Con una actuación sobresaliente de Francisca Gavilán, el filme –que se estrena el jueves 11- es un retrato fatalista y emotivo de una artista mayor.

Por Felipe Rodríguez

Antes de filmar “Violeta se fue a los cielos”, Andrés Wood se había ganado una consideración no menor: ser el cronista audiovisual de las costumbres y la identidad del Chile de los últimos cuarenta años. Desde esa perspectiva, su nueva película sobre uno de los personajes más notables paridos en este país era un desafío mayor: debía descifrar las convicciones, la creación y los delirios de una agitadora cultural de estatura mundial.

Es, quizás, en el arranque del filme donde se concentran todas las virtudes de Violeta Parra. En una semana santa cualquiera, la mujer llega a un campamento minero junto a su hermana a mostrar su música. El capataz del lugar impide el acto porque son “días de recogimiento”. Pero Violeta, astuta y ambiciosa, no se intimida. Realiza una obra de teatro inspirada en la crucifixión de Cristo y, cuando todo parece terminar, sorprende a la audiencia. Armada solo con un bombo, entona “Arriba quemando el sol” y se produce la revolución. Compensa su escasez de medios con una constante energía, una percepción de los ritmos y un acercamiento a los colores musicales con una vitalidad increíble. En esa escena, están sus valores artísticos: su música reflexiona, transforma y es tan apasionada que sumerge a los oyentes que, al finalizar su interpretación, la aplauden y vitorean. Entienden que esa canción habla y se identifica con ellos.

Inspirada en el libro homónimo de su hijo Angel, la película salta en el tiempo exhibiendo los contrastes de su existencia. Allí aparece la pequeña Violeta, pobre y vagabunda, acompañando a su padre en miserables quintas de recreo en noches de alcohol; entrevistada en un programa argentino de televisión donde demuestra un agudo sentido del humor; revelando su complejidad anímica cuando se entera en Europa de la muerte de su hija Rosa y decide permanecer en ese continente. Y, también, hablando convencida en una pieza parisina que sus obras estarán algún día expuestas en el museo de Louvre.

El descubrimiento llamado Francisca Gavilán

Para que una película funcione, todos sus componentes deben lucir. Y la elección de Francisca Gavilán como Violeta Parra fue un gran punto a favor del director. Como sucede en pocas ocasiones en el cine chileno, la protagonista brilla con luz propia y es el motor de la historia. Lo que hizo no es poco: aprendió a tocar guitarra, hablar francés y cantar algunas de las canciones más representativas de la artista. Su interpretación es un vector que alivia los procedimientos de la filmación y es capaz, por sí sola, de diluir la frontera entre realidad y ficción.

Gavilán traspasa ese aire intrínsicamente parriano: siempre está consciente de lo que la rodea, pero está cubierta de una brisa emocional decepcionada y fatalista. Desde su fracturada relación amorosa con el músico suizo Gilbert Favré al desprecio -tan contemporáneo- de las clases altas a los artistas cuando tras una actuación para la élite, el organizador la “invita” a comer a la cocina. O, también, en su frustrada masificación de su música en la carpa de La Reina. “Está será la universidad del folclor. Aquí, cerca de la cordillera”, vaticina Violeta en uno de los momentos más conmovedores del filme.

A la inversa de algunas de sus películas más significativas -“Machuca” (2004) y “La Buena Vida” (2008)-, Wood evita la mirada social y se centra en la vida de la creadora, especialmente, a través de sus canciones. “Maldigo del alto cielo”, “Run run se fue pa’l norte” y “El sacristán”, entre otras, son melodías que sirven para construir el rompecabezas de su vida, darle coherencia y sentido a su creación. Ello no significa que el director buscara olvidar uno de los bienes más preciados de su obra: la chilenidad. En el fondo, no lo necesitó. Sabe que, como pocos personajes, Violeta Parra es el retrato del país. Por algo, su vigencia fue, es y será eterna.

