Astutos y alegres como en sus mejores álbumes –el mayúsculo Paul’s Boutique (1989) y el bailable Check Your Head (1992)-, el grupo sigue demostrando brillantemente que todo está permitido: la mezcla de los estilos y la fusión de los ghettos.

Cuando Adam Youch, antiguo tibetano y un tercio de Beastie Boys, recibió la noticia, cayó en una depresión. Le habían diagnosticado un tumor canceroso y el tipo vio que se le derrumbaban los planes. Mike D y Adam Horowitz, los dos restantes de la banda, no se hicieron problemas. Tomaron el disco que recién habían grabado y lo pusieron en el congelador. La idea era compartida: esperar la recuperación de Yauch y salir, otra vez, los tres, a comerse los escenarios.

A casi un año y medio de esos hechos, la historia es distinta. Yauch se liberó de su enfermedad y Beastie Boys, el grupo que volvió universal, políglota y multicolor al hip hop, está en circulación con su séptimo disco, Hot Sauce Committee Part 2, que vuelve a posicionar su nombre como uno de los más trascendentes de la historia del género.

Astutos y alegres como en sus mejores álbumes –el mayúsculo Paul’s Boutique (1989) y el bailable Check Your Head (1992)-, el grupo sigue demostrando brillantemente que todo está permitido: la mezcla de los estilos y la fusión de los ghettos. Desde el arranque, el disco huele a sus dos fuentes centrales: la vieja escuela de hip hop y su ciudad, Nueva York.

Si To The Boroughs (2004), su anterior obra, había mostrado esquirlas de su sonido festivo y tonificante, Hot Sauce…remite a una vieja teoría en su música: dar vida a unos ritmos que parecen estar poseídos por el mal de Parkinson. Entre fraseos callejeros y acrobacias sonoras, sus canciones están empapadas de lo mejor de su trayectoria. Hay baladas sicodélicas -“Multilateral Nuclear Disarmament”-, hardcore de sus primeros tiempos -“Lee Majors Come Again”-, funk glorioso -“Funkey Donkey”- y hip hop de precisión quirúrgica -“Ok”-.

En tiempos en que con solo un click se puede oír toda la música del mundo, cuesta encontrar bandas al nivel de Beastie Boys. Aunque su ausencia por largos años en la década pasada nos hizo olvidar su valiosísimo legado, trabajos como Hot Sauce…los sitúan en el escalafón más alto posible. A diferencia de gloriosos colegas que crean con el piloto automático -U2, sin ir más lejos-, los neoyorkinos han hecho una obra de autosuperación. Es un álbum que aunque se pasea por distintos estilos, va directo a lo esencial: el placer de crear un groove, de provocar la combustión de la energía y producir la implosión eufórica.

Más que nunca, Beastie Boys es de esas bandas que cuelgan en sus hombros la llama de la eternidad. Como unos Beatles del hip hop, han imbuido su trabajo de una ética personal, en que sus experimentos melódicos no han perdido un ápice del irrenunciable sentido de existir de su música: la fiesta interminable. (Felipe Rodríguez)

Tracklist:

No es casualidad que PJ Harvey grabara su octavo disco solista, Let England Shake, en una iglesia ubicada en un acantilado frente al mar. Acostumbrada a dar saltos musicales al vacío, la inglesa es capaz de pernoctar en diferentes registros estilísticos sin marearse ni perder confianza.

