéticamente intervenidos y batatazos de beats en pleno rostro. Eso se siente con Starter –perfecto para poner a prueba tus parlantes- y con Sweet Light –. ¿Influencias? Desde el sonido industrial de sus compatriotas KMFDM hasta la robótica de Daft Punk y con similitudes a Justice, Crystal Castles, The Presets. Con apenas 26 años, Boys Noize se ha hecho famoso a dos bandas: con sus discos de material inédito y con las remezclas que ha realizado para Bloc Party, Depeche Mode, los mismos Justice y Feist.

Nacido en Hamburgo pero viviendo hace rato en Berlín, Alexander Ridha se suma a la notable cantidad de productores alemanes que están influyendo con fuerza en la electrónica mundial. Basta hacer un repaso rápido y aparecen nombres como Steve Bug, Phonique, Michael Mayer, Digitalism, Vincenzo, Paul Van Dyk, Sven Väth, Booka Shade y DJ T. Una clara demostración de que en ese país europeo se cuecen habas. Y en grande. (Rodrigo Guendelman)

30.- XTRMNTR / Primal Scream (2000)

Es un disco que inicia el periodo revisado de la mejor manera, volándote la cabeza y haciendo que no pares de oírlo. Durante los 64 minutos de duración de XTRMNTR (Astralwerks), los muchachos de Primal Scream bajo el mando de Bobby Gillispie nos entregan un crisol de estilos en dosis justas, que nos permiten disfrutar del mejor rock&roll, electrónica en clave house o hip hop en ácido. Letras incendiarias, políticamente incorrectas y contestatarias. Mención aparte merecen los acordes del guitarrista Kevin Shields, quien aporta su cuota shoegaze a un par de temas y el remix de Swástica Eyes en manos de los Chemical Brothers, (la conexión pareciera ser los químicos, pero que más da). XTRMNTR es el punto de inflexión entre Vanishing Point (Reprise, 97) y Evil Heat (Sony, 02), y donde los Primal Scream hurgan en lo mejor de la historia de la música, pero corrompiendo y degenerando no sólo estilos, sino que también formas y tópicos en sus letras. XTRMNTR es como un buen vino elaborado, quien mientras más envejece, mejor sabe, permitiendo disfrutar de todas sus características en cada sorbo.

29.- Sunshine Hit Me / A band of Bees (2002)

¿Cómo será la vida en la Isla de Wight? Dicen que mucho viento, árboles y acantilados, ah, y abundante marihuana. Lo cierto es que semejantes antecedentes fueron confirmados por estos herederos del mejor pop psicodélico del que se tenga memoria, eso sí, alivianado y agilizado con inventiva juguetona, riqueza en los arreglos y un gancho detrás de otro. Rock, reggae, indie, jazz y hasta un cover (A minha Menina, de Os Mutantes), se diseminan con soltura también a través de Punchbag, Angryman y No Trophy. Originalmente llamados The Bees, tuvieron que cambiar su nombre para el mercado yankee por un entuerto de derechos, sin embargo, eso no ha mermado una carrera que ya suma tres discos grandes y sólidos. Por favor, bájalo antes que se termine el verano.

28.- Kish Kash / Basement Jaxx (2003)

Demoraron diez años en conseguir una obra incendiaria, pero más vale tarde que nunca. Kish Kash, es el tercer disco del dúo house formado por Simon Ratcliffe y Felix Buxton y acá presentan contribuciones de Dizzee Rascal, Me’Shell NdegeOcello, JC Chasez y Siouxsie Sioux. ¿Qué consiguieron? un disco bailable pero a la vez lleno de potencia. Aquí no hay ritmos ingenuos, acá hay balazos, fuegos artificiales y clubes en llamas a causa de los martillazos de cada uno de sus temas. El post-punk convertido en caleidoscopio.

27.- Sonic Nurse / Sonic Youth (2004)

Una de las bandas fundamentales del noise estadounidense. Formados en 1981, Sonic Youth dio vida en el 2004 a su disco número 14 y uno de los mejores de su carrera. Y es que tras más de 20 años ininterrumpidos haciendo música, la banda que decidió experimentar y tocar la guitarra con lo que encontrara por delante, como baquetas y destornilladores, da vida a un álbum que une la distorsión característica de la agrupación -con suaves bajos y guitarras que juegan con atmósferas y alternancias rítmicas-, junto a un sentido de la melodía más tradicional. Esto dio como resultado un álbum que no se entrampa en su propia dificultad y que junto a Dirty (1992), es uno de los más accesibles de su carrera. Una placa que prueba la vigencia del trío Moore-Ranaldo-Gordon, esta última saca aplausos con su característica voz poco melódica, en temas como Pattern Recognition, que abre el disco, o Dude Ranch Nursey, los que junto a Stones o Dripping Dream, forman parte de un imprescindible para los últimos diez años.