Su rostro fue conocido por todos pero su nombre se diluyó entre la fama de su personaje más famoso. Peter Falk falleció a los 83 años tras más de media década de una carrera que contó con grandes actuaciones, muchas de las cuales realizó junto a su amigo, el director John Cassavetes.

Sonrisa pícara y actitud despistada, vestido siempre con una desaliñada gabardina café y resolviendo complicados casos policiales. ¿Su nombre? el teniente Columbo, y ¿su currículum?, cuatro premios Emmy y un Globo de Oro al mando de la exitosa serie que marcó a más de una generación durante los casi diez años que estuvo al aire, desde su estreno en 1971.

Cuarenta años después de colocarse los zapatos del popular detective, Peter Falk falleció el pasado 23 de junio a los 83 años en su casa de Beverly Hills, tras más de media década de una carrera que casi fue truncada por el presidente de los estudios Columbia, Harry Cohn, quien lo rechazó con una lapidaria sentencia: “Por el mismo precio, tengo un actor con dos ojos”, en referencia a su icónica prótesis de vidrio.

Pero, ¿qué hacía Peter Falk cuando se desprendía de su grasiento abrigo y dejaba estacionado en el estudio su destartalado Peugeot 403? Construía una carrera cinematográfica de calidad, con dos nominaciones consecutivas al Oscar –por “Murder, Inc.” (1960) y “Pocketful of miracles” (1961), último trabajo del director Frank Capra – y trabajando codo a codo junto a su amigo John Cassavetes, pionero del cine independiente cuando esta chapa ni siquiera existía.

El amigo Cassavetes

1967, un estadio ruidoso lleno de vociferante fanáticos del basquetball y un puesto de hot dogs repleto durante el intermedio del juego. Ahí, Peter Falk, antes de ser Columbo, y John Cassavetes, antes de ser Cassavetes, se encuentran, se palmotean la espalda en señal de admiración mutua e intercambian números de teléfonos. El primer indicio de una amistad que le dio a Falk algunas de sus mejores actuaciones.

Porque en ese momento ambos preparaban proyectos que podrían e interesaron al otro: Falk tenía en sus manos el guión de una película llamada “Mickey and Nicky” (1976), en la que luego actuarían juntos, y Cassavetes se encontraba elaborando lo que luego se transformaría en “Husbands” (1970),tragicomedia sobre un trío de amigos que tras viajar a un entierro se cuestionan sus vidas, amores y experiencias. La película fue dirigida por Cassavetes y protagonizada por el propio cineasta junto a Falk y Ben Gazzara.

Aunque la cinta fue recibida con aceptables críticas, faltaban todavía algunos años para poner en pantalla “A woman under the influence” (1974), la mejor colaboración de la dupla y una de las más importantes películas del director. Protagonizada por Falk y Gena Rowlands –esposa del cineasta -, la película se centra en los altibajos emocionales de la inestable Mabel y los esfuerzos que realiza su marido por contenerla. Pese a que la película se centra en la figura de Rowland –cuya actuación es considerada una de las mejores de su carrera- encuentra en Falk a un gran co-protagonista, que logra dar con los tonos precisos para entender a esta mujer desbordante e inusual con la que está casado y a la cual quiere pese a las dificultades y la opinión del resto.

En 1986 Falk y Cassavetes volvieron a trabajar juntos en la comedia “Big trouble”, un proyecto con el cual el director se relacionó por encargo y que resultó ser su último trabajo antes de morir a los 59 años.

Un recordado homenaje a su figura fueron las películas “Las alas del deseo” (1987) y “Tan lejos, tan cerca” (1993), donde el director alemán Wim Wenders invitó a Falk a interpretarse a sí mismo. (Alejandra Zúñiga)

“When You’re Strange” es el documental más alabado sobre The Doors. Entre la mala reputación del grupo y los destellos de surrealismo de su líder, el material (que se exhibe en el cine arte Alameda) surge como el definitivo de una banda tan poética como eternamente joven.