Este nuevo cambio de rumbo -tras el gótico y reposado White Chalk (2007) y el teatral A Woman a Man Walked By (2009)- está atravesado por un concepto fundamental: la Primera Guerra Mundial. Bajo esa premisa donde se confunden Inglaterra, soldados, muerte y sangre, la solista -junto a habituales colaboradores como Flood, Mick Harvey y John Parish- recorta las postales que arrastra la destrucción a su paso: soledad, carencias, huérfanos y dolor. Sin líricas populistas que hablen de buenos versus malos, PJ Harvey se aferra a un folk fantasmagórico, de recursos instrumentales mínimos y precisos donde los coros masculinos y sampleos de marchas de un regimiento irlandés o cánticos orientales caminan juntos para construir un disco imprescindible. Como pocas obras actuales, Let England Shake no tiene capítulos desechables y es, con toda seguridad, el mejor álbum en la carrera de la inglesa. Simplemente magnífico. (Felipe Rodríguez)

Tracklist:

Tipos haciendo música que refleja el estado de ánimo en los oscuros tiempos que corren; vanguardistas lacónicos insoportablemente afectados o músicos talentosos a quienes se les dan bien las armonías. Como sea, los discos de Radiohead han mutado sin convertirse jamás en lo que la prensa especializada anticipó para ellos (ni The Bends u Ok Computer terminaron  sonando como se especulaba), y el último, The King of limbs, es una vibrante caja de sonidos sintéticos que se sumó desde hace un par de semanas a la lista.

Su lanzamiento fue un tanto sorpresivo. Se anunció en su sitio web y a través de Twitter el 14 de febrero de 2011, siendo presentado en sociedad el 18 de febrero, un día antes que lo programado y con posibilidades de descarga en formatos WAV y MP3.

Sobre su sonido y aunque a estas alturas parezca lugar común, es válido enfatizar lo que tiene en común este disco con Kid A, primer apronte compositivo sostenido sobre bases más electrónicas que rockeras. Para quien no ha escuchado The king of limbs, alguien por ejemplo, a quien si se le menciona la banda de Tom Yorke sólo piensa en Creep o Paranoid Android, baste decir que ahora la melodía es conducida por el paladar sonoro que Yorke mostró en su disco The eraser (2006), es decir, por una marcha calculada y frenética cruzada por el dub y el electro. Por eso no sorprende que el primer single, “Lotus flower”, corresponda a un tema que el frontman tocó en la gira con su proyecto Atoms for peace.

De este modo y arrancando como si un ejército de máquinas moribundas marchara directo al paredón, “Bloom”, primer tema y justo resumen del tono y musculatura del octavo disco de Radiohead, hace las veces de declaración de principios, con un contrabajo a lo Charles Mingus rompiendo el metrómeno desde la pieza del fondo. Cuidado, que aquí nadie rasga una sóla guitarra hasta que ha pasado más de la mitad del álbum. La impecable Codex, triste con un plano distante que se evapora y que sirve de antesala para la sensible “Give up the gost”, reafirma el concepto de que cuando pisan el freno, los de Oxford muestran la melancolía de siempre. Sin embrago, el matiz viene después, cuando el sofisticado soul de “Separator” nos dice que hay una variedad más compleja de sabores en la reafirmación de lo que Radiohead entiende por progreso.

Tracklist:

Coraje que vibra para invitar bailar pero también para desgranar los componentes cada vez menos obvios de su música. El tercer disco en la carrera de los australianos Cut Copy es un salto cualitativo: Zonoscope lanza su candidatura como uno de los mejores en el comienzo del 2011.

Ellos, que estuvieron animando el año nuevo en nuestro país el pasado 31 de diciembre,  junto a Midnight Juggernauts y The Presets, lideran la nueva horneada que se amasa en la isla de los cocodrilos, los canguros y AC / DC. Con este trabajo, lo que consiguen es dar el paso más importante para dejar de ser sólo una banda de tecno-rock bailable y trascender.

El álbum lanzado la semana pasada es palpitante, y si bien hay trazos de su ADN más ligero en temas como “Sun God”, están cortes sintéticos y sofisticados como “Pharaohs & Pyramids” para mostrar todas las posibilidades de su inventiva.

Así las cosas, el disco funciona mejor (de manera más estable, por así decirlo), en cortes como “Strange Nostalgia for the Future” (tremendo título) y en “Where I’m Going” y “Need You Now”, melodías enfocadas y extrovertidas, llenas de nervio y armonías oreja que nos recuerdan de qué va Cut Copy, o más bien, de hasta dónde pueden llegar.