26.- I’ll be lightning / Liam Finn (2008)

El hijo menor de Neil Finn (nacido en Melbourne pero criado en Nueva Zelanda), no podía escapar a una carrera musical y fundó cuando todavía era un adolescente una banda llamada Betchadupa. Así hasta que le creció la barba y quiso alejarse de Nirvana como inspiración; su padre lo alentó a buscar su camino y el año pasado se despachó un disco que de inmediato llamó la atención de los medios. La revista Rolling Stone lo calificó como uno de los diez artistas para tener en cuenta la próxima década, porque aún bajo la fórmula pop, el hombre consigue no sólo imprimirle su sello sino que además ir un poco más allá al definir un camino de experimentación en temas que siempre tienen ganchos y giros intimistas. Liam toca todos los instrumentos y en vivo suele hacerse acompañar por una vocalista. Y cuando decimos todo, es todo. Lo usual es verlo tocar acordes de guitarra y dejarlos suspendidos en el aire repetitivamente, antes de ir a sentarse frente a la batería. El hombre orquesta del siglo XXI.

25.- Fire in Distant Buildings / Gravenhurst (2005)

Gravenhurst es el vehículo musical para el compositor y productor Nick Talbot, oriundo de Bristol, Inglaterra. Con su tercer álbum consiguió facturar una deliciosa tajada de pop atmosférico agregándole algo más de impronta rock a su estilo. Capaz de evocar sensaciones y recuerdos en sus progresivas lìneas de batería y guitarra, y a medio camino entre algo luminoso y oscuro, The velvet cell y Nicole son dos tracks que están entre lo mejor que ha producido la música inglesa en el último tiempo.

24.- Poses / Rufus Wainwright (2001)

Se encerró en el mítico hotel Chelsea de Nueva York (nido de artistas y taquilla, pero la de verdad), para buscar inspiración y poder fumar crack tranquilo. El genio decsubierto por el legendario productor de los Beach Boys, tenía por delante la difícil tarea de superar el bombazo que significó su debut homónimo, y estuvo cerca. El canadiense consigue ampliar su paleta de colores con una intensidad pop notable, siempre rellenada con una impronta clásica y teatral que en este caso incorpora elementos sintéticos. Menos íntimo, siempre poderoso, detacan Poses, Rebel Prince y Greek Song. El trabajo de un joyero.

23.- Chaos and Creation in the Backyard / Paul McCartney (2005)

Uno de los mejores discos en la carrera solista de McCartney emergió cuando pocos creían en la sorpresa. Una obra de arte melancólica y reflexiva donde el ex beatle respira bajo la producción de Nigel Godrich (Radiohead, Beck). El viejo Macca aguantó el rigor de un productor que le perdió el respeto en pos del trabajo, lo que dio como resultado un puñado de melodías que reafirmaron su posición como uno de los gigantes de la música moderna.

22.- The Sophtware Slump / Grandaddy (2000)

Un equilibrio entre perfecta producción sonora y dos referentes palpitates: The sophtware slump, estimado lector, es como mixar Good morning spider de Sparklehorse con OK Computer. Un disco cuasi electrónico hecho paso a paso, que acabó inscribiendo a Grandaddy en las marquezinas del nuevo milenio y todo gracias a una cuota precisa de amargura y belleza combinándose en su impecable y refrescante sonido.

21.- BRMC / Black Rebel Motorcycle Club (2000)

Oscuro y con olor a cuero. Pelos enredados y un aire a The Jesus and Mary Chain actualizado por el pulso de una batería pegajosa y puñetera. La presentación al mundo de BRMC desde Los Angeles, California, fue una apuesta por darle la espalda a las modas y acercarse más al sonido noise y under del rock a mediados de los 90. Love Burns, es poderosa y confirma la cohesión de un disco en serio y masculino, que gana mucho cuando se lo interpreta en vivo. Ojo con Too Real y la furiosa y punky Whatever Happened to My Rock n’ Roll. ¿O nos vas a decir que nunca la pusite en el auto a todo volumen?

