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30.- XTRMNTR / Primal Scream (2000)

Es un disco que inicia el periodo revisado de la mejor manera, volándote la cabeza y haciendo que no pares de oírlo. Durante los 64 minutos de duración de XTRMNTR (Astralwerks), los muchachos de Primal Scream bajo el mando de Bobby Gillispie nos entregan un crisol de estilos en dosis justas, que nos permiten disfrutar del mejor rock&roll, electrónica en clave house o hip hop en ácido. Letras incendiarias, políticamente incorrectas y contestatarias. Mención aparte merecen los acordes del guitarrista Kevin Shields, quien aporta su cuota shoegaze a un par de temas y el remix de Swástica Eyes en manos de los Chemical Brothers, (la conexión pareciera ser los químicos, pero que más da). XTRMNTR es el punto de inflexión entre Vanishing Point (Reprise, 97) y Evil Heat (Sony, 02), y donde los Primal Scream hurgan en lo mejor de la historia de la música, pero corrompiendo y degenerando no sólo estilos, sino que también formas y tópicos en sus letras. XTRMNTR es como un buen vino elaborado, quien mientras más envejece, mejor sabe, permitiendo disfrutar de todas sus características en cada sorbo.

29.- Sunshine Hit Me / A band of Bees (2002)

¿Cómo será la vida en la Isla de Wight? Dicen que mucho viento, árboles y acantilados, ah, y abundante marihuana. Lo cierto es que semejantes antecedentes fueron confirmados por estos herederos del mejor pop psicodélico del que se tenga memoria, eso sí, alivianado y agilizado con inventiva juguetona, riqueza en los arreglos y un gancho detrás de otro. Rock, reggae, indie, jazz y hasta un cover (A minha Menina, de Os Mutantes), se diseminan con soltura también a través de Punchbag, Angryman y No Trophy. Originalmente llamados The Bees, tuvieron que cambiar su nombre para el mercado yankee por un entuerto de derechos, sin embargo, eso no ha mermado una carrera que ya suma tres discos grandes y sólidos. Por favor, bájalo antes que se termine el verano.

28.- Kish Kash / Basement Jaxx (2003)

Demoraron diez años en conseguir una obra incendiaria, pero más vale tarde que nunca. Kish Kash, es el tercer disco del dúo house formado por Simon Ratcliffe y Felix Buxton y acá presentan contribuciones de Dizzee Rascal, Me’Shell NdegeOcello, JC Chasez y Siouxsie Sioux. ¿Qué consiguieron? un disco bailable pero a la vez lleno de potencia. Aquí no hay ritmos ingenuos, acá hay balazos, fuegos artificiales y clubes en llamas a causa de los martillazos de cada uno de sus temas. El post-punk convertido en caleidoscopio.

27.- Sonic Nurse / Sonic Youth (2004)

Una de las bandas fundamentales del noise estadounidense. Formados en 1981, Sonic Youth dio vida en el 2004 a su disco número 14 y uno de los mejores de su carrera. Y es que tras más de 20 años ininterrumpidos haciendo música, la banda que decidió experimentar y tocar la guitarra con lo que encontrara por delante, como baquetas y destornilladores, da vida a un álbum que une la distorsión característica de la agrupación -con suaves bajos y guitarras que juegan con atmósferas y alternancias rítmicas-, junto a un sentido de la melodía más tradicional. Esto dio como resultado un álbum que no se entrampa en su propia dificultad y que junto a Dirty (1992), es uno de los más accesibles de su carrera. Una placa que prueba la vigencia del trío Moore-Ranaldo-Gordon, esta última saca aplausos con su característica voz poco melódica, en temas como Pattern Recognition, que abre el disco, o Dude Ranch Nursey, los que junto a Stones o Dripping Dream, forman parte de un imprescindible para los últimos diez años.