Es la música y también es la técnica vocal de su frontman, Dan Whitford, involucrado hasta los huesos en ejecutar un soul blanco en “Hanging Onto Every Heartbeat” lo que pavimenta la confianza en un futuro prometedor.

“Muchas de las canciones son conducidas por la batería y por lo mismo, me pareció que había que cantarlas de una manera diferente a como lo había hecho en el disco In ghost colours, que tenía un sonido más amable. Acá la cosa es más cruda y hasta primitiva. Es diferente y se nota, como que los temas necesitaban un golpe”, declaró  Whitford al blog Interviews / reviews

Tracklist:

1. Need You Now
2. Take Me Over
3. Where I’m Going
4. Pharoahs And Pyramids
5. Blink And You’ll Miss A Revolution
6. Strange Nostalgia For The Future
7. This Is All We’ve Got
8. Alisa
9. Hanging Onto Every Heartbeat
10. Corner Of The Sky
11. Sun God

La juventud, que a veces sirve como salvedad, también puede ser un mérito. En el caso de este bajista de 22 años llamado Ismael Oddó, lo que produce con su primer disco en solitario, Déjame dormir, es un compendio honesto y prometedor de lo que puede venir más adelante.

Luego de algunas temporadas facilitando su talento para Alamedas y ese gran procesador de influencias que es Alejandro Gomez, el bajista decidió dar un paso al costado. Su fallida inquietud por aportar a la estructura de las canciones en aquel grupo fue el punto de inflexión. Ya que su estilo era diferente y su visión ameritaba el intento, Mr. Oddó hizo tiempo extra y grabó cinco temas que se multiplicaron hasta dar vida a este compilado pop de líneas noventeras que será presentado de manera oficial a fines de noviembre.

En los diez cortes destaca el arranque bautizado “Despiértame” (el hombre tiene sus obsesiones con el tema del sueño), este marca la pauta; una especie de carta de navegación que tiene sus puntos altos cada vez que Oddó acelera el paso y logra romper con el vicio de la monotonía. En ese sentido “No es igual” y la más Supergrass de todas “Si has sabido de mí” (no tan veloz pero guiada con autoridad por el riff de guitarra), ayudan a conseguir el objetivo.

Aunque nuca será del todo recomendable mezclar a la desaparecida banda responsable de “Alright” con Cerati (otra confesa influencia), los quiebres melódicos de los primeros siempre serán un matiz más valioso del que agarrarse. Oddó, en camino hacia el afianzamiento de su identidad musical, puede echar mano de su buen oído y de la calidad en los arreglos que exhibe en “Suena tan simple” para seguir adelante. Nada tendría porqué salir mal.

Tracklist:

1.-Despiértame.
2.-Si has sabido de mi.
3.-Déjame dormir.
4.-Ojos con humo.
5.-Desastre.
6.-No es igual.
7.-Huellas saturadas.
8.-Suena tan simple.
9.-Jimmy.
10.-Recuerdos.

Cuando hace unos cinco años, Isobel Campbell, la ex violonchelista de Belle and Sebastian y ex novia del líder de esa banda, Stuart Murdoch, se unió al ex Screaming Trees, Mark Lanegan, las sospechas fueron rápidas: parecía la versión del siglo XXI entre la dupla que en los ‘60 conformaron Nancy Sinatra y Lee Hazlewood. La dulce y la bestia.  Ambos eran reconocidos por su carácter difícil y pocos creyeron que se llevarían bien en estudio.

Sin embargo, el tiempo parece haberle dado la razón al dispar dúo y la muestra de aquello es “Hawk”, tercera colaboración de esta pareja y donde más que develar distancias se demuestra su admirable fiato.