20.- Keep your own mean side / The Kills (2003)

Punk-blues sensual, más pulido y premeditado que el EP que los dio a conocer, el dúo estadounidense y esta legendaria portada de jóvenes carreteros mancillados por la justicia, dan cuenta de una gran influencia de los Velvet Underground en Kissy Kissy. Más adelante, Superstition toma el punk poético en el que se metio Patty Smith, mientras Alison Mosshart y Jamie Hince, lo envuelven con las ropas de PJ Harvey. El rock and roll en manos de estos dos se llena de hedonismo pero también de humor, de carisma que palpita indeferencia juvenil pero que no necesariamente se adentra en ese bosque.

19.- Phantom Power / Superfurry animals (2003)

Aunque más enfocado y energético, lo que Superfurry Animals logró con su sexto disco está a la altura de lo mejor que han hecho The flaming lips o The Coral. Producido por Mario Caldato, quien trabajó con los Beasty Boys en más de una ocasión, Phantom Power es un compendio de intrincadas composiciones pop, un fluído tan ecléctico como adorable.

18.- The 22 20’s / The 22 20’s (2005)

Debut y despedida. Pero que debut. El primer y único disco de The 22 20’s es un ataque furioso de rock alcoholizado que rinde honores a lo mejor de canon. Inquieto y adrenalínico, el disco y nombre de la banda es un homenaje a la canción 22-20 blues de Skip James. Lamentablemente y cuando varios se sobaban las manos con las posibilidades del segundo LP, el líder de esta agrupación nacida en Lincolnshire, Inglaterra, Martin Trimble, dijo que varias cosas habían cambiado para ellos luego de un año y medio de gira y que ya no le apetecía situarse musicalmente en la banda. Sin embago, el mito quedó grabado.

17.- Silent Alarm / Bloc Party (2005)

Un disco de punk rock en la más tradicional de sus definiciones: guitarras apuradas, baterías galopantes y un vocalista que canta y grita a la vez. Lo que Bloc Party hizo con este, su primer disco, fue algo así como la respuesta inglesa a las bandas de revival made in U.S.A. como -y especialmente- The Strokes o The White Stripes, pero con ese “no se qué” británico que los identifica y un algo propio que los llevó a destacar por sobre otras bandas del estilo y que al momento de analizar lo mejor de la década los coloca como uno de los más interesantes y refrescantes debut de rock. Otros herederos del sonido punk de los 70 que sobresale tanto por la versatilidad de su vocalista como por los brillantes estribillos de sus canciones, gracias a los cuales entregaron éxitos contagiosamente rítmicos como Banquet, Helicopter o She’s Eating Glasses. Ojo con temas enérgicos y potentes como Positive Tension o She´s Heraring Voices y las más delicadas This Modern Love o So Here We Are.

16.- Franz Ferdinand – Franz Ferdinand (2004)

El disco debut de lo escoceses Franz Ferdinand nos trae música rock bailable que se inyecta a la vena. Grabado en Suecia junto al productor de los Cardigans, Tore Johansson, lo de Alex Kapranos y sus muchachos es una fiesta interminable de ritmos frescos que hacen de esta primera placa un clásico, una combinación de inteligencia y diversión que nos lleva a la conclusión de estar frente a una obra maestra de la soltura interpretativa. Take me out fue el primer sencillo que vino a confirmar lo que habían prometido en su primer EP, Darts of pleasure.

15.- Doves – Lost Souls (2000)

Fue el primero y fue el mejor. Un trío donde no hay carilindos y donde dos de sus miembros son hermanos, saltó a la fama con un disco irrepetible. Nominado para el premio Mercury, terminaron perdiendo el galardón a manos Badly Drown Boy, curiosamente, artista para quien abrieron varios shows. Lost souls es rock, pop e indie, pero además, es una suma de canciones de factura impecable que condensan lo mejor de finales de los noventa. Originalmente llamados Sub Sub, todo iba bien en sus vidas hasta que una falla eléctrica en su estudio terminó con un incendio y tres años de material grabado. A partir de ese punto decidieron cambiar de nombre y mirar hacia adelante. Con temas como Here it comes y The man who told everything, la fórmula es armar temas inolvidables sin apelar al himno de estadio. No te haces tan famoso como Coldplay, pero entras en listas como esta.