En medio de la recreación llena de ensueño que el director Tom DiCillo utiliza como uno de sus métodos de narración en este impecable documental sobre una de las bandas más particulares y definitorias de los sueños de los 60, arremeten con fuerza los acordes de “People are Strange”. Más adelante, Jim Morrison, el chamán de The Doors, se pone un cenicero en la cara y mira a la cámara a través de él. La escena condensa mágicamente el concepto del metraje.

El poeta del rock and roll, el más peligroso e inteligente de una época donde los jóvenes se rebelaban contra todo lo que olía a vetusto, es mostrado en el documental, “When You’re Strange” -que se exhibe en cine arte Alameda y Movieland de La Florida-, como una perfecta mezcla de genio y espíritu atormentado. “Nunca he tenido nada que decir”, admite el mismo Morrison ya en 1969, antes de enervarse en Miami ante un público que sólo le exigía “Light my Fire”. Él opta por mostrarles la entrepierna.

Aunque DiCillo se centra sobre todo en la figura del vocalista, no por ello deja de rendirles tributo a los otros protagonistas. Más aún, en sus aportes cierra el concepto de extrañeza que representa su líder.

Por eso, el cineasta y guionista escribe algo que en la narración de Johnny Depp -un declarado fanático de la banda- suena definitivo. “La música es extraña para los no invitados: no hay bajista. John Densmore (baterista) debe mantener el ritmo, pero su jazz es exacto e impredecible. Robby Krieger (guitarrista) tiene influencias del flamenco, no usa uñeta y su guitarra es rítmica. Ray Manzarek (tecladista), con su piano-bajo eléctrico, toca la base con la mano izquierda y usa la derecha para los acordes. Así fluye el blues”.

Gracias a estas razones, Morrison puede irradiar esa atmósfera surrealista que define a The Doors, como un estrafalario cantante que se tira al suelo y se revuelca, muchas veces en escenarios con decenas de personas arriba, incluidos policías que esperan el momento ideal para arrestarlo.

DiCillo no olvida la mala reputación del grupo, formada básicamente por los escándalos de Jimbo, quien, primero por el LSD, luego la cocaína, pero invariablemente por el alcohol, convirtió muchas actuaciones y grabaciones de álbumes en desastres.

Pero es quizás en la relación con su familia donde el cineasta sugiere el mayor secreto para entender la atormentada mente del artista.

Sin caer en sentencias tan duras como las que hace el reputado biógrafo Stephen Davis en “Jim Morrison: Vida, Muerte y Leyenda”, cuando afirma que su padre no sólo castigaba duramente a Jim cuando niño, sino que lo violó, el director remarca dos puntos: en la carátula del primer y homónimo disco (1967), el cantante escribe que toda su familia está muerta. Al cierre del documental, cuenta que el viejo almirante Morrison tardó 10 años en reconocer que “mi hijo poseía un genio especial que expresó sin ningún tipo de compromiso”. Por Pablo Douzet

El director chileno, ganador del Goya español a la mejor película hispanoamericana por La Vida de los Peces, habló con Rollinga.

-En un diario español hablaste del buen momento del cine latinoamericano…

-Sí, creo que se están haciendo buenas películas. El problema es que en Europa se conocen poco porque no hay demasiada distribución. Y, además, sufrimos de un problema grave: la escasa difusión en los países de origen. Pasa en Chile, pero también en México o la misma España. Las películas gringas acaparan todo. A veces, las mismas películas las dan en 2D, 3D, dobladas. No hay muchos lugares disponibles.

-¿Cómo ves el cine chileno actual?

-Siento que hay buenas películas y una buena generación. No soy de apoyar el cine chileno sólo por apoyarlo, pero se están haciendo buenas cosas. Me gusta mucho el trabajo de Andrés Wood, es un director sólido y que filma con calidad en forma regular.

-Hace unos meses, Raúl Ruiz alabó tu trabajo. Es más, fuiste el único cineasta que recordó…

-Es un honor. He estado con él en algunos festivales y es un tremendo director. ¿Si me ha dado consejos? Más que nada, hemos tenido conversaciones. Tiene un tremendo sentido del humor y es alguien de quien puedes aprender siempre.