El disco es un verdadero ejemplo de que los polos opuestos se atraen, con una propuesta que reúne lo mejor de ambos mundos: la etérea dulzura de Campbell, quien se pasea por una gama que va de la ternura a la sensualidad, gracias a un registro que encuentra en su aparente timidez lo necesario para destacar en forma precisa junto a la rasposa y profunda voz de Lanegan.

Se trata de un álbum que rescata sonidos de antaño con evidente admiración por la tradición musical americana. Porque ya sea gospel, blues, folk o country, el dúo presenta grandes interpretaciones donde, más allá del buen sonido logrado, destaca el gusto por la música y sus héroes, muchos de ellos “olvidados”.

Así, a lo largo de sus 13 temas se cuelan aires que van desde James Brown a Roy Orbison, pasando por Nancy Sinatra, Richard Hawley o el dúo formado por Johnny Cash junto a June Carter así como la colaboración del ex guitarrista de Smashing Pumpkins, James Iha.

Porque “Hawk” tiene eso que muchas veces falta en la música: verdadera entrega y genuino convencimiento. Algo que dista mucho de querer verse ondero, darle a las notas correctas o lograr el rasgueo imposible. (Alejandra Zúñiga)

Tracklist:

1.- We Die And See Beauty Reign
2.- You Won’t Let Me Down Again
3.- Snake Song
4.- Come Undone
5.- No Place To Fall
6.- Get Behind Me
7.- Time Of The Season
8.- Hawk
9.- Sunrise
10.- To Hell & Back Again
11.- Cool Water
12.-Eyes Of Green
13.- Lately

En uno de los retornos más esperados del año, The Coral mantiene en su nuevo disco, Butterfly Hose, su sello característico: canciones de vuelo rasante, donde la sicodelia juguetea cómplice con las baladas folk y se resume la mejor tradición guitarrera de Liverpool. Como siempre, una banda para ir a la segura.

Cuando le preguntaron a James Skelly, el líder de The Coral, sobre la inspiración de su nuevo disco, Butterfly House, su respuesta fue inmediata: “el cine, la comida y los asados”. Irónico, el cantante puede estar satisfecho. El grupo acaba de estrenar uno de sus mejores álbumes. Como The Beta Band, Grandaddy y los reformados 22-20’s, The Coral pertenece a una raza extraña: ese tipo de bandas capaces de crear canciones conmovedoras y melodías orgullosas de su personalidad, pero que jamás consiguen ser de impacto masivo.

Sin el guitarrista Bill Ryder-Jones, retirado por decisión propia tras su anterior álbum, Roots and Echoes (2007), y con la producción de John Leckie, un veterano hechicero detrás de discos de Lennon, The Stone Roses, Radiohead, Pink Floyd y The Verve, entre otros, el combo de Liverpool recae en sus mismos vicios: canciones inspiradas en 1965, que mantienen la tradición guitarrera impuesta por Los Beatles y que están diseñadas a partir de una sicodelia sutil, a medio camino entre el vuelo y la tierra.

En 18 canciones, la banda repasa la mejor tradición armónica de su ciudad. Aquí sobrevuelan las guitarras envolventes de Shack, la inocente dulzura de La’s y la belleza lunática de Echo and the Bunnymen. Sin olvidar, por cierto, a los mayores popes del pueblo: Los Fab Four. Siempre con los ’60 como fetiche sonoro, recrean a The Shadows con Walker Brothers -More than a Lover-, imprimen las baladas ensoñadoras de McCartney -Walking in the Winter- y recuperan los tonos cristalinos de The Byrds -Two Faces-.