14.- Return to Cookie Mountain / Tv On The Radio (2006)

Álbum brillante y ambicioso que sorprende por su intensidad al reunir canciones que no dudan en ir en diversas direcciones con una seguridad y personalidad que se agradece. Sonido lleno de influencias (rock, funk, soul), que convergen en un estilo propio dándoles a estos neoyorquinos un lugar entre lo mas interesante de la década. Seguidores de Bowie, estos intelectuales acaban de tomarse un descanso.

13.- Made in the dark / Hot Chip (2008)

The Warning fue justamente eso, una advertencia sonora en medio del baile. Porque si había un poco de paciencia, sería posible encontrar inteligencia y peso específico en medio de ritmos simples sólo en apariencia, y eso es justamente lo que consiguieron con Made in dark. Ready for the floor es la bandera insigne y Break my stride una inyección de poder rítmico. Kinético, sensible y perfecto, bailar nunca fue lo mismo luego de esta luminosa oscuridad made in London.

12.- Pieces of the People we Love / The Rapture (2006):

En el 2003, este cuarteto oriundo de San Francisco pero afincado en Nueva York editaba Echoes, su primera placa y con la cual se tomaba las pistas de baile de todo el mundo con unos sonidos cargados de punk y funk; una unión, eso sí, bastante popular en aquellos años. Por eso, la prueba de fuego para The Rapture estaba en saber si lograrían nuevamente un éxito como aquel y además en comprobar si eran algo más que sólo una banda más de la movida de moda. Todas estas interrogantes fueron dilucidadas y superadas exitosamente con este LP y su refrescante mezcla de estilos, que van desde el rock de los 70 a la música disco o el hip hop de los 80, con excelentes temas como The Sound, Whoo! Alright-Yeah… Uh Huh o Get Myself Into It. Sin embargo, más allá de las influencias a la que pasan revista, lo fundamental en esta banda es el inigualable y genuino entusiasmo de sus integrantes.

11.- Elephant / The White Stripes (2003)

En el primer tercio de la década, los Albirojos The White Stripes nos sacudieron con Elephant (V2 Records), un disco donde continúan con la senda de su punk-rock garagero, sazonado con el lo-fi de White Blood Cells (01). Ellos nunca han dejando de lado el blues que le entrega densidad no sólo a sus canciones, sino que también a los tópicos de sus letras. Elephant refleja eso como en ningún otro de sus discos. Éste fue grabado en Londres bajo los designios omnipresentes de Jack White, quien para darle ese sonido añejo que tanto le gusta, utilizó un grabador de 8 pistas, entre otros equipos vintage. También es el primer álmbun que el dúo sacó con una multinacional (V2 Records, filial de Universal). Otra de las aristas que hace a esta obra un imprescindible de la década, es el material audiovisual derivado de ella. El multiplicativo The Hardest Button to Button, dirigido por Michel Gondry, el caleidoscopico Seven Nation Army, a cargo de la dupla de directores Alex and Martin y el minimalista I Just Don’t Know What to Do with Myself, comandado por Sofia Coppola y protagonizado por la modelo Kate Moss, son poderosos ejemplos. A pesar de que no inventaron la rueda, The White Strpes ha sabido plasmar sus influencias y gustos en cautivantes obras musicales, fabricándose un espacio importante dentro de la historia de la música.

10.- Funeral / Arcade Fire (2004):

Aunque atraen desde un inicio por una serie de lugares comunes sobre sí mismos, como la gran cantidad de músicos en escena, la enorme variedad de instrumentos que hay en sus temas o la multiplicidad de influencias que se pueden descubrir al oírlos, la banda liderada por el matrimonio conformado por Win Butler y Régine Chassagne es mucho más que sólo grandes cifras. Porque este conjunto franco-canadiense formado en Montreal, destaca por poseer una capacidad que sólo los grandes tienen: inspirar, y lo hacen por medio de un sonido que si bien no se jacta de ser único, lograr tal efecto gracias a una ensamblada y rica unión de elementos. Funeral es una obra que reflexiona sobre la vida y la muerte a través de un juego que tiene mucho de ecléctico y elegante, con imaginativas e inocentes letras, furibundas guitarras y pomposos coros y pianos, los que unidos dan como resultado uno de los grupos más enérgicos, dramáticos e intensos de la década, con imprescindibles como Neighborhood # 2 (Laika), Une Année Sans Lumiere, Crowne of Love, In the Backseat o Wake Up.