-Quizás lo más interesante de tu cine es que has hecho una carrera de autor sin pensar en el efectismo. ¿Lo ves así?

-Para mí, la autoría es fundamental. No hago películas porque espero premios, una cierta cantidad de espectadores o las alabanzas de la crítica. Hago el cine que me gusta y, en lo posible, quiero que la vea la mayor cantidad de personas. La historia que cuento me tiene que gustar. Si es así, todo bien.

-¿Qué se viene ahora para la película?

-Desde que estrenamos en Venecia en septiembre no he parado. He recorrido diez países y he estado una semana en Chile. Este primer semestre tengo que acompañar la película en varios lugares, pero me gusta viajar y lo disfruto porque no está la ansiedad previa al estreno. Me dedico a pasarlo bien.

Nunca me abandones, del director Mark Romanek, es una película que con menos pirotecnia, deja un sabor de boca a lo Niños del hombre. Y también como La carretera. Es sobre un futuro desolador. Pero de uno particularmente angustioso, donde la oscuridad parece irreversible y la ciencia apenas se muestra como una insensible máquina de clonar.

La historia de la extraña y sofisticada academia Hailsham y de tres de sus estudiantes, es contada al igual que libro inspitrador de Katzuo Ishiguro, por una de su protagonistas: Kathy H. Ella habla en primera persona recordando su paso por una escuela perdida en los campos británicos. Ahí, un montón de niños sin padre se preparaban para un destino escrito con pasmosa crueldad: donar sus organos y morir.

En medio de todo esto hay amor y la tristeza de no tener bolsa para guardar sueños de ninguna especie en un mundo que parece cansado. Se trata de un largo raconto que emerge hasta el presente de la que narra; una persona sin parinetes conocidos y con el futuro escrito.

Ella y los demás en su condición figuran aparte del mundo. Son ignorados como individuos, pero al mismo tiempo son usados y aprovechados. Tal como con los sirvientes que protagonizaban otra novela de Ishiguro que fue llevada al cine con éxito: Lo que queda del día.

Lo que hace Romanek es tomar con cuidado esta representación que se hace de cierta parte de la población (jóvenes por cierto) y acompañar visualmente las sensaciones del melancólico relato. La literalidad con la que pretende conseguir su objetivo le restan vuelo, calma y puntería, aunque el director consiga impregnar hasta en el tono del mueble más insignificante, la luz de la desgracia.

Nadie puede discutirle esta fijación conociendo su hoja de vida. Mark Romanek tiene una carrera dirigiendo videos que lo ha llevado a algo más que sólo colocar sus obras en cajas para DVD. De hecho, dos de sus creaciones: “Closer” de Nine Inch Nails y “Bedtime Story” de Madonna, forman parte de la colección permanente del Museo de arte moderno de Nueva York.

Pero esto es cine y el de Chicago, que anteriormente había sorprendido por el thriller protagonizado por un revelador de fotos psicópata (One hour photo, del 2002), todavía sigue buscando la mejor manera de darle fluidez a lo que filma. A pesar de eso, emociona la sensibilidad que demuestra este nuevo ejemplo del camino más reciente que ha tomado el cine de ciencia ficción.

Porque si en los setenta esta vertiente cinematográfica mostraba una visión tecnologizada de los conflictos y de las desgracias, con mucho planeta extraño de protagonista; el cambio de siglo propuso la moda del fin del mundo y de nuestro poco auspicioso devenir como argumento. Habrá que cruzar los dedos para que la cosa cambie, y volvamos a ver los platillos voladores en la pantalla grande antes de que todos terminemos llorando. (R. Vera)

Programación en Hoyts

Uno de los rumores que ha estado corriendo en el mundo del cine ha sido el de la adaptación de la novela de Ian McEwan, On Chesil Beach.

Uno de los últimos de Ian McEwn no tuvo muy buenos comentarios cuando fue publicado, y parece curioso que una historia de las características de este relato cree tantas expectativas en el cine Hollywoodense. Sin embargo, encierra algunas claves del cambio socio cultural que experimentó el mundo en el inicio de los años 60, justo antes de que las dogas, el desenfreno y el rock pusieran su bandera.

Recordemos que este libro tiene como protagonistas a una pareja de jóvenes recién casados que debe lidiar con sus demonios personales. Por un lado está Florence, quien viene de una familia acomodada en la que  nunca se le habló de sexo y que por lo mismo lo ve como algo terrible. Por otro lado se encuentra Edward, quien al contrario de la joven Florence, pertenece a una familia que viene del fondo de la clase media, cosa que lo mortifica y lo motiva constantemente a salir de ese hoyo en el que, según él, está metido. Esta combinación da por resultado una historia con claroscuros en donde los oscuros terminan imponiéndose.

Desde que se filtró la idea de que se estaba pensando llevar esta novela a la pantalla grande, muchos directores apatrecieron en carpeta; el primer nombre que llamó la atención fue el de Pedro Almodovar, lo que dejó a muchos expectantes por el hecho de que este proyecto habría sido el primero del director fuera de España. Entre los requisitos que supuestamente habría pedido el director de Volver y Tacones lejanos,  habría sido tener a Kate Winslet como protagonista.

Todo quedó en nada y fue ahí cuando se instaló la paradoja, ya que Sam Mendes, el creador de Belleza Americana y ex esposo de Winslet, terminó firmando para hacerse cargo de la película. La cinta, que será producida por el mismo Mendes y Pippa Harris, al parecer tendrá como una de sus contrataciones a la también británica Carey Mulligan quien le dará vida a la virginal Florence.

Mendes ha sido conocido por poner temas importantes en sus películas y sacudir un poco los sectores puritanos y conservadores de Estados Unidos (Belleza Americana -1999- es el mejor ejemplo), donde el último filme en esa línea fue Revolutionary Road (2008), en donde actúan Leonardo DiCaprio y Winslet, dupla que no se veía desde la sobreactuada Titanic, de 1997.

Esperemos que On Chesil Beach tenga la calidad a la que nos ha acostumbrado el realizador Británico y que, aunque no sea lo suficientemente vista, vuelva a remecer el conservadurismo que siempre parece imponerse. (Francisco Méndez)

A 25 años de la muerte del talentoso, freak y mesiánico genio llamado Orson Welles  (Wisconsin, 6 de mayo de 1915), se vienen ciclos de sus películas y se anuncia el futuro estreno de una cinta 3D para niños, basada en un relato narrado por él.

Habrá una más de Orson Welles, aunque él no sea el hombre detrás de la cámara. El director confirmado para plasmar  un cuento de navidad creado por Robert X Leed y narrado por el autor del Ciudadadno Kane, se llama Todd Tucker (Monster Mutt).

Leed era amigo de Welles y en 1985 le pidió al cineasta que leyese su relato Christmas Tails para entregar la narración junto con los ejemplares que había editado por su cuenta. Meses después, Welles falleció y Leed guardó las grabaciones en una estantería de un armario en su casa de Las Vegas. Drac Studios,  responsable de El curioso caso de Benjamin Button, terminó siendo la empresa elegida para materializar el último trabajo profesional de Welles, y que responde a una sencilla pregunta: ¿qué pasaría si los renos del viejo pascuero se enferman un día y el gordito de los regalos no tiene quién le tire el trineo? El rodaje comenzará este verano con idea de estrenarla la Navidad de 2011.

La apuesta de TCM

Según Scorsese, “Welles es responsable de inspirar más vocaciones en la dirección cinematográfica de lo que nadie más haya logrado en la historia del cine”.

El permanente juego de espejos, el contrapicado y el travelling definiendo la escencia dramática de algo que Jean Luc Godard sintetizó como una cuestión moral (¿cómo que moral si esto se trata de arte?), y que Welles instaló en medio del blanco y negro con un sentido estético que es un sello obsecionado, como Hitchcok pintando locura en cada nueva película. De eso se trata esto.

Así, lo programado por el canal español propiedad de grupo Turner, es una invitación a sentarse y ver las de siempre y otras joyitas confinadas casi políticamente a un segundo plano por la potencia del Cuidadadno Kane. Recomendamos tres : El extraño, La dama de Shangai y la ambiciosa Mr. Arkadin.