Quizás nunca logren la fama que se merecen. Pero da lo mismo. The Coral es de esos obreros de buen gusto y elegancia suprema que siempre serán una bendición. Dignos, altivos y emotivos, continúan despachando gemas atemporales y directas al corazón. Son de los más grandes, aunque, hasta ahora, sólo sean un secreto de pocos. (Felipe Rodríguez C)

Tracklist:

1.- More Than a Lover
2.- Roving Jewel
3.- Walking In the Winter
4.- Sandhills
5.- Butterfly House
6.- Green Is the Colour
7.- Falling All Around You
8.- Two Faces
9.- Shes Comin Around
10.- 1000 Years11.- Coney Island
12.- North Parade
13.- Into the Sun
14.- Coming Through the Rye
15.- Dream In August
16.- Another Way
17.- Circles
18. 1000 Years (Acoustic Version)

Un disco iluminado por las sombras de su familia y su vida personal, Rufus  nos entrega un trabajo valiente y melancólico, una  música incrustada en el corazón de la confesión de un piano desnudo con su voz.

La emoción transmitida por estas doce canciones nos vuelve a abrir los ojos ante el talento de este gran artista cuya música compleja y llena de virtuosismo llama a detenernos un momento y prestarle una atención especial a este disco. El sexto de estudio, es quizás el más desprovisto de todos, sin los arreglos operáticos de siempre, Wainwright arma con su voz y el piano un homenaje a su madre muerta.

Canciones como “Who Are You New York”, “ Martha” o “The Dream” muestran un momento diferente en la música y en la vida del canadiense. El cáncer y el final de su progenitora son un fantasma que recorre este álbum en canciones que tocan su esencia en la tristeza y la frustración del compositor; delicados gritos que encuentran su lugar en el dolor para luego converger en la aparente sencillez de una voz privilegiada: un arma potente en las manos correctas, que intenta despojar al autor de sus demonios para dejarlo avanzar por veredas más reconocibles.

En términos musicales, una obra diferente a lo que nos tiene acostumbrados Rufus, un cuadro íntimo que no se deja ver fácilmente. La respuesta a la vida con la que el compositor intenta mantenerse conectado y a flote, una respuesta, en definitiva, para evitar su silencio. (Rodrigo Morales)

Tracklist:

1.-Who Are You New York?
2.-Sad With What I Have
3.-Martha
4.-Give Me What I Want and Give It to Me Now!
5.-True Loves
6.-Sonnet 43
7.-Sonnet 20
8.-Sonnet 10
9.-The Dream
10.-What Would I Ever Do With a Rose?
11.-Les Feux D’Artifice T’Appellent
12.-Zebulon

Es difícil saber si este disco los hará más populares, con su melódico encriptamiento cubriendo los rincones que Boxer, su anterior y celebrada entrega, no exploró. Si bien High Violet no llega con la potencia del predecesor, es indudable que su arropado sonido fluye con más certeza aquí; porque aquellos rasgos que sólo se escuchaban con aplomo de vez en cuando en discos como Alligator o Sad songs for dirty lovers (y que explotaron llenos de colores y pirotecnia sentimental en su anterior entrega), acá se asientan con más delicadeza y detalle.

No parece haber espacio para concesiones en The National y la expresividad oscura y melódica en Terrible love, está ahí para dejarlo claro desde el comienzo. Ahora bien, si en High Violet no hay singles a la altura de Mistaken for strangers, a lo largo de todo su metraje subyace la apuesta de un grupo inquieto, que sigue buscando en su caja de herramientasa a pesar de estar tan apegados a su estilo.

El quinto de estudio para estos amigos de Cincinnati, Ohio, hogar del ilustre Prince, muestra a un Matt Berninger más contemplativo en sus fraseos, no parece sentir necesidad de esos arranques endemoniados que a veces despachaba su garganta (basten los temas Mr. November o Slipping husband como ejemplo). El matiz llega por otro lado, como pasa con con las guitarras que protagonizan Lemonworld, justo antes que la sección rítmica vuelva a tomar las riendas y despeje el camino para The Clogs y Anyone’s ghost, tal vez, una de las piedras preciosas de este esperado cofre sonoro.