9.- Yoshimi Battles The Pink Robots / The Flaming Lips (2002):

Electrónica, rock alternativo, sicodelia y la melancólica historia de una pequeña niña que debe enfrentarse al ataque de los robots rosados, sólo con la ayuda de su cinturón negro de karate. Todo eso es el décimo disco de esta banda nacida en la ciudad de Oklahoma en 1983 y que con este álbum temático da vida a uno de los mejores discos de pop rock sicodélico de la era 00′. Editado tras otra de las grandes obras de la banda, Soft Bulletin (1999), Yoshimi Battles The Pink Robots es una experiencia llena de ecos espaciales y atmosféricos, una perfecta mezcla entre sonidos electrónicos y acústicos que dan forma a una enternecedora travesía que, pese a lo fantasioso de su trama, resulta muy humana, con temas como las más conocidas Yoshimi Battles the Pink Robots, parte 1 y Do You Realize?, un verdadero himno entonado con emotiva precisión por Wayne Coine, o las también inolvidables Are You a Hypnotist o In The Morning Of The Maficians. Inolvidable.

8.- You & Me / The Walkmen (2008)

En Estados Unidos nadie les da bola. Mejor así. Eso vuelve más reconfortante encontrarse con ellos. Rock melancólico; indie poderoso con tintes rurales y alma de ciudad electrificada, pero no sólo por las cosas, también por las personas. Los neoyorkinos se despacharon un cuatro larga duración donde cualquier tema podría haber sido el single. Íntimo, denso y hermoso, en You & me se desgranan perlas como Flamingos, On the water, In the new year y Canadian girl, todas gritadas con pasión por Hamilton Leithauser. Tremendo.

7.- Boxer / The National (2007)

Todo empieza con Fake empire y ese piano sumando una batería y un conjunto de capas que van creciendo y bautizando con honores al mejor single del 2007. Pero las cosas no terminan ahí y uno de los productos más originales salidos de Estados Unidos hace la tarea y mantiene el nivel gracias a los susurros densos y el fraseo grave y casi a contrapelo de Matt Bernninger. The National reside e Nueva York pero nunca han sonado como una banda neoyorkina; su indie rockero, intimista pero jamás folky, es una mixtura tan compleja como seductora. En ese contexto, el cuarto LP supera los celebrados Alegator y Sad songs for dirty lovers, y lo hace con temas de estatura impresionante como Mistaken for strangers y Start a war.

6.-Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not / Arctic Monkeys (2006)

El mejor disco debut de la década según la revista Uncut fue también el que se vendió más rápido en la historia de la discografía británica (118.501 copias en la primera semana). Aunque no se menciona muy a menudo, la carrera de la banda liderada por Alex Turner se dio a conocer por Internet, lo que generó una expectativa asombrosa. Lirismo clarividente para fraseos acelerados que golpearon los charts en todo el globo; rápidos y armónicos, lo suyo son guitarras duras que complementan el sentido melódico de The Jam o The Smiths. Acá, los de Sheffield vinieron a tomar la posta dejada por los Blur y la rompen en temas como I bet you look good on the dance floor, Fake tales of San Francisco, Dancing Shoes y Riot Van. Para escuchar una y otra vez.

5.- Fever To Tell / Yeah Yeah Yeahs (2003)

Ruidoso, melódico y caótico. El puntapié inicial de su carrera con una disquera grande fue sorprendente en medio del mentado y renovado influjo punk. Karen O era un pesonaje, estaba loca y formaba parte de un trío capaz de mostrarse atmosféricos incluso ante la potente simpleza del estilo musical que los convocaba. A Fever to tell le bastan 37 minutos para remecerlo todo y con Maps, 3 minutos con 39 segundos para comprender que sus influencias son más amplias de lo que uno podría llegar a pensar.

4.- The seldom seen kid / Elbow (2008)

Un grupo que empezó como un culto y que rompió el gheto del boca a boca con un disco llamado Leaders of the free world, así hasta que su cuarto LP apareció para mejorar lo que parecía inmejorable y todos los premios musicales europeos le cayeron merecidamente, entre ellos, el prestigioso Mercury Music Prize, donde le ganaron a los favoritos de los tabloides y luminarias: Radiohead, Burial y The Last Shadow Puppets, todo un mérito en tiempos en que la agilidad de las guitarras y de los peinados a la moda parace imponerse. Y es que Elbow no está compuesto por adolescentes y eso es una bendición en la manera emocionante, compleja y sensual en que realizan sus arreglos. Temas que mezclan de manera perfecta melodías épicas, sutileza y rock de múltiples caras y ánimos (Starlins, Grounds for Divorce, One Day Like This), y la voz pastosa de Guy Garvey’s que tiñe de noche y bar la intensidad de un quinteto nacido en Manchester. Elbow no se conforma con poco y cada tema es una apuesta sonora de belleza y sofisticación. Intensidad en plena forma y dominio; nadie sabe si podrán superar la calidad de The seldon seen kid, pero eso ya da lo mismo.