La programación:

Sábado, 9 de octubre:
19:30 horas “Ciudadano Kane”
21:30 horas “Dioses y monstruos: Orson Welles”
21:40 horas “El extraño”

Domingo, 10 de octubre:
13:15 horas “La dama Shangai”
14:45 horas “El cuarto mandamiento”
16:15 horas “Mister Arkadin”
19:50 horas “Dioses y monstruos: Orson Welles”
20:00 horas “Sed de mal”

Sábado, 16 de octubre:
19:30 horas “Macbeth”
21:30 horas “El cuarto mandamiento”
21:40 horas “Dioses y monstruos: Orson Welles”

Sábado, 23 de octubre:
21:20 horas “Dioses y monstruos: Orson Welles”
21:30 horas “Un hombre para la eternidad”
23:35 horas “Mister Arkadin”

Sábado, 30 de octubre:
19:30 horas “Ciudadano Kane”
21:30 horas “Dioses y monstruos: Orson Welles”
21:40 horas “Sed de mal”

La actuación de su vida. Así calificó Cassey Affleck el falso documental que durante dos años “registró” la caída profesional y moral del talentoso actor Joaquin Phoenix. Nada era cierto.

Fue presentado como real y críticos de prestigio como Rogert Ebert quedaron tan impactados, que lo calificaron como el doloroso y triste testimonio de la caída de un talento de la actuación. Sin embargo, Cassey Affleck, director del documental que muestra la supuesta decadencia de Joaquin Phoenix hasta los infiernos, lo confesó todo en una entrevista al New York Times. Aunque más de alguno ya lo sospechaba, la renuencia a seguir actuando, así como la adicción y la conducta errática de Joaquin Phoenix (actitud que tuvo su peak en el 2009, cuando el actor fue invitado al talkshow de David Letterman, donde con suerte pudo balbucear algunas frases), eran parte de una performance cuasi experimental que tomó la forma de una película testimonial titulada I’m still here.

Según Affleck, lo de Phoenix, quien además de verse sobrepasado por la decadencia intentó convertirse en estrella del rap, tenía por objeto que la audiencia “experimentara la desintegración de una celebridad sin el desorden que provocan las ideas preconcebidas”. En ese contexto, ni siquiera las imágenes iniciales de I’m still here, donde se reproducen escenas caseras del actor bañándose en un lago con sus hermanos, son verídicas. En cada minuto del metraje todo lo que se ve son actores. ¿Un engaño impresentable? Affleck se defiende y dice que jamás pretendieron engañar a nadie. De Phoenix se sabe poco, salvo que está listo para volver a la pantalla bajo las órdenes de Andrew Dominik, el director de El asesinato de Jesse James por el cobarde Robert Ford. Pastelero a tus pasteles.

Hace cuatro años, en Cannes, cuando Maria Antonieta y los Strokes dejaron se sonar en una película de época, los abucheos no tardaron en caer sobre Sofia Coppola. Hoy, al ganar el León de oro como mejor película en la 67 versión del Festival de cine de Venecia, la directora se tomó una revancha con Somewhere, y la solitaria vida de una actor golpeado que se reencuentra con su hija.

“Somewhere”, la cuarta película de la hija de Francis Ford Coppola y protagonizada por Stephen Dorff, ganó uno de los festivales más importantes del cine mundial. El presidente del jurado, Quentin Tarantino, fue el encargado de dar la noticia, precisando que se trató de una decisión unánime, “esta película nos encantó desde su primera proyección”, aseguró.

La directora de 39 años dirigió una pieza que habla de la condición de un hombre a medio camino de ninguna parte. Una estrella de cine llamada Johnny Marco que, consumido por la vida frenética de los ricos y famosos antes de llegar a los 40,  acaba de sufrir una caída que lo deja con el antebrazo enyesado.  Su único cable a tierra es su hija de 11 años, quien lo va a visitar cuando menos lo espera.

En general, el tratamiento de la soledad vuelve a darle resultados a la cineasta, en un tópico que ha gobernado su estilo desde Las vírgenes suicidas (1999), una adaptación de la novela del escritor Jeffrey Eugenides, y que siguió explorando con Perdidos en Tokio (2003), y un Bill Murray como jamás lo habías visto antes.

De la Coppola aún no hay muchas declaraciones. The Guardian consigna dos frases de la premiación: “Estos tan orgullosa de haber ganado un León de Oro” y “Quiero agradecerle  a mi padre por enseñarme”. Todo bien.

Hombres que buscan venganza y mujeres venenosas que seducen como serpientes hipnóticas. Mandrill es la nueva película de la dupla formada por Ernesto Díaz Espinoza (director) y Marco Zaror (protagonista) y se estrena este 2 de septiembre en todos los cines del país.

Varios premios en el extranjero y la ansiedad de ver madurar el trabajo del creador de Mirageman y Kiltro, es lo que trae esta historia de un asesino a sueldo, quien comienza su peligroso oficio debido al asesinato de sus padres por un mafioso cuando era un niño.

Digámoslo de una vez, el oscuro trabajo de asesinar a sueldo  -al parecer bien remunerado-, lleva al personaje a verse en la encrucijada, ¿matar o no al padre de la mujer de la cual se ha enamorado, teniendo en cuenta de que éste es uno de los principales responsables de su desgracia? El centro del drama se encuentra marcado por una disyuntiva que hace elegir al protagonista entre el amor o esa venganza que tanto deseaba.

La película intenta acercarse a esos dramas un tanto caricaturizados, que Tarantino tanto ama hacer, con una cuota de ironía que uno disfruta a cabalidad. El problema es que acá hay un deseo de tomarse en serio un estilo de hacer cine que por definición es algo más irónico y burlón en sus exageradas intenciones; en Mandrill algunas escenas parecen un tanto -demasiado- fingidas, lo que lleva a que esta caricaturización se convierta en algo cercano a la vergüenza ajena.

La película puede ser interesante si es que uno busca escenas de lucha y una cierta estética  ganster. El problema está cuando la pretensión supera el presupuesto y la trama en la que se basa el filme. (Rusell Martínez)

Se inició el festival de cine más importante del país. Con invitados ilustres como los cineastas Isabel Coixet, Claire Denis y, principalmente, Abel Ferrara, el certamen contempla más de cien películas y algunos documentales. Aquí, la recomendación de Rollinga para un evento que finaliza el próximo lunes.

Carancho: Sosa es el “carancho” (Ricardo Darín), un abogado turbio que vive de las  víctimas de los accidentes de tránsito. Allí,  conoce a Luján, una joven médico que trabaja  en un hospital. Entre ellos, surgirá una historia    de amor y odio. Con la actuación de Ricardo Darín.

Celda 211: Ganadora de 8 premios Goya 2009  (entre ellos, mejor película), esta cinta muestra  la vida de un joven que se ve envuelto en un  violento motín carcelario. Una película tensa y  desesperada que mantiene con los pelos de  punta.

Villalobos: DJ chileno de exportación y uno  de los referentes más importantes de la música  electrónica en el mundo, el artista con  residencia en Berlín muestra su intimidad, su fanatismo por la música chilena (en sus  canciones mezcla a Violeta Parra con los sonidos sintéticos), y cuenta la historia de su ascenso al Olimpo europeo.

Roskilde: Es uno de los festivales de rock más  importantes del mundo, pero algo desconocido  en Chile. Roskilde es un lugar a unos 40  kilómetros de Copenhage, la capital de  Dinamarca, donde cada año durante cinco días  tocan en cinco o seis escenarios, las mejores bandas del mundo. Este año celebró sus 40 años. Imperdible.

Howl: Aborda el polémico juicio por  obscenidad que se desarrolló en 1957 a raíz del  poema homónimo de Allen Ginsberg, el vate  beat. El filme se centra en la libertad de  expresión y los caprichos que provoca la  obscenidad.