Tracklist:
1.-Terrible Love
2.-Sorrow
3.-Anyone’s Ghost
4.-Little Faith
5.-Afraid of Everyone
6.-Bloodbuzz Ohi
7.-Lemonworld
8.-Runaway
9.-Conversation 16
10.-England
11.-Vanderlyle Crybaby Geeks

Originarios de Denton, Texas, Midlake es una banda formada en 1999 y que cambió su sonido desde el funk y el jazz hacia un folk más tradicional y cuasi sicodélico. En este camino nos emocionan con su último disco, The Courage of Others: un álbum que trae la simpleza de poderosas poesías, así como promesas de buena música en una muestra de lo que se puede hacer cuando se tienen ideas claras.

Este larga duración de melodías encantadoras y una virtud absoluta en sus composiciones, es una muestra de una maravilla del folk norteamericano que arropa y arroja melodías envidiables y armonías seductoras, música tranquila que te hace una gran compañía, trazando un camino que va a través de la naturaleza más desnuda hasta la armonía más simple a la que el hombre puede aspirar.

Si bien aquí no hay mucha variedad en las canciones, éstas contienen un pesos específico que las sostiene. Se trata de creaciones sólidas que le dan fuerza al disco, reafirmándolo como una gran obra musical donde se destacan joyas como Winter dies o The horn.

En general, un viaje reconfortante es el que comandan estos tejanos; un viaje sencillo pero de grandes detalles, facturado por sensibilidades que alegran y emocionan el espíritu. (Rodrigo Morales)

Traclist:
1.- Acts Of Man
2.- Winter Dies
3.- Small Mountain
4.- Core Of Nature
5.- Fortune
6.- Rulers, Ruling All Things
7.- Children Of The Grounds
8.- Bring Down
9.- The Horn
10.-The Courage Of Others
11.-In The Ground

Corría 2004 y en el backstage de Roskilde, conocido festival danés, dos respetados músicos ponían la piedra fundacional de lo que años más tarde sería una exitosa colaboración.

Eran James Mercer, vocalista y guitarrista de The Shins, y Brian Burton, más conocido como Danger Mouse, mitad creativa de Gnarls Barkley y productor de discos como Demon Days de Gorillaz, Modern Guilt de Beck y Dark Night of the Soul, junto al recientemente fallecido Mark Linkous (a.k.a. Sparklehorse). Entre mutuas alabanzas, ambos artistas decidieron unirse bajo el nombre de Broken Bells, dúo que lanza ahora su primer trabajo homónimo.

¿El resultado? Un álbum que deambula por aguas menos seguras de lo imaginado y que conserva lo que sus creadores saben hacer mejor sin transformarse en una continuación obligada de sus carreras. Broken Bells ofrece una interesante alquimia donde lo vintage y lo moderno, el pop folk y la electrónica, son ingredientes fundamentales.

The High Road abre el disco con un tema de corte clásico que incluye progresivos guiños electrónicos cercanos a Air y toda aquella escuela francesa. Una elegante mezcla con la que esta canción, elegida además como primer sencillo, da inicio a un variado viaje galáctico caracterizado por la suma de sus dos partes y la evidente gana de “experimentar”.

Con puntos más altos que otros, se trata de una interesante mezcla de guitarras, sintetizadores, órganos y hasta voces de coro, donde es posible ver al propio Sergio Leone dirigiendo uno de sus clásicos spaghetti western musicalizado por Ennio Morricone (Mongrel Heart).

Destacan además Your Head on Fire, uno de los más espaciales cortes emparentado con Flamig Lips o Spiritualized; The Ghost Inside, de esencia más funky y bailable donde Mercer hace gala de una atractiva y aguda voz, y October, redonda mezcla de pop y electrónica que no dejará indiferente a nadie. (Alejandra Zúñiga)



Tracklist:

1. “The High Road”
2. “Vaporize”
3. “Your Head Is on Fire”
4. “The Ghost Inside”
5. “Sailing to Nowhere”
6. “Trap Doors”
7. “Citizen”
8. “October”
9. “Mongrel Heart”
10. “The Mall and Misery”