3.- Songs for the Deaf / Queen of the Stone Age (2002)

Vamos a decir que es uno de los mejores discos de rock de la historia y eso debería bastar. Pero hay más. Está Josh Homme es su mejor momento compositivo y Dave Grohl como invitado, atacando los tambores con una rapidez e inventiva que parece carne para una leyenda. El chiste acá es que al poder se le suma melodía cabalgando en la densa atmósfera planteada por un concepto: Songs for the deaf es lo que te toca escuchar si pones la radio en el desierto de Mojave e inicias un viaje en dirección a tu propio infierno. Trece canciones que braman y no sueltan a nadie que se atreva a escucharlas: No one knows (con Mark Lanegan en los créditos), The sky is falling y Anothe love song, apuntalan un disco que casi vendió un millón de copias en el año de su lanzamiento y sólo en los Estados Unidos, y que consiguió los merecidos halagos de todo el planeta rock.

2.-Is this it / The Strokes (2001)

La prensa británica y no tanto la estadounidense fue la encargada de levantar el fenómeno. Quizás el punto de partida para la expresión purista del revival más popular y masivo del que se tenga memoria. Tomar lo mejor de finales de los sesenta y juntarlo con una actitud panketa sofisticada. Acá respiran con viento fresco los Stooges, The Velvet Underground y Television. De hecho, por ahí alguien dijo que el debut de los neoyorkinos estaba para sacarle lágrimas al mismísimo Lou Reed. ¿Exageración? Lo cierto es que la mezcla entre melodía sucia de garage citadino y look intencionalmente deslavado, no podía fallar. Exhuberantes en Soma y Take It or Leave It, fue la desgarrada simpleza de Someday lo que cambió todo, una pauta que millones de bandas en el mundo llevan diez años tratando de imitar.

1.-Kid A / Radiohead (2000)

No está aquí sólo por sus méritos musicales, aunque le sobran. Está acá porque refleja la sensación del milenio que acababa de apagarse y porque abrió los fuegos sonoros del pesimismo. También porque fue un punto y coma para la mejor banda de los noventa, capaces de mutar en algo diferente y asumir todo el riesgo implícito en aquella decisión. Una inflexión, un deseo. Se dijeron muchas cosas; que no iba a tener baterías, tampoco guitarras, que iba a ser el mejor disco electrónico facturado por una banda no electrónica. Todavía se aparece el recuerdo de cuando fue mostrado en sociedad una semana antes de su lanzamiento oficial. MTV lo anunció con bombos y platillos, tocarían completo y por televisión, al sucesor del aclamado Ok Computer. MTV, que nunca se ha destacado por jugar sus cartas hacia la música alternativa, mucho menos hoy, puso a toda pantalla la imagen de una tornamesa que giraba. Y eso fue todo. Casi una hora duró esa improbable presentación en sociedad. La perspectiva hacia atrás ha sido lo más beneficioso que le pudo ocurrir a un registro que ha ganado adeptos con los años y que deseaba representar, con su título, el nacimiento del primer niño clonado, el Kid A. En muchos aspectos, sin embargo, el cuarto larga duración de los hijos predilectos de Oxford es un túnel complejo que no entra con la primera oída. Y sin embargo, puedes bailar con Idioteque y pensar en tirarte del puente con How Disappear Completely, el relato en primera persona de un muerto que no sabe que está muerto y que goza traspasando paredes; también puedes subir el volumen a la admirable línea de bajo en The National Anthem y al imponente final del más normal de sus singles: Optimistic. Un colage sónico que no dio concesiones ni a los medios ni a quienes esperaban más de lo mismo. Pudieron tomar el camino fácil pero no lo hicieron, ¿no es eso lo que uno busca en una banda de rock? …

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Un timbre de voz profundo para las últimas horas del día. Una vez más, como lo viene haciendo hace más de veinte años, Grant-Lee Phillips se adentra en los caminos del folk más melodioso con Little Moon.