Soul Kitchen: Fatih Akin es el director de  “Contra la Pared”, una de las mejores películas  de la década pasada. Aquí, el alemán de origen  turco realiza una comedia (premiada en  Venecia) que se desarrolla en un bar de  Hamburgo donde conviven un griego con problemas de salud, su novia que se va a Shangai y los parroquianos alcohólicos.

Chequear los horarios y días de exhibición en el sitio oficial.

Ahora libre, alguna vez perseguido. Roman Polanski, un  genio lascivo al que siempre le gustaron las jovencitas, tiene en su propia historia un electrificado guión cinematográfico esperando a ser filmado.

Hubo un día en que Roman Polanski se podía pasear por donde quisiera gracias a su prestigio como cineasta. Aunque perdió a su madre en Cracovia durante la Segunda Guerra Mundial y su padre estuvo preso en un campo de concentración, fue a rodar a Polonia El cuchillo en el agua, en 1961. Fue gracias a esta cinta que se le abrieron las puertas para trabajar en Inglaterra en 1965, cuando rodó Repulsión, nada menos que con Catherine Deneuve. La recompensa pudo ir a buscarla feliz a Berlín: un Oso de Plata.

A esas alturas, el director franco-polaco ya planteaba ciertos principios; se fascinaba con los ambientes claustrofóbicos y los thrillers psicológicos  parecían ser lo suyo.

El resto, precisamente de lo que más se habla hoy, sería una especie materialización de los deseos que Alfred Hitchcock nunca pudo cumplir. Polanski, desde Cuando los ángeles caen, allá por 1959, siempre se embobó con la mujer que puso frente a su lente. Primero, a los 26 años, se casó con Barbara Kwiatkowska-Lass, de 19. No duró más de 12 meses.

Luego después vino su trágica relación con Sharon Tate. Se dice que incluso antes de que protagonizara La danza de los vampiros, Polanski ya se la había levantado al prestigioso peluquero de Hollywood, Jay Sebring. Ambos se casaron en Londres en 1968, el mismo año en el que el director filmó El bebé de Rosemary.

Esta película fue un puñetazo de crítica y taquilla en el mercado estadounidense. Pero el éxito se llenó de nubes cuando la secta de Charles Manson asesinó a su querida Sharon, embarazada de ocho meses, en la mansión ubicada en el  10050 de Cielo Drive, Los Angeles. Polanski se encontraba en Londres.

Justicia parefernálica

El desgano creativo en que cayó pareció quedar atrás con esa cumbre llamada Chinatown, pero a sus 43 años, en 1974, vino la acusación de haber mantenido relaciones sexuales con una joven de trece años llamada Samantha Gailey, todo esto con la excusa de una sesión fotográfica celebrada en el jacuzzi de Jack Nicholson. Ambos sin ropa,  nadando en champagne  y metacualona.

Ya se sabe que Polanski salió arrancando de Estados Unidos apenas pudo, adivinando una condena mayor luego de negociar con el fiscal su culpabilidad para limitar sus penas. Siguió filmando grandes obras como Búsqueda frenética o Perversa Luna de Hiel, y, cómo no, continuó enredándose con sus musas: se emparejó con Emmanuelle Seigner de 22 años de edad, cuando él sumaba 56.

Hace 9 meses, la comunidad fílmica suiza lo invitó para rendirle un homenaje, pero la justicia de ese país terminó apresándolo. Ahora que se le ha levantado el arresto domiciliario, el mismo sistema judicial estadounidense que por años no hizo nada para agilizar el proceso, aparte de buscar publicidad, se queja amargamente. Lo mismo hace Samantha, ahora apellidada Geimer, pero por razones diferentes. Sólo quiere dejar atrás la historia desde que llegó a un acuerdo con Polanski para enterrar el caso de una buena vez.

Y claro, ahora se entiende por qué el director nunca fue a buscar el Oscar que se ganó con El pianista. Seguro que lo esposaban arriba del escenario, en lo posible con un helicóptero descendiendo sobre el Teatro Kodak. (Andrés Quintana)