26.- I’ll be lightning / Liam Finn (2008)

El hijo menor de Neil Finn (nacido en Melbourne pero criado en Nueva Zelanda), no podía escapar a una carrera musical y fundó cuando todavía era un adolescente una banda llamada Betchadupa. Así hasta que le creció la barba y quiso alejarse de Nirvana como inspiración; su padre lo alentó a buscar su camino y el año pasado se despachó un disco que de inmediato llamó la atención de los medios. La revista Rolling Stone lo calificó como uno de los diez artistas para tener en cuenta la próxima década, porque aún bajo la fórmula pop, el hombre consigue no sólo imprimirle su sello sino que además ir un poco más allá al definir un camino de experimentación en temas que siempre tienen ganchos y giros intimistas. Liam toca todos los instrumentos y en vivo suele hacerse acompañar por una vocalista. Y cuando decimos todo, es todo. Lo usual es verlo tocar acordes de guitarra y dejarlos suspendidos en el aire repetitivamente, antes de ir a sentarse frente a la batería. El hombre orquesta del siglo XXI.

25.- Fire in Distant Buildings / Gravenhurst (2005)

Gravenhurst es el vehículo musical para el compositor y productor Nick Talbot, oriundo de Bristol, Inglaterra. Con su tercer álbum consiguió facturar una deliciosa tajada de pop atmosférico agregándole algo más de impronta rock a su estilo. Capaz de evocar sensaciones y recuerdos en sus progresivas lìneas de batería y guitarra, y a medio camino entre algo luminoso y oscuro, The velvet cell y Nicole son dos tracks que están entre lo mejor que ha producido la música inglesa en el último tiempo.

24.- Poses / Rufus Wainwright (2001)

Se encerró en el mítico hotel Chelsea de Nueva York (nido de artistas y taquilla, pero la de verdad), para buscar inspiración y poder fumar crack tranquilo. El genio decsubierto por el legendario productor de los Beach Boys, tenía por delante la difícil tarea de superar el bombazo que significó su debut homónimo, y estuvo cerca. El canadiense consigue ampliar su paleta de colores con una intensidad pop notable, siempre rellenada con una impronta clásica y teatral que en este caso incorpora elementos sintéticos. Menos íntimo, siempre poderoso, detacan Poses, Rebel Prince y Greek Song. El trabajo de un joyero.

23.- Chaos and Creation in the Backyard / Paul McCartney (2005)

Uno de los mejores discos en la carrera solista de McCartney emergió cuando pocos creían en la sorpresa. Una obra de arte melancólica y reflexiva donde el ex beatle respira bajo la producción de Nigel Godrich (Radiohead, Beck). El viejo Macca aguantó el rigor de un productor que le perdió el respeto en pos del trabajo, lo que dio como resultado un puñado de melodías que reafirmaron su posición como uno de los gigantes de la música moderna.

22.- The Sophtware Slump / Grandaddy (2000)

Un equilibrio entre perfecta producción sonora y dos referentes palpitates: The sophtware slump, estimado lector, es como mixar Good morning spider de Sparklehorse con OK Computer. Un disco cuasi electrónico hecho paso a paso, que acabó inscribiendo a Grandaddy en las marquezinas del nuevo milenio y todo gracias a una cuota precisa de amargura y belleza combinándose en su impecable y refrescante sonido.

21.- BRMC / Black Rebel Motorcycle Club (2000)

Oscuro y con olor a cuero. Pelos enredados y un aire a The Jesus and Mary Chain actualizado por el pulso de una batería pegajosa y puñetera. La presentación al mundo de BRMC desde Los Angeles, California, fue una apuesta por darle la espalda a las modas y acercarse más al sonido noise y under del rock a mediados de los 90. Love Burns, es poderosa y confirma la cohesión de un disco en serio y masculino, que gana mucho cuando se lo interpreta en vivo. Ojo con Too Real y la furiosa y punky Whatever Happened to My Rock n’ Roll. ¿O nos vas a decir que nunca la pusite en el auto a todo volumen?

20.- Keep your own mean side / The Kills (2003)

Punk-blues sensual, más pulido y premeditado que el EP que los dio a conocer, el dúo estadounidense y esta legendaria portada de jóvenes carreteros mancillados por la justicia, dan cuenta de una gran influencia de los Velvet Underground en Kissy Kissy. Más adelante, Superstition toma el punk poético en el que se metio Patty Smith, mientras Alison Mosshart y Jamie Hince, lo envuelven con las ropas de PJ Harvey. El rock and roll en manos de estos dos se llena de hedonismo pero también de humor, de carisma que palpita indeferencia juvenil pero que no necesariamente se adentra en ese bosque.

19.- Phantom Power / Superfurry animals (2003)

Aunque más enfocado y energético, lo que Superfurry Animals logró con su sexto disco está a la altura de lo mejor que han hecho The flaming lips o The Coral. Producido por Mario Caldato, quien trabajó con los Beasty Boys en más de una ocasión, Phantom Power es un compendio de intrincadas composiciones pop, un fluído tan ecléctico como adorable.

18.- The 22 20’s / The 22 20’s (2005)

Debut y despedida. Pero que debut. El primer y único disco de The 22 20’s es un ataque furioso de rock alcoholizado que rinde honores a lo mejor de canon. Inquieto y adrenalínico, el disco y nombre de la banda es un homenaje a la canción 22-20 blues de Skip James. Lamentablemente y cuando varios se sobaban las manos con las posibilidades del segundo LP, el líder de esta agrupación nacida en Lincolnshire, Inglaterra, Martin Trimble, dijo que varias cosas habían cambiado para ellos luego de un año y medio de gira y que ya no le apetecía situarse musicalmente en la banda. Sin embago, el mito quedó grabado.

17.- Silent Alarm / Bloc Party (2005)

Un disco de punk rock en la más tradicional de sus definiciones: guitarras apuradas, baterías galopantes y un vocalista que canta y grita a la vez. Lo que Bloc Party hizo con este, su primer disco, fue algo así como la respuesta inglesa a las bandas de revival made in U.S.A. como -y especialmente- The Strokes o The White Stripes, pero con ese “no se qué” británico que los identifica y un algo propio que los llevó a destacar por sobre otras bandas del estilo y que al momento de analizar lo mejor de la década los coloca como uno de los más interesantes y refrescantes debut de rock. Otros herederos del sonido punk de los 70 que sobresale tanto por la versatilidad de su vocalista como por los brillantes estribillos de sus canciones, gracias a los cuales entregaron éxitos contagiosamente rítmicos como Banquet, Helicopter o She’s Eating Glasses. Ojo con temas enérgicos y potentes como Positive Tension o She´s Heraring Voices y las más delicadas This Modern Love o So Here We Are.

16.- Franz Ferdinand – Franz Ferdinand (2004)

El disco debut de lo escoceses Franz Ferdinand nos trae música rock bailable que se inyecta a la vena. Grabado en Suecia junto al productor de los Cardigans, Tore Johansson, lo de Alex Kapranos y sus muchachos es una fiesta interminable de ritmos frescos que hacen de esta primera placa un clásico, una combinación de inteligencia y diversión que nos lleva a la conclusión de estar frente a una obra maestra de la soltura interpretativa. Take me out fue el primer sencillo que vino a confirmar lo que habían prometido en su primer EP, Darts of pleasure.

15.- Doves – Lost Souls (2000)

Fue el primero y fue el mejor. Un trío donde no hay carilindos y donde dos de sus miembros son hermanos, saltó a la fama con un disco irrepetible. Nominado para el premio Mercury, terminaron perdiendo el galardón a manos Badly Drown Boy, curiosamente, artista para quien abrieron varios shows. Lost souls es rock, pop e indie, pero además, es una suma de canciones de factura impecable que condensan lo mejor de finales de los noventa. Originalmente llamados Sub Sub, todo iba bien en sus vidas hasta que una falla eléctrica en su estudio terminó con un incendio y tres años de material grabado. A partir de ese punto decidieron cambiar de nombre y mirar hacia adelante. Con temas como Here it comes y The man who told everything, la fórmula es armar temas inolvidables sin apelar al himno de estadio. No te haces tan famoso como Coldplay, pero entras en listas como esta.

14.- Return to Cookie Mountain / Tv On The Radio (2006)

Álbum brillante y ambicioso que sorprende por su intensidad al reunir canciones que no dudan en ir en diversas direcciones con una seguridad y personalidad que se agradece. Sonido lleno de influencias (rock, funk, soul), que convergen en un estilo propio dándoles a estos neoyorquinos un lugar entre lo mas interesante de la década. Seguidores de Bowie, estos intelectuales acaban de tomarse un descanso.

13.- Made in the dark / Hot Chip (2008)

The Warning fue justamente eso, una advertencia sonora en medio del baile. Porque si había un poco de paciencia, sería posible encontrar inteligencia y peso específico en medio de ritmos simples sólo en apariencia, y eso es justamente lo que consiguieron con Made in dark. Ready for the floor es la bandera insigne y Break my stride una inyección de poder rítmico. Kinético, sensible y perfecto, bailar nunca fue lo mismo luego de esta luminosa oscuridad made in London.

12.- Pieces of the People we Love / The Rapture (2006):

En el 2003, este cuarteto oriundo de San Francisco pero afincado en Nueva York editaba Echoes, su primera placa y con la cual se tomaba las pistas de baile de todo el mundo con unos sonidos cargados de punk y funk; una unión, eso sí, bastante popular en aquellos años. Por eso, la prueba de fuego para The Rapture estaba en saber si lograrían nuevamente un éxito como aquel y además en comprobar si eran algo más que sólo una banda más de la movida de moda. Todas estas interrogantes fueron dilucidadas y superadas exitosamente con este LP y su refrescante mezcla de estilos, que van desde el rock de los 70 a la música disco o el hip hop de los 80, con excelentes temas como The Sound, Whoo! Alright-Yeah… Uh Huh o Get Myself Into It. Sin embargo, más allá de las influencias a la que pasan revista, lo fundamental en esta banda es el inigualable y genuino entusiasmo de sus integrantes.

11.- Elephant / The White Stripes (2003)

En el primer tercio de la década, los Albirojos The White Stripes nos sacudieron con Elephant (V2 Records), un disco donde continúan con la senda de su punk-rock garagero, sazonado con el lo-fi de White Blood Cells (01). Ellos nunca han dejando de lado el blues que le entrega densidad no sólo a sus canciones, sino que también a los tópicos de sus letras. Elephant refleja eso como en ningún otro de sus discos. Éste fue grabado en Londres bajo los designios omnipresentes de Jack White, quien para darle ese sonido añejo que tanto le gusta, utilizó un grabador de 8 pistas, entre otros equipos vintage. También es el primer álmbun que el dúo sacó con una multinacional (V2 Records, filial de Universal). Otra de las aristas que hace a esta obra un imprescindible de la década, es el material audiovisual derivado de ella. El multiplicativo The Hardest Button to Button, dirigido por Michel Gondry, el caleidoscopico Seven Nation Army, a cargo de la dupla de directores Alex and Martin y el minimalista I Just Don’t Know What to Do with Myself, comandado por Sofia Coppola y protagonizado por la modelo Kate Moss, son poderosos ejemplos. A pesar de que no inventaron la rueda, The White Strpes ha sabido plasmar sus influencias y gustos en cautivantes obras musicales, fabricándose un espacio importante dentro de la historia de la música.

10.- Funeral / Arcade Fire (2004):

Aunque atraen desde un inicio por una serie de lugares comunes sobre sí mismos, como la gran cantidad de músicos en escena, la enorme variedad de instrumentos que hay en sus temas o la multiplicidad de influencias que se pueden descubrir al oírlos, la banda liderada por el matrimonio conformado por Win Butler y Régine Chassagne es mucho más que sólo grandes cifras. Porque este conjunto franco-canadiense formado en Montreal, destaca por poseer una capacidad que sólo los grandes tienen: inspirar, y lo hacen por medio de un sonido que si bien no se jacta de ser único, lograr tal efecto gracias a una ensamblada y rica unión de elementos. Funeral es una obra que reflexiona sobre la vida y la muerte a través de un juego que tiene mucho de ecléctico y elegante, con imaginativas e inocentes letras, furibundas guitarras y pomposos coros y pianos, los que unidos dan como resultado uno de los grupos más enérgicos, dramáticos e intensos de la década, con imprescindibles como Neighborhood # 2 (Laika), Une Année Sans Lumiere, Crowne of Love, In the Backseat o Wake Up.

9.- Yoshimi Battles The Pink Robots / The Flaming Lips (2002):

Electrónica, rock alternativo, sicodelia y la melancólica historia de una pequeña niña que debe enfrentarse al ataque de los robots rosados, sólo con la ayuda de su cinturón negro de karate. Todo eso es el décimo disco de esta banda nacida en la ciudad de Oklahoma en 1983 y que con este álbum temático da vida a uno de los mejores discos de pop rock sicodélico de la era 00′. Editado tras otra de las grandes obras de la banda, Soft Bulletin (1999), Yoshimi Battles The Pink Robots es una experiencia llena de ecos espaciales y atmosféricos, una perfecta mezcla entre sonidos electrónicos y acústicos que dan forma a una enternecedora travesía que, pese a lo fantasioso de su trama, resulta muy humana, con temas como las más conocidas Yoshimi Battles the Pink Robots, parte 1 y Do You Realize?, un verdadero himno entonado con emotiva precisión por Wayne Coine, o las también inolvidables Are You a Hypnotist o In The Morning Of The Maficians. Inolvidable.

8.- You & Me / The Walkmen (2008)

En Estados Unidos nadie les da bola. Mejor así. Eso vuelve más reconfortante encontrarse con ellos. Rock melancólico; indie poderoso con tintes rurales y alma de ciudad electrificada, pero no sólo por las cosas, también por las personas. Los neoyorkinos se despacharon un cuatro larga duración donde cualquier tema podría haber sido el single. Íntimo, denso y hermoso, en You & me se desgranan perlas como Flamingos, On the water, In the new year y Canadian girl, todas gritadas con pasión por Hamilton Leithauser. Tremendo.

7.- Boxer / The National (2007)

Todo empieza con Fake empire y ese piano sumando una batería y un conjunto de capas que van creciendo y bautizando con honores al mejor single del 2007. Pero las cosas no terminan ahí y uno de los productos más originales salidos de Estados Unidos hace la tarea y mantiene el nivel gracias a los susurros densos y el fraseo grave y casi a contrapelo de Matt Bernninger. The National reside e Nueva York pero nunca han sonado como una banda neoyorkina; su indie rockero, intimista pero jamás folky, es una mixtura tan compleja como seductora. En ese contexto, el cuarto LP supera los celebrados Alegator y Sad songs for dirty lovers, y lo hace con temas de estatura impresionante como Mistaken for strangers y Start a war.

6.-Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not / Arctic Monkeys (2006)

El mejor disco debut de la década según la revista Uncut fue también el que se vendió más rápido en la historia de la discografía británica (118.501 copias en la primera semana). Aunque no se menciona muy a menudo, la carrera de la banda liderada por Alex Turner se dio a conocer por Internet, lo que generó una expectativa asombrosa. Lirismo clarividente para fraseos acelerados que golpearon los charts en todo el globo; rápidos y armónicos, lo suyo son guitarras duras que complementan el sentido melódico de The Jam o The Smiths. Acá, los de Sheffield vinieron a tomar la posta dejada por los Blur y la rompen en temas como I bet you look good on the dance floor, Fake tales of San Francisco, Dancing Shoes y Riot Van. Para escuchar una y otra vez.

5.- Fever To Tell / Yeah Yeah Yeahs (2003)

Ruidoso, melódico y caótico. El puntapié inicial de su carrera con una disquera grande fue sorprendente en medio del mentado y renovado influjo punk. Karen O era un pesonaje, estaba loca y formaba parte de un trío capaz de mostrarse atmosféricos incluso ante la potente simpleza del estilo musical que los convocaba. A Fever to tell le bastan 37 minutos para remecerlo todo y con Maps, 3 minutos con 39 segundos para comprender que sus influencias son más amplias de lo que uno podría llegar a pensar.

4.- The seldom seen kid / Elbow (2008)

Un grupo que empezó como un culto y que rompió el gheto del boca a boca con un disco llamado Leaders of the free world, así hasta que su cuarto LP apareció para mejorar lo que parecía inmejorable y todos los premios musicales europeos le cayeron merecidamente, entre ellos, el prestigioso Mercury Music Prize, donde le ganaron a los favoritos de los tabloides y luminarias: Radiohead, Burial y The Last Shadow Puppets, todo un mérito en tiempos en que la agilidad de las guitarras y de los peinados a la moda parace imponerse. Y es que Elbow no está compuesto por adolescentes y eso es una bendición en la manera emocionante, compleja y sensual en que realizan sus arreglos. Temas que mezclan de manera perfecta melodías épicas, sutileza y rock de múltiples caras y ánimos (Starlins, Grounds for Divorce, One Day Like This), y la voz pastosa de Guy Garvey’s que tiñe de noche y bar la intensidad de un quinteto nacido en Manchester. Elbow no se conforma con poco y cada tema es una apuesta sonora de belleza y sofisticación. Intensidad en plena forma y dominio; nadie sabe si podrán superar la calidad de The seldon seen kid, pero eso ya da lo mismo.

3.- Songs for the Deaf / Queen of the Stone Age (2002)

Vamos a decir que es uno de los mejores discos de rock de la historia y eso debería bastar. Pero hay más. Está Josh Homme es su mejor momento compositivo y Dave Grohl como invitado, atacando los tambores con una rapidez e inventiva que parece carne para una leyenda. El chiste acá es que al poder se le suma melodía cabalgando en la densa atmósfera planteada por un concepto: Songs for the deaf es lo que te toca escuchar si pones la radio en el desierto de Mojave e inicias un viaje en dirección a tu propio infierno. Trece canciones que braman y no sueltan a nadie que se atreva a escucharlas: No one knows (con Mark Lanegan en los créditos), The sky is falling y Anothe love song, apuntalan un disco que casi vendió un millón de copias en el año de su lanzamiento y sólo en los Estados Unidos, y que consiguió los merecidos halagos de todo el planeta rock.

2.-Is this it / The Strokes (2001)

La prensa británica y no tanto la estadounidense fue la encargada de levantar el fenómeno. Quizás el punto de partida para la expresión purista del revival más popular y masivo del que se tenga memoria. Tomar lo mejor de finales de los sesenta y juntarlo con una actitud panketa sofisticada. Acá respiran con viento fresco los Stooges, The Velvet Underground y Television. De hecho, por ahí alguien dijo que el debut de los neoyorkinos estaba para sacarle lágrimas al mismísimo Lou Reed. ¿Exageración? Lo cierto es que la mezcla entre melodía sucia de garage citadino y look intencionalmente deslavado, no podía fallar. Exhuberantes en Soma y Take It or Leave It, fue la desgarrada simpleza de Someday lo que cambió todo, una pauta que millones de bandas en el mundo llevan diez años tratando de imitar.

1.-Kid A / Radiohead (2000)

No está aquí sólo por sus méritos musicales, aunque le sobran. Está acá porque refleja la sensación del milenio que acababa de apagarse y porque abrió los fuegos sonoros del pesimismo. También porque fue un punto y coma para la mejor banda de los noventa, capaces de mutar en algo diferente y asumir todo el riesgo implícito en aquella decisión. Una inflexión, un deseo. Se dijeron muchas cosas; que no iba a tener baterías, tampoco guitarras, que iba a ser el mejor disco electrónico facturado por una banda no electrónica. Todavía se aparece el recuerdo de cuando fue mostrado en sociedad una semana antes de su lanzamiento oficial. MTV lo anunció con bombos y platillos, tocarían completo y por televisión, al sucesor del aclamado Ok Computer. MTV, que nunca se ha destacado por jugar sus cartas hacia la música alternativa, mucho menos hoy, puso a toda pantalla la imagen de una tornamesa que giraba. Y eso fue todo. Casi una hora duró esa improbable presentación en sociedad. La perspectiva hacia atrás ha sido lo más beneficioso que le pudo ocurrir a un registro que ha ganado adeptos con los años y que deseaba representar, con su título, el nacimiento del primer niño clonado, el Kid A. En muchos aspectos, sin embargo, el cuarto larga duración de los hijos predilectos de Oxford es un túnel complejo que no entra con la primera oída. Y sin embargo, puedes bailar con Idioteque y pensar en tirarte del puente con How Disappear Completely, el relato en primera persona de un muerto que no sabe que está muerto y que goza traspasando paredes; también puedes subir el volumen a la admirable línea de bajo en The National Anthem y al imponente final del más normal de sus singles: Optimistic. Un colage sónico que no dio concesiones ni a los medios ni a quienes esperaban más de lo mismo. Pudieron tomar el camino fácil pero no lo hicieron, ¿no es eso lo que uno busca en una banda de rock? …