No hay sorpresas en su sexto disco como solista luego de bajarle la cortina a Grant-Lee Buffalo hace casi una década. Sin embargo, es necesario recalcar que el suyo es un camino fortificado por una convicción estilística que se volvió moda sólo hace poco, mientras él, desde la vereda menos comercial, levantaba una canción memorable detrás de otra.

Es extraño lo que este californiano hace al empapar sus temas de claves armónicas sureñas, incluso reflotando trazos de bluegrass en sus estribillos. Es curioso y le da a Phillips un sello particular que alguna vez se vistió de experimentación, usando bases programadas en el celebrado Mobilize (2001). Pero eso ya fue y Phillips no quiere volver a ello. Incluso ya pasó por la catarsis de grabar un puñado de covers (Nineteeneighties, del 2006), así que ¿para qué engañarse? En Little Moon mandan los arreglos de guitarra acústica y poco más junto al piano y la batería. El tema homónimo recuerda al single Mona Lisa de Virginia Creeper (2004), mientras que Strangest Thing aparece con algo de grandilocuencia para romper el molde. Violet, en ese sentido, funciona como uno de los más íntimos, en su calidad de envidiable declaración de amor hacia su hija.

Grabado en vivo en pocos días casi no hay overdubs en él. El aura artesanal se percibe en cada canción y una pátina de clásico envuelve tracks como The sun shines on Jupiter, aunque éste, como los otros once cortes de Little Moon, no vayan a encontrar los oídos más atentos en el público menor de 30. Sin embargo, aquí está: una nueva frazada para abrigarse aunque afuera todo se parezca más bien a un infierno. (R. Vera)

Repasamos sonidos memorables grabados en la capital federal, justo cuando se cumplen 20 años de la caída del muro.

La capital de Alemania Federal como la gris inspiración, como el catalizador de la depresión y la esperanza. Álbumes grabados en el nido de los sonidos industriales, crudos, decadentes y de vanguardia. Berlín, la del perpetuo invierno junto a los vestigios del muro, donde se levantan estudios de grabación que todavía huelen a la Stasi y donde muchas bandas foráneas decidieron grabar sus discos a través de las décadas, antes y después de la reunificación que por estos días cumple dos décadas.

David Bowie, Brian Eno, U2, Nick Cave an the Bad Seeds, Depeche Mode. Los paisajes industriales y de la Alemania del este parecían tener un encanto desgarrador que para muchos rockeros tornaron en urgencia creativa. Ahora la cosa es diferente pero todavía la arquitectura al otro lado de la puerta de Brandenburgo tiene melancolía vintage y los rasgos de resentimiento que rodearon la creación de varias piezas clave en la música contemporánea.

David Bowie fue uno de los primeros. El duque blanco vivió una temporada en el lado comunista de la vereda y en 1970, secundado por Brian Eno, comenzó a materializar The Berlin Trilogy. Sonido más bien electrónico y sintetizadores que recogen lo que se fraguaba en el underground berlinés. Bowie lo reproduce sin respiros, en entregas que tienen mucho de experimento y poco de pretensión comercial. Sin embargo, su influencia en el New Wave posterior es indiscutible. Los discos son Low, Heroes (el único grabado íntegramente en Berlín) y Lodger.

Un impulso de todo esto sopló la espalda de Iggy Pop (también la de Lou Reed, quien en 1973 publicó un disco magistral bautizado igual que la ciudad). Iggy pidió ayuda a Bowie para dar forma a su primer intento solista: The Idiot (1977). Apenas 8 temas grabados indistintamente en Munich y Berlín, que aceleran y juegan a ir un poco más allá de lo que el fibroso compositor venía haciendo con los Stooges. El tema Mass Production, que dura casi nueve minutos, es un buen ejemplo. Su voz es letal, montada sobre una capa que mezcla punk con pizcas de Kraftwerk, que sirvieron de inspiración al mismísimo Ian Curtis.

Lo de U2 y Achtung Baby es uno de los símbolos más notables del deseo de una banda por buscar un sonido nuevo no sólo apelando al esfuerzo y a las voces interiores de los miembros, sino que también recogiendo las influencias que brinda el entorno. De este modo, el penúltimo de los mejores larga duración de los irlandeses surgió luego de la reclusión que llevaron a cabo en los viejos estudios Hansa, emplazados a pocos metros de donde pasaba una sección del también llamado “muro de protección antifascista”. La paradoja, sin embargo, fue que el ambiente estaba tan cargado, que la búsqueda de luminosidad ante la reciente unificación se transformó en un montón de malas vibras que tiñeron de oscuridad Achtung Baby. El productor Brian Eno lo recuerda así: “Berlín se transformó en un apoyo conceptual para el disco. El Berlín de los años treinta -decadente, sexual y oscuro-, resonando contra en Berlín de los años noventa -renacido, caótico y optimista-”.

El grupo se instaló ahí el 3 de octubre de 1990 para grabar una abrumadora cantidad de tomas por cada canción. Una búsqueda que dio sus frutos, consiguiendo unánimes elogios cuando fue lanzado el 19 de noviembre de 1991. Dicen que por esos días Edge venía escuchando desde música dance hasta Nine Inch Nails, mientras que Larry Mullen Jr. mataba el tiempo con Jimi Hendrix y Cream. El cóctel estaba servido.

De la nueva camada, quienes viajaron a ese lado de Europa para conjugar estilo e impronta, fueron los ingleses de The Rakes. Su álbum Klang (sonido, en alemán), publicado este año, tiene como resultado las letras más directas y los temas más agudos de su breve carrera. ¿La razón?… nada, sólo gracias Berlín por favor concedido. (Raúl Morales)

Con Truelove’s Gutter el artista revisita lo mejor de la interpretación masculina de las últimas décadas. Un disco que tiene algo de rocanrolero melancólico, un poco de baladista folk y mucho de crooner.

“¡Alguien llame al 999, Richard Hawley ha sido asaltado!”, exclamó durante la entrega de los Mercury Prize de 2006 Alex Turner, líder de Artic Monkeys y nuevo niño mimado de la escena británica. Esto, luego de que su banda se adjudicara el premio a mejor disco del año, categoría en la cual Hawley también competía con su tercer álbum solista, Coles Corner, de donde se extrae su tema más conocido, The Ocean.

Más allá de la anécdota, el episodio refleja la historia de un músico que pese a ser considerado una de las personalidades más interesantes de la actual escena inglesa, tanto lírica como vocalmente, ha visto reducido su lugar a un inmerecido segundo puesto.

Y aunque se le conozca más por haber sido guitarrista -no oficial- de Pulp, la desaparecida banda de Jarvis Cocker, que por su carrera solista, Hawley, lejos de intentar atrapar adeptos con un disco acorde a las leyes del mercado entrega con Truelove’s Gutter, una placa que pareciera hacer intencionales oídos sordos a ello.

Con su sexto larga duración, el músico demuestra saber qué quiere y por qué lo quiere. A sus 42 años, tiene claro que no será la nueva sensación del pop: eso fue enterrado hace más de una década, luego de su paso como músico de acompañamento para bandas de poca monta como All Saints y luego de sus destructivos excesos de drogas y alcohol.

Este disco es un verdadero lujo por el cual el autor no da explicaciones y que destaca por recoger lo mejor de la tradición interpretativa masculina de las últimas décadas, con un poco de crooner, rocanrolero melancólico y baladista folk a lo largo de sus ocho canciones. Así, temas como Don’t You Cry y Remorse Code destacan, además de por sus 10 minutos de duración, al recordar –sin ser plagio ni imitación barata- a Leonard Cohen en el caso del primero y a Roy Orbison en el segundo. Frank Sinatra, Elvis Presley y la chanson francesa no podían faltar y también son revisitados en temas como Ashes on the Fire y Soldiers On, esta última con un remate de elegante dramatismo.

Y aunque no es el único artista contemporáneo que juega con la nostalgia, es más, en algunos temas recuerda a Bill Callahan (Smog), por el fraseo y tono de barítono de su voz, o a Benjamin Biolay, en las canciones herederas de Gainsbourg y compañía, Hawley saca ventaja por la variedad y forma casi arquitectónica en que ensambla tales influencias.

Truelove’s Gutter es un disco de ritmos pausados y atemporales, de un músico nacido y criado en Sheffield –casi todos sus disco, incluyendo éste, remiten en su título a un lugar de esa ciudad-, conocida por la calidad de sus letristas y que en esta ocasión cumple con creces el peso de dicho cartel. (Alejandra Zúñiga)

Título:
Truelove’s Gutter

Género:
Pop.

Sello:
Mute U.S.

Tracklist:
1. As The Dawn Breaks
2. Open Up The Door
3. Ashes On The Fire
4. Remorse Code
5. Don’t Get Hung Up In Your Soul
6. Soldier On
7. For Your Lover, Give Some Time
8. Don’t You